Tully (2018): 

 Duración: 95 Minutos
Dirección: Jason Reitman
Guión: Diablo Cody 
Protagonistas: Charlize Theron 
Mackenzie Davis
Ron Livingston (Band of Brothers, El Conjuro, Parkland)

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Cuarta colaboración entre Jason Reitman y la ganadora del Oscar, Diablo Cody. A su vez es la segunda vez que ambos trabajan junto a Charlize Theron -la primera fue en Jóvenes Adultos (2011). Si bien la cinta tiene una temática relativamente cercana a Juno (2007), esta no es una sequela de la misma.

La película comienza con un plano de una escalera, a nivel del piso, en el mismo no hay simetría, ni ningún recurso llamativo. Vemos a la protagonista, en pijama bajar hasta el cuarto de su hijo.
Tully, no intentará engañarnos o, si se quiere, distraernos con una belleza idealizada de la vida cotidiana. Muestra a sus personajes tales como son, y su fotografía (Eric Steelberg) tampoco busca la sublimación.
Sin embargo, la cinta tiene su belleza: es quizás esa calidad del montaje (Stefan Grube) y la comprensión de la vida cotidiana que Reitman y Cody nos pueden traer.
La subjetividad también genera esa belleza y empatía, sea por esos planos muy cercanos a la protagonista, o como la sigue la cámara, también gracias a los conmovedores e irónicos diálogos cortesía de Cody.

Probablemente lo que no termina de encantar sea su giro argumental, que convierte a la película en algo distinto, más cercana a un thriller psicológico, quizás. Claro que se presenta relativamente sostenible, y digno de la protagonista, pero presenta muchos agujeros para rellenar no tan cómodamente.
Las actuaciones acompañan el buen nivel de la película, con una Charlize Theron aceitada, pero quizás a veces opacada por una muy buena Mackenzie Davis. Claro que el desequilibrio también se presenta por un sobre desarrollo del personaje de la segunda, que es increíblemente inteligente y empático -tiene su explicación tales características, pero genera el mencionado desequilibrio-.

Podría pensarse en Tully como una película gasolera: hace cosas interesantes con los recursos disponibles. Lo que la hace distinta y bella probablemente sea su técnica o ideología de filmación: ese realismo similar al europeo, pero estéticamente más cuidado, y con una edición diferente. No presenta un plagio estilístico, sino una visión personal.
Quienes escribimos sobre cine, nos sentimos atraídos a este tipo de películas, de presupuesto moderado e ideas bien desarrolladas, por lo tanto solemos respetarlas mucho. Debo decir que la cinta de Reitman es recomendable, y está por arriba de la media de la industria, sin embargo hay algo en ella que no posibilita una clausura global demasiado exitosa -bajo mi perspectiva-.

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

Misión: Imposible - Repercusión (2018):

-Mission: Impossible Fallout- 

Duración: 147 Minutos

Dirección: Christopher McQuarrie (The Way of the Gun, Jack Reacher, Misión Imposible: Nación Secreta)
Guión: Christopher McQuarrie 
Protagonistas: Tom Cruise
Henry Cavill 
Rebecca Ferguson


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22 años pasaron del inicio de la franquicia -sin contar la serie original-, allá por 1996, con un Cruise de 34 años y dirigida por Brian DePalma. La película más larga de la saga también tiene al único villano en aparecer por segunda vez: Solomon Lane.

Duración record para una película de acción, Misión: Imposible - Repercusión tiene los factibles declives argumentales a la que su tiempo de proyección la expone. A pesar de esto, la integridad estructural de la cinta logra mantenerse en una pieza, probablemente debido a un guión más depurado que el de su predecesora. Claro que tiene sus debilidades, como la constante repetición de "I'm working on it", o su cómoda representación de relaciones heteropatriarcales.
No obstante de su predictibilidad global, hay algunos plot twists interesantes, mejor o peor logrados.
Es esperable que parte del público probablemente no vaya tanto a evaluar que pasa con la integridad estructural del argumento, sino más bien a disfrutar de las escenas de acción, cierta tensión y la ejecución de lo imposible. En estos primeros dos aspectos, no falla: las escenas de acción están bien logradas, gracias al trabajo físico de lxs actores y actrices, y la respectiva coreo.

La acción y la tensión están ayudadas por una poderosa producción que impone variadas y ominosas locaciones, y buen trabajo técnico con sus respectivos efectos visuales.
Si bien hay un buen trabajo físico del elenco no podemos decir lo mismo del trabajo expresivo, que es decepcionante. Quien se salva de la picota es el machirulo Henry Cavill, con un buen trabajo en un rol importante.
En la idea de siempre redoblar la apuesta, siempre complicar más el logro de las acciones, la trama pierde cierta verosimilitud, que intenta arreglar no tan exitosamente con una buena dosis de humor. La realidad es que si bien lo que quiere arreglar la excede, el público reacciona bien al mismo, también con algunas de las caricaturescas escenas de tensión.

Misión: Imposible - Repercusión nos da cuenta que a pesar de todo el tiempo transcurrido con distintos modos de representación, el modo clásico sigue funcionando relativamente bien. Lo que dificulta aquí su éxito completo probablemente sea la exagerada duración de la película y la sobre-esforzada trama, sin embargo, a modo de block buster y para los fans de la saga la película puede llegar a funcionar.

Sinfonía para Ana (2017):

Duración: 119 Minutos
Dirección: Ernesto Ardito (Raymundo, Corazón de Fábrica, Nazión) 
Virna Molina (Raymundo, Corazón de Fábrica, El Futuro es Nuestro) 
Guión: Ernesto Ardito
Virna Molina
Protagonistas: Isadora Ardito (Memoria Iluminada Alejandra Pizarnik, Moreno)
Ricky Arraga (Película Debut)
Rocío Palacín (Película Debut)



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La primera ficción de dos documentalistas premiados por sus biografías de personajes históricos argentinos, tiene como contexto la dictadura cívico militar argentina. Basada en el libro homónimo de Gaby Meik y protagonizada por la hija de lxs directores, Isadora Ardito.

Mientras miraba "ingénuamente" la película tenía la sensación sorpresiva de admirar lo espectacularmente resumido que se presentaban los momentos más sangrientos de la historia argentina, en una narrativa sin embargo, muy íntima. Claro que considerando luego la trayectoria de lxs directores se puede entender al menos la primera cuestión.
Esa difícil transición, del documental a la ficción, no es simple de lograr. Pero recordaba algún caso exitoso como Gilda, no me arrepiento de este amor (2016), de Lorena Muñoz y generan ciertas expectativas tales pasajes.
Sinfonía para Ana resulta tan conmovedora, tan poética visualmente que la oscilación entre "ficción" y documental se siente como un cómodo paseo en catamarán.

Se podría pensar en la cinta de Ardito y Molina como de cine militante, cosa que probablemente no moleste a lxs realizadores y probablemente piante un lagrimón entre quienes nos dedicamos a la actividad política.
Narración quizás un poco idealizada pero honesta, dispone de grandes recursos artísticos para convertir la crónica de Ana en un recorrido histórico vertical y ambicioso.
Esos elementos "artísticos" están relacionados con una excelente fotografía (Fernando Molina) cuyo simbolismo llega hasta lugares inusitados pero legibles, como con buena música y sonido (Gaspar Scheuer). Sería injusto no señalar también el dedicado diseño de producción (Daiana Rosenfeld) que nos transporta a los setenta con toda su luz y oscuridad.

En adición, algo que prima a nivel general, es el lirismo del guión, junto con la mezcla de formatos visuales y sonoros que le dan un aspecto nostálgico envidiable. Claro que poco de todo lo logrado hubiera sido posible sin el sólido trabajo del elenco, especialmente el admirable esfuerzo de Isadora Ardito, como Ana, liderando la historia.
Si hay algún aspecto no del todo refinado quizás refiera a la dinámica de una película que funciona muy bien durante la primera hora, repunta un poco veinte o treinta minutos después para luego terminar algo abruptamente.
Sobran razones para ver Sinfonía para Ana, pero quizás la principal sea que es una rara pieza arqueológica, quizás comparable a un ámbar por su belleza y la(s) historia(s) que se puede(n) sacar de ella.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Rascacielos: Rescate en las Alturas (2018):
-Skyscraper-

Duración: 102 Minutos
Dirección: Rawson Marshall Thurber (Pelotas en Juego, ¿Quién *&$%! son los Miller?, Un espía y medio)
Guión: Rawson Marshall Thurber 
Protagonistas: Dwayne Johnson
Neve Campbell (Scream I, II, III, IV; Walter, House of Cards)
Roland Møller (Northwest, Tierra Minada, Atómica) 



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Tres comedias llevaron a Thurber hasta esta película de acción de las que nos tiene acostumbrados el seis veces campeón de WWE Dwayne Johnson. Como personalidad destacada también tenemos Roland Møller que como Danny Trejo pudo reinsertarse socialmente luego de un pasado criminal para convertirse en actor. 

La primera escena de Skyscraper presenta la película como atrapante, misteriosa y bien lograda. Sin embargo, la segunda evidencia una cantidad de clichés impresionantes. Y la cinta es así: se caracteriza por una total irregularidad y contradicción. Se puede encontrar desde escenas que rayan lo cómico porque ignoran todo sentido común respecto a proezas físicas o el funcionamiento de la gravedad hasta un trabajo visual exitoso.  

Sorprendemente el trabajo de efectos visuales está bastante logrado -claro que no debería resultar muy complicado con un presupuesto de 125 millones de dólares-, como el de diseño de producción (Jonathan Alan Abbott) y hasta la fotografía (Robert Elswit). Este último aspecto, junto al de los efectos, resulta congraciable por la complejidad que presenta mostrar profundidad respecto a una altura imaginada como faraónica. 

La historia de la cinta resulta más creíble de lo que su bufonesco trailer, título y poster parecen indicar, de hecho hasta casi parece razonable su argumento. Por lo que hay un mérito importante a nivel escritura, que sin embargo choca con personajes/estructuras tanto patriarcales como estereotipados, sumadas a diálogos ñoños. Las actuaciones podrían ser catalogadas como suficientes, para evitar cierta malicia, a pesar de la pobre construcción de los personajes. 

Si podemos decir que durante una buena parte de la cinta hay escaladas de tensión importantes que contrastan con cierta predictibilidad típica del género. La música (Steve Jablonsky) cumple exitosamente su misión de complemento de la acción para el caso. 

Rascacielos: Rescate en las Alturas no es una película desatinada para las vacaciones de invierno, si se encuentra la forma de pagar las onerosas entradas de lo que antes era un "entretenimiento" popular. Probablemente deje poco para la reflexión, pero contribuirá al tan necesario esparcimiento que requerimos de vez en cuando.

Mi Calificación: 5 (cinco) Regular

Isla de Perros (2018):
-Isle of Dogs-

Duración: 101 Minutos
Dirección: Wes Anderson
Guión: Wes Anderson
Roman Coppola
Protagonistas: Bryan Cranston
Koyu Rankin (Película Debut)
Edward Norton 

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Segunda película de animación del director tejano nominado a seis Premios de la Academia. A su vez la tercera colaboración escritural con Roman Coppola, hijo del mítico Francis Ford Coppola.
Para realizar los 130.000 fotogramas necesarios para este stop-motion animated film se necesitó un equipo de 670 personas.

Una interesante aclaración al comienzo de la película indica que todos los protagonistas hablan en su lengua original, por eso quienes hablan japonés son traducidos o subtitulados. Si bien puede resultar algo circular que un diálogo sea repetido, le da un trabajo sonoro muy peculiar, y una diversidad enriquecedora. Así es al fin y al cabo el trabajo de Wes Anderson: complejo y enriquecedor.
Con diálogos rebosantes de comicidad y ternura, la historia posee cierta simpleza y trasmite un amor casi universal hacia nuestros amigos caninos.
Algo muy conmovedor son las lágrimas que salen de nuestrxs protagonistas perrunxs, eso nos acerca a la capacidad de compasión y sensibilidad de esos animales que suelen ser maltratados por personas negligentes.

Si hablamos de las voces, la música es otro aspecto a destacar, compuesta por el dos veces ganador del Oscar y colaborador usual de Anderson, Alexandre Desplat. Isla de Perros no sólo sumerge al espectador completamente a nivel sonoro, sino también visual y narrativamente. La fotografía impone planos muy horizontales donde el espectador tiene un encuadre amplio para poder ver todo lo que pasa en cada plano, a su vez la simetría y los planos detalle están a la orden del día.
El trabajo de arte (Curt Enderle) es sencillamente majestuoso: por la creatividad de sus escenarios, el nivel de detalle y la calidad técnica empleada. 
A nivel narrativo la historia propone al espectador no despegarse de su asiento, aunque se sienta cierta pérdida del ritmo pasada una hora de película.

Otro aspecto destacable es el impresionante y heterodoxo elenco que presta su voz: desde Harvey Keitel, Frances McDormand, Tilda Swinton hasta Bill Murray entre otrxs.
Isla de perros es una fina pieza de relojería,  que da cuenta de un trabajo artesanal y artístico no tan común en Estados Unidos, al menos en la actualidad. Y no sólo cuenta aquí el aspecto visual, sino también el sonoro y narrativo. Es decir todos los elementos del reloj funcionan a la perfección, a pesar de algún pequeño defecto de uso.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena 

12 Horas para Sobrevivir: el inicio (2018) 
-The First Purge-

Duración: 97 Minutos
Dirección: Gerard McMurray (Burning Sands)
Guión: James DeMonaco 
Protagonistas: Y'lan Noel (Insecure, House of Another) 
Lex Scott Davis (Toni Braxton: Unbreak My Heart, Training Day (2017), SuperFly)
Joivan Wade (Youngers, EastEnders, The Weekend Movie)


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James DeMonaco abandona la dirección de la franquicia de los "huevos de oro", aquella que hasta ahora con 35 millones de dólares, aproximadamente, recaudó más de 300 millones -y no me extrañaría que llegara a 400 con ésta película-. Originalmente planeada como una trilogía, The First Purge es el punto final de la franquicia, en las manos de un director con un solo largometraje en su haber.

En línea con The Purge: Election Year vemos el costado más político de este "experimento social" distópico. Si bien en las cuatro películas de la saga hay una representación "american way" de la lucha de clases, la representada aquí genera un particular interés por la racialización de la pobreza. Vemos principalmente a afroamericanos y latinos siendo víctimas de un gobierno déspota que no resulta ya tan extraño a la realidad de nuestros tiempos -tanto latinoamericana como estadounidense-.
La manipulación mediática, la obsesión por datos estadísticos, y el desligamiento respecto a la responsabilidad social son las características de los Nuevos Padres Fundadores (NFFA), quienes señalan haber recibido un país económicamente en ruinas. Este gobierno choca con una población un poco maniquea pero pasible de redención.

A pesar de que Dmitri (Y'lan Noel) sea una especie de T-400 justiciero, la historia de la primera purga se sostiene mediante una dinámica donde prevalece la intriga y a veces una violencia grotesca. La cosificación de las mujeres es un elemento extrañamente disfazado a la realidad de nuestros tiempos y la reflexión racial de la cinta, pero está presente.
La solidez de la trama está también sostenida en la construcción sólida del verosímil, a través de buenas actuaciones, y refrescante rap a cargo de Kevin Lax. El trabajo de Rotimi Paul no puede ser catalogado dentro de las buenas actuaciones, por el simple hecho de ser superlativo. Skeletor es un personaje intimidante, y difícil de olvidar, especialmente por su risa y su mirada, como por su terrorífico aspecto (Leo Corey Castellano).
Si acaso faltara algo, el trabajo visual está especialmente pulido, producto de una fotografía (Anastas N. Michos) pragmática donde predomina la alta sensibilidad de los fotogramas -se aprecia cierto granulado en algunas escenas que son predominantemente nocturnas-.

Si bien 12 Horas para Sobrevivir: el inicio, presenta ciertas problemáticas típicas del género de terror, la capacidad irónica de su crítica política adquiere una fuerza inesperada y probablemente no buscada a los ojos de un espectador "político". Quizás esta característica sea o pueda ser hasta anecdótica para quien no considera tal aspecto en su evaluación, porque la cinta abarcada globalmente produce una sensación de completitud o cierre que pocos productos del género tienen.

Mi Calificación: 7 (siete) Buena   

Jurassic World: El Reino Caído (2018):
-Jurassic World: Fallen Kingdom-

Duración: 128 Minutos
Dirección: J.A. Bayona  (El Orfanato, Lo Imposible, Un monstruo viene a verme) 
Guión: Colin Trevorrow
Derek Connolly
Protagonistas: Chris Pratt 
Bryce Dallas Howard 
Rafe Spall (El buen amigo gigante, Swallows and Amazons, El Ritual)




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Collin Trevorrow deja la silla de dirección -aunque probablemente vuelva para la tercer película, proyectada para 2021- para concentrarse en el guión de la segunda parte de la billonaria trilogía de Jurassic World, junto a Connolly que ocupa el mismo cargo que en la anterior cinta. Veintiún años después, tenemos la vuelta de Jeff Goldblum con su simpático y seductor personaje Dr. Ian Malcom.

La colorada "cheta" -ahora devenida en ambientalista- y el pseudo cowboy machirulo -desempleado-, suman ahora a la hipster de buen corazón, al geek asustadizo y al milico malo -claro que es interpretado como un mercenario, no un soldado americano-. El humor de pólvora mojada como los personajes estereotipados siguen siendo un elemento vinculante a su predecesora. La relación entre Owen (Chris Pratt) y Claire (Bryce Dallas Howard), parece recordar a una mala imitación de la que tienen Leia y Han Solo, o a la de Rick Blaine e Ilsa Lund.
A pesar de empezar duramente contra estos aspectos del guión, este se presenta más sólido que el anterior. Quizás por la magnitud de la pregunta que mueve la cinta: ¿Cómo remediar los errores de alguien que jugó a ser dios? El problema resulta hasta más complejo: la Isla Nublar está a punto de estallar por la actividad volcánica, y los dinosaurios corren el peligro de extinguirse nuevamente. 
Exposiciones y opiniones contrapuestas dan credibilidad a un complejo debate entre "animalistas" y "creacionistas" (resignifico el término para expresar la postura de quienes creen que los dinosaurios deben morir por un acto de dios). En este debate brillan los argumentos de Ian Malcom, desarrollados por un nunca decepcionante Jeff Goldblum.

Si mencionamos una performance digna, otra que se le parece es la del prometedor Justice Smith como Franklin Webb, en un rol plano pero bien resuelto.
Sería raro a nivel estético un mal trabajo en un "universo" creado por un maestro como Spielberg, que sin embargo pone alta la vara. Los recuerdos de la trilogía están presentes, bien insertados -el bellísimo bastón por ejemplo-, aunque no muy reflexivamente.
Probablemente quede corto al reconocer los esforzados trabajos de diseño de producción (Andy Nicholson), arte (Andrew Max Cahn y Jason Knox-Johnston) y efectos visuales, porque sinceramente cada artista merecería su reconocimiento individualmente.
Otro aspecto interesante de esta gigante producción es la inclusión de actores y actrices importantes: no sólo tenemos a Goldblum para sentirnos en casa, sino que también tenemos a la multipremiada Geraldine Chaplin y al rendidor Toby Jones.

El bellísimo y malvado Indoraptor, mezcla entre el Indominus Rex de Jurassic World
y Blue, el velociraptor entrenado por Owen.

La secuela de Jurasicc World -que se da el lujo de explicar o explotar el significado del título- posee mayor coherencia que su predecesora, gracias a un argumento armónico aunque de fórmula. Sin decepcionar a nivel visual, y con reminiscencias a la trilogía original es una digna continuación del trabajo de Spielberg.

Mi Calificación: 6 (seis) Buena