Parasite (2019): 

Duración: 132 Minutos
Dirección: Bong Joon-ho (The Host, Snowpiercer, Okja) 
Guión: Bong Joon-ho
Han Jin-won
Protagonistas: Kang-ho Song (Memorias de un Asesino, The Host, Snowpiercer)
Sun-kyun Lee (Paju, A Hard Day, My Mister)
Yeo-jeong Jo (The Servant, La concubina del emperador, Obsessed)

Ficha en Wikipedia
Ficha en IMDb


Con votación unánime al recibir la Palma de Oro del Festival de Cannes, nominada a 6 Oscars,  y ganadora de un Globo de Oro, así se presenta la película del director surcoreano probablemente mejor conocido en occidente por Okja y Snowpiercer.

Como dato anecdótico, la fila para ver la película en un cine-arte era aproximadamente de media cuadra, un lunes a las ocho de la noche. Así influye el boca a boca y las múltiples nominaciones -como victorias- de una película no occidental en épocas de hiper-globalización.
El análisis se vuelve complejo en estos casos, primero por el legajo de la película -¿será como el título de Kim Ki-woo?- segundo por cierta presión de hacer una reseña "a la altura".
No obstante, y sin intención de polemizar -no es mi trabajo-, puedo decir que Parasite no excede ni iguala las expectativas puestas por la cinefilia internacional.

¿Propone un análisis interesante sobre clases sociales? En cierta medida si... No obstante, el análisis parece más un reflujo del pensamiento que tiene la clase alta surcoreana sobre la baja, que al revés. Hay poca reflexión sobre las condiciones que producen esa polarización, y por momentos parece un despliegue caricaturezco de cierto clasismo que tendría la clase baja contra la alta.
Quizás analizando la cuestión en su mejor luz, podríamos decir que lo que está mostrando Parasite es el estiramiento de la brecha salarial entre pobres y ricos, al punto en que una clase debe recurrir a un servilismo -simbólico o no- para tener mínimas posibilidades laborales en un mercado completamente polarizado.
¿Parasite tiene humor negro? No lo podemos negar ¿Funciona? Por momentos. Ciertas situaciones nos hacen empatizar con la familia Kim, siendo parte de un país con crisis económicas que nos dejaron más de una vez al borde del abismo. De hecho, tal empatía nos hace cuestionarnos fuertemente nuestro sentido de la moralidad, y en ese sentido, como en la tendencia del guión a generar tensión hay un triunfo digno de reconocimiento.

Ciertos vuelcos argumentales le dan a la cinta un estilo subterráneo similar al de Snowpiercer, lo que le hace perder cierta verosimilitud y le da a la vez un aspecto hamletiano.
No obstante, poco podemos objetarle a un guión muy personal y a un estilo elíptico bastante inteligente, que se refleja en una fotografía (Kyung-pyo Hong) "metafórica" -usando palabras de Kim Ki-woo-. 
El aspecto sofocante y oscuro, contrapuesto a escenas con una luz intensa y espacios amplios, también está reflejado en el diseño de producción (Ha-jun Lee). Ese contraste también queda poéticamente evidenciado en el recorrido que realiza por la ciudad la familia Kim, en su escapada de la casa Park.
Ya dejando de lado los aspectos más libres de la interpretación, hay buenos trabajos de un elenco coral, de los cuales destacan -según el capricho de este cinéfilo- Song Kang-ho como el padre de la familia Kim y  Cho Yeo-jeong como la madre de la familia Park.
La música (Jaeil Jung) contribuye al aspecto dramático a veces sutil y a veces asfixiante de una cinta que es como un vino demasiado añejado: necesita cierto decantamiento para su mayor disfrute.

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

Dolittle (2020):

Duración: 101 Minutos
Dirección: Stephen Gagan (Sin rastro, Syriana, El Poder de la Ambición)
Guión: Stephen Gaghan
Dan Gregor
Protagonistas: Robert Downey Jr.
Michael Sheen
Antonio Banderas

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia




Remake de las películas de Dr. Dolittle inspirada en el libro "The Voyages of Dr. Dolittle" de Hugh Lofting. Las voces originales incluyen a Rami Malek, Octavia Spencer y Marion Cotillard entre otros.

Dolittle empieza con una escena animada, que resume parte de la historia del doctor con Lily, su esposa, a quien pierde en un naufragio. La escena animada parece dar una inicial frescura, al hacer una breve ruptura con el formato live action, no obstante, esa frescura no se mantiene más adelante.
El imaginario de la película resulta bastante extraño: se mezclan dragones con piratas de rasgos árabes cuyo líder es el actor malagueño Antonio Banderas -quien es poseedor de la única actuación decente-. Demás está decir que la mitología respaldando el fruto que necesita la reina es bastante endeble, y los chistes carecen de sutilezas -aunque no siempre fallan-.

Con el fin de rescatar algo, podríamos decir que las locaciones son un elemento atractivo para la vista, entre tantos animales con CGI. En las actuaciones de voz -dobladas- tenemos un aceptable trabajo de Dalia Gutman como Dab-dab. Quizás otra cosa interesante es que en la historia se habla sobre la muerte sin  tapujos pero con sutileza, además de persistir cierto pensamiento en favor del cuidado de los animales, característico de los relatos de Lofting.

Dolittle es una olvidable remake de un personaje que ya tiene demasiadas películas en su haber. No obstante no podemos culpar a lxs xadres de querer alivianar las vacaciones con una visita al cine, y en ese caso la cinta cumple la función de hacer reír y entretener a chicxs, además de tener la mínima virtud de no ser una película a la que le falte dinámica.

Mi Calificación: 5 (cinco) Regular

1917 (2019):

Duración: 119 Minutos
Dirección: Sam Mendes
Protagonistas: George McKay (Capitán Fantástico, 
Dean-Charles Chapman (Antes de despertar, Game of Thrones, The King)
Mark Strong

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia


Dedicada e inspirada por las historias que Alfred H. Mendes le contaba a su nieto Sam, este drama bélico posee 10 nominaciones a los Premios de la Academia, habiendo ya ganado dos Globos de Oro (Mejor película dramática y Mejor Director).

La guerra mostrada a través de un falso plano secuencia nos lleva a experimentar su aspecto más sangriento, lodoso y verosímil, a través de dos días con dos soldados británicos que deben llevar un mensaje tras líneas enemigas.
Con un estilo que parecería heredero de El Hijo de Saúl, y con cierta épica exagerada de Hacksaw Ridge, no es una película que romantice la guerra, sin embargo, o tenga personajes estereotipados.
Roger Deakins es el encargado de mostrarnos, a través de travellings y angulaciones complejas, una Europa desolada, vista desde la Línea Hinderburg. Claro que el director de fotografía no está solo: hay una increíble dirección de arte como de diseño de producción (Dennis Gassner), sumado a locaciones desoladoras.

Más allá de cierto problema con la épica, 1917 es realmente inmersiva y atrapante: la tensión es un elemento casi constante por los peligros del frente de batalla, y los personajes generan empatía aún sin que sepamos demasiado de ellos. Dean-Charles Chapman y George MacKay tienen una buena cuota de responsabilidad para eso, destacando un poco más el primero que el segundo -el cual tiene un gran trabajo físico-.
Lo estremecedor del diseño de sonido y la naturalidad de ciertos efectos visuales, convierten a la cinta en una pieza de arte, que nunca pierde la subjetividad de la visión de los personajes.

Otro elemento destacado es la música de Thomas Newman, que le da elementos dignos de un thriller y que cuenta con una excelente orquestación. Como elementos a considerar, debemos decir que es complejo para la vista y la mente seguir un sólo plano secuencia de esa duración. La tensión se hace bastante compleja de tolerar por momentos, por cierta carencia de alivios dramáticos -se podría decir que hay una sola escena de este tipo-, en cierto punto la fotografía pierde su naturalidad.
No obstante, se podría comparar a esta película con Dunkerque, por ejemplo, quedando quizás un escalón más arriba y muy bien posicionada en el género de películas bélicas -de las cuales no soy un gran admirador-.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Los dos papas (2019):
-The Two Popes-

Duración: 125 Minutos
Dirección: Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel, Blindness) 
Guión: Anthony McCarten 
Protagonistas: Anthony Hopkins 
Jonathan Pryce

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia



Basada en la obra teatral "The Pope" de Anthony McCarten, cuenta el momento de transición entre el papado de Benedicto XVI y el del Francisco I. McCarten ya había escrito las biopics nominadas al Oscar La Teoría del Todo y Las Horas Más Oscuras, por lo que esta es su cuarta nominación -mejor guión adaptado- al galardón. Los dos papas también fue nominada en las categorías mejor actor (Jonathan Pryce) y mejor actor de reparto (Anthony Hopkins).

¿Cómo hacer llamativa la historia de dos hombres blancos mayores con ciertos privilegios sociales? No hay una respuesta simple, como tampoco a la pregunta de cómo atraer a gente no católica con la historia de dos papas. Probablemente para la primera pregunta podemos hablar maravillas del guión, que si bien desarrolla una escena muy larga e inspirada en el género de dónde se adaptó la escritura, es sencillamente sorprendente por el humor, carisma y humanismo con que presenta a los personajes.
Para la segunda pregunta podemos decir que quizás se deba al manejo de la tensión en la historia: para eso están las grandes actuaciones de Sir Anthony Hopkins y Pryce, pero también un gran trabajo de edición (Fernando Stutz) y fotografía (César Charlone).

Que los personajes resulten dignos de empatía a pesar de sus polémicas resulta -aunque controversial- no sólo de un gran guión sino también de grandes performances. Otro aspecto que le da completitud a la cinta es su particular mezcla entre locaciones, diseño de producción y arte, la cual logra generar una sensación de bastedad y asombro similar a la que las iglesias góticas intentaban producir.
Casi todo resulta color de rosa, excepto algunos flashbacks no del todo significativos, y cierta caricaturización del argentinismo de Bergoglio, en un Juan Minujín demasiado cómodo en el papel y algo estruendoso.

Quizás lo más complejo para que el espectador lidie emocionalmente resulta una muy acertada descripción de hechos ocurridos durante la última dictadura militar en Argentina, que incluye vuelos de la muerte, tortura, secuestro y detención en centros clandestinos como el asesinato de curas villeros entre otros.
La música (Bryce Dessner) tiene una propiedad descontracturante magnífica, que va muy bien con la figura de Bergoglio y el tono más bien fresco y desvergonzado que tiene una película que afortunadamente nunca recurre a la solemnidad.
Un guión estudiado, una selección de locaciones correctas, son apenas algunos de los elementos que hacen que una película de dos horas parezca de una. Probablemente atraiga a una persona de cualquier religión o a otras que no profesen ninguna por la simpleza básica de la historia, que lidia con sentimientos como la soledad, comprensión y tolerancia.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Cats (2019): 

Duración: 110 Minutos
Dirección: Tom Hooper
Guión: Lee Hall
Tom Hooper
Protagonistas: Francesca Hayward (Romeo and Juliet: Beyond Words) 
Idris Elba 
Judy Dench

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia





Destrozado por la crítica y un fracaso de taquilla: así se posiciona el segundo musical del ganador del Oscar, Tom Hooper. Basado en el musical de Broadway de Andrew Lloyd Weber, cuenta con la música compuesta por el propio creador.

Las principales críticas hacia la película vinieron principalmente por el cgi, la trama y su estética. En esto, el periodismo especializado no se equivoca: no sólo el cgi no permite distinguir a gran parte de lxs actores, sino que es completamente antinatural. En el caso de la trama, no parece confusa como señalaron algunxs críticxs, sino más bien pobre: la edición parece decirnos que hay poca historia para contar. Claro que la decisión de respetar el sing-along de la obra original no parece muy acertada: pero eso quizás se deba al ingente número bailes que hay en la película: y en la tediosa decisión de que cada protagonista se presente cantando.

Respecto a la estética podemos decir que es notablemente exagerada para la simpleza que debería tener de acuerdo a la obra de Broadway, lo que también se nota en bailes rígidos y poco naturales. No obstante hay que decir que Francesca Hayward tiene un buen trabajo al mostrar sus habilidades, las cuales provienen de una formación más bien clásica. Taylor Swift y Jason Derulo hacen un buen trabajo con sus competencias, esto es: el canto. A pesar de un buen elenco no se puede decir que haya buenas actuaciones, y uno tiende a preguntarse por qué Judi Dench e Ian McKellen están ahí.
A pesar de los respectivos problemas con la coreografías, hay ciertos números que logran el cometido de espectacularidad, y también se nota cierto tributo estudiado a musicales de antaño. Hay también una buena fotografía (Christopher Ross), que da cierto aspecto de puesta en escena teatral a la cinta, pero eso no resuelve otros problemas.

El vestuario quizás sea lo mejor de la película, lo cual es poco para decir en cierta manera, pero igualmente vale la pena destacarlo. Entre capas de CGI se puede apreciar una buena producción: los escenarios son diversos y la cantidad de elementos en escena demuestran complejidad. La música, aunque con casi nada nuevo bajo el sol, es atractiva y podría servir como forma de acercar a nuevas generaciones al musical de Weber.
Tristemente célebre, en cierta forma -o quizás simplemente triste-, es la puesta en escena de uno de los musicales con más tiempo de exhibición de Broadway. Con una crítica quizás exageradamente cínica, podría considerarse que si ciertas decisiones se hubieran tomado de otra forma la historia sería diferente, pero el cine no es contrafáctico.

Mi Calificación: 4,50 (cuatro y medio) Regular