Los dos papas (2019):
-The Two Popes-

Duración: 125 Minutos
Dirección: Fernando Meirelles (Ciudad de Dios, El Jardinero Fiel, Blindness) 
Guión: Anthony McCarten 
Protagonistas: Anthony Hopkins 
Jonathan Pryce

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Basada en la obra teatral "The Pope" de Anthony McCarten, cuenta el momento de transición entre el papado de Benedicto XVI y el del Francisco I. McCarten ya había escrito las biopics nominadas al Oscar La Teoría del Todo y Las Horas Más Oscuras, por lo que esta es su cuarta nominación -mejor guión adaptado- al galardón. Los dos papas también fue nominada en las categorías mejor actor (Jonathan Pryce) y mejor actor de reparto (Anthony Hopkins).

¿Cómo hacer llamativa la historia de dos hombres blancos mayores con ciertos privilegios sociales? No hay una respuesta simple, como tampoco a la pregunta de cómo atraer a gente no católica con la historia de dos papas. Probablemente para la primera pregunta podemos hablar maravillas del guión, que si bien desarrolla una escena muy larga e inspirada en el género de dónde se adaptó la escritura, es sencillamente sorprendente por el humor, carisma y humanismo con que presenta a los personajes.
Para la segunda pregunta podemos decir que quizás se deba al manejo de la tensión en la historia: para eso están las grandes actuaciones de Sir Anthony Hopkins y Pryce, pero también un gran trabajo de edición (Fernando Stutz) y fotografía (César Charlone).

Que los personajes resulten dignos de empatía a pesar de sus polémicas resulta -aunque controversial- no sólo de un gran guión sino también de grandes performances. Otro aspecto que le da completitud a la cinta es su particular mezcla entre locaciones, diseño de producción y arte, la cual logra generar una sensación de bastedad y asombro similar a la que las iglesias góticas intentaban producir.
Casi todo resulta color de rosa, excepto algunos flashbacks no del todo significativos, y cierta caricaturización del argentinismo de Bergoglio, en un Juan Minujín demasiado cómodo en el papel y algo estruendoso.

Quizás lo más complejo para que el espectador lidie emocionalmente resulta una muy acertada descripción de hechos ocurridos durante la última dictadura militar en Argentina, que incluye vuelos de la muerte, tortura, secuestro y detención en centros clandestinos como el asesinato de curas villeros entre otros.
La música (Bryce Dessner) tiene una propiedad descontracturante magnífica, que va muy bien con la figura de Bergoglio y el tono más bien fresco y desvergonzado que tiene una película que afortunadamente nunca recurre a la solemnidad.
Un guión estudiado, una selección de locaciones correctas, son apenas algunos de los elementos que hacen que una película de dos horas parezca de una. Probablemente atraiga a una persona de cualquier religión o a otras que no profesen ninguna por la simpleza básica de la historia, que lidia con sentimientos como la soledad, comprensión y tolerancia.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Cats (2019): 

Duración: 110 Minutos
Dirección: Tom Hooper
Guión: Lee Hall
Tom Hooper
Protagonistas: Francesca Hayward (Romeo and Juliet: Beyond Words) 
Idris Elba 
Judy Dench

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Destrozado por la crítica y un fracaso de taquilla: así se posiciona el segundo musical del ganador del Oscar, Tom Hooper. Basado en el musical de Broadway de Andrew Lloyd Weber, cuenta con la música compuesta por el propio creador.

Las principales críticas hacia la película vinieron principalmente por el cgi, la trama y su estética. En esto, el periodismo especializado no se equivoca: no sólo el cgi no permite distinguir a gran parte de lxs actores, sino que es completamente antinatural. En el caso de la trama, no parece confusa como señalaron algunxs críticxs, sino más bien pobre: la edición parece decirnos que hay poca historia para contar. Claro que la decisión de respetar el sing-along de la obra original no parece muy acertada: pero eso quizás se deba al ingente número bailes que hay en la película: y en la tediosa decisión de que cada protagonista se presente cantando.

Respecto a la estética podemos decir que es notablemente exagerada para la simpleza que debería tener de acuerdo a la obra de Broadway, lo que también se nota en bailes rígidos y poco naturales. No obstante hay que decir que Francesca Hayward tiene un buen trabajo al mostrar sus habilidades, las cuales provienen de una formación más bien clásica. Taylor Swift y Jason Derulo hacen un buen trabajo con sus competencias, esto es: el canto. A pesar de un buen elenco no se puede decir que haya buenas actuaciones, y uno tiende a preguntarse por qué Judi Dench e Ian McKellen están ahí.
A pesar de los respectivos problemas con la coreografías, hay ciertos números que logran el cometido de espectacularidad, y también se nota cierto tributo estudiado a musicales de antaño. Hay también una buena fotografía (Christopher Ross), que da cierto aspecto de puesta en escena teatral a la cinta, pero eso no resuelve otros problemas.

El vestuario quizás sea lo mejor de la película, lo cual es poco para decir en cierta manera, pero igualmente vale la pena destacarlo. Entre capas de CGI se puede apreciar una buena producción: los escenarios son diversos y la cantidad de elementos en escena demuestran complejidad. La música, aunque con casi nada nuevo bajo el sol, es atractiva y podría servir como forma de acercar a nuevas generaciones al musical de Weber.
Tristemente célebre, en cierta forma -o quizás simplemente triste-, es la puesta en escena de uno de los musicales con más tiempo de exhibición de Broadway. Con una crítica quizás exageradamente cínica, podría considerarse que si ciertas decisiones se hubieran tomado de otra forma la historia sería diferente, pero el cine no es contrafáctico.

Mi Calificación: 4,50 (cuatro y medio) Regular

Joker (2019):

Duración: 122 Minutos
Dirección: Todd Phillips
Guión: Todd Phillips
Scott Silver
Protagonistas: Joaquin Phoenix
Robert DeNiro
Zazie Beetz (Atlanta, Easy, Deadpool 2) 

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Recomendada por Michael Moore y criticada por Slavoj Zizek, la origin story del Guasón es dirigida por un director cuyo principal género suele ser la comedia. Tomando como base The Killing Joke, pero sin inspiración en otros comics, la película no forma parte del DCEU (Universo Extendido de DC).

¿De qué trata Joker? Es una pregunta difícil de responder, la respuesta simple sería decir que versa sobre el origen del mítico personaje de DC. Una forma más profunda de contar su eje podría ser a través de la concepción antropológica rousseauniana: señalar que la cinta reflexiona sobre la bondad originaria de los seres humanos y cómo la sociedad los corrompe. Otra manera posible de abordar la historia pueda ser viéndola mediante un análisis foucaltiano, se podría hablar de como el capitalismo dociliza los cuerpos, para convertirlos en productivos, o pensando en el concepto de normalidad y en el poder que se ejerce a la hora de establecer quien padece o no locura.
Joker en su completitud no excluye estas dos visiones, yo, sin embargo, haré un análisis particularmente político inspirado en lo que escribió Michael Moore, y del supuesto temor a que la cinta generara violencia en una sociedad extremadamente violenta como es la estadounidense.

El mensaje "peligroso" de Joker no parece estar en lo insana y violenta que puede convertirse una persona, sino quizás en la lucha de toda una ciudad contra un sistema plutocrático (que nos hace pensar en Occuppy Wall Street). Lucha inspirada por una figura completamente aplastada por el sistema, cuyo simbolismo -en parte azaroso- parece recordar al de Mohamed Bouazizi.
No es casual que la película fuera ambientada en 1981 -detalle que nos lo marca el estreno de Blow Out en la cartelera de un cine-, el neoliberalismo de ese momento parece una referencia al neoconservadurismo de ahora. ¿Por qué hablo de neoliberalismo? Nuestro protagonista deja de recibir atención psicológica y los medicamentos que necesitaba por el cierre del centro de atención al que asistía.
Ciudad Gótica se presenta como una urbe completamente polarizada y en decadencia, con grandes zonas de marginación. Allí transita Arthur Fleck, interpretado magníficamente por Joaquin Phoenix, ignorado y violentado por una sociedad donde el desempleo y el crimen son pan de cada día.
Gran representación de la ciudad es el metro de Gotham, brillante en alguna película, oscuro y peligroso en esta. El diseño de producción (Mark Friedberg) es fundamental para trasmitirnos ese ambiente sórdido donde trascurre la acción.

¿Cómo nos metemos en la psiquis de Arthur? Probablemente debamos mucho al trabajo de sonido con cuya violencia y vértigo nos sumerge en la mente de una persona cuya salud mental pende de un hilo. La fotografía (Lawrence Sher), cuyo trabajo de luz y sombra nos induce a pensar en cierta monstruosidad de nuestro protagonista, también genera un ambiente urbano frío donde el sol no parece salir y predomina el azul, junto a colores pasteles.
La música (Hildur Guðnadóttir) es otro elemento a destacar, la cual parece maridar perfectamente con el humor del Guasón.
Quizás otra cuestión que no debe pasar desapercibida es la fuerte crítica que se hace en la película al sistema de salud mental estadounidense, cuya falta de respuesta a las problemáticas sociales dejan a millones de personas sin la atención necesaria.
Debemos decir, para no perdernos en elogios, que la narrativa está marcada por cierto determinismo, y una violencia algo exagerada, cuyo objetivo parecería ser el pathos por momentos y lo visceral por otros. Tampoco hay un gran equilibrio de tiempos, hay una sobrecarga de acción en los últimos minutos y carencia en los primeros.

La cinta de Todd Phillips es definitivamente un must see por la riqueza interpretativa que genera y puede generar, sumado a la gran respuesta del público. Acá destacamos la fuerza política de su mensaje y celebramos el logro de un tono bastante diferente que se produce dentro de un universo bastante encorcetado en el que participa.

Mi Calificación: 7,50 (siete y medio) Buena

Ad Astra: Hacia las estrellas (2019):

-Ad Astra-

Duración: 122 Minutos

Dirección: James Gray

Guión: James Gray 

Ethan Gross

Protagonistas: Brad Pitt

Tommy Lee Jones

Ruth Negga

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Octava película del cuatro veces nominado a la Palma de Oro, James Gray. Aunque Ad Astra no tuvo buenos resultados en las proyecciones de prueba, y debió filmar algunas escenas nuevas, si fue bien recibida por la crítica.

¿Qué pasaría si Apocalypse Now y Solaris tuvieran une hije? Seguramente el resultado sería algo muy parecido a este sci-fi film, que a pesar de las debidas referencias lejos está de parecerse demasiado a otras cintas. La soledad y la angustia existencial son algunos de los tópicos desarrollados en el argumento, que también explora la relación entre un padre y un hijo distanciados. Para eso cuenta con un Brad Pitt potenciado -diferente a su trabajo aceptable en Érase una vez en Hollywood- y un Tommy Lee Jones en buen nivel. 

La historia de la cosmonáutica, con referencias a Buzz Aldrin, o a cosmólogos como Tycho Brahe no pasa desapercibida, y junto a otros detalles como insignias, y logos dan a la película un aspecto muy cuidado. El diseño de producción (Kevin Thompson) ayuda a sumergirnos en la fría e imponente atmósfera del espacio, junto a la fotografía de Hoyte Van Hoytema (Dunkerque, Interstellar, Her) que no tiene desperdicio -destacan ciertos planos subjetivos muy logrados y fragmentos filmados en analógico-. En producciones de este tipo suele haber un gran trabajo de efectos visuales, y aquí no decepcionan, aunque tampoco se abusa de ellos. El diseño de sonido (Grant Elder y Douglas Murray) y la música (Max Ritcher) nos dan un sentido de abismalidad e hipnotismo que caracteriza también a distintas escenas largas pero absorbentes. 

La subjetividad del relato nos hace empatizar con un personaje que en sí mismo es más bien apático, y la historia, a pesar de ser más o menos prototípica sigue resultando tanto atrapante como angustiante. 

Ad Astra es una de esas películas de sci-fi que no destaca solamente por sus efectos especiales o su acción -que igualmente posee en cantidad- sino por una historia simple pero filosófica.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Yesterday (2019): 

Duración: 116 Minutos
Dirección: Danny Boyle
Guión: Richard Curtis
Protagonistas: Himmesh Patel (Gente de Barrio, The Aeronauts) 
Lily James 
Kate McKinnon (Cazafantasmas (2016), Una Noche Fuera de Control, El espía que me plantó)



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Danny Boyle es un director difícil de catalogar por la diversidad de sus películas: ha hecho dramas como Trainspotting (1996) y 127 Horas (2010), hasta ciencia ficción: Sunshine: Alerta Solar (2007) y biopics como Steve Jobs (2015). Tal cuestión lo confirma esta nueva comedia romántica, que contó con un presupuesto de 26 millones de dólares, de los cuales se gastaron 10 solamente para los derechos de las canciones de la mítica banda de Liverpool, The Beatles.

¿Qué pasaría si...? es la piedra de toque de la trama, que incorpora cierto realismo mágico más que agradable. Las canciones de los Beatles, complementan esa sensación amena y dotan a la trama de una familiaridad muy disfrutable. Para eso tenemos a Himmesh Patel, interpretando efectivamente las canciones, en voz guitarra y piano, lo que da una naturalidad importante a su performance. Cuyo trabajo junto al de Kate McKinnon (Debra Hammer) son de los mejores de la película, que no presenta actuaciones descollantes.

Esa sensación de comodidad a veces se mezcla con cierta ingenuidad a la hora de utilizar ciertos recursos y explotar ciertas situaciones: la historia de amor intenta tener cierta vuelta de tuerca, pero no puede evitar ciertos clichés que tampoco la edición sabe resolver. A nivel visual, el uso de elementos característicos de las interfaces de las redes sociales le dan cierto boost a la trama, no obstante es un recurso ya relativamente común en ciertas producciones actuales.

Las locaciones como el Estadio de Wembley, Los Ángeles y Liverpool dotan a la película de importante credibilidad, y nos llevan de viaje con ella, siendo especialmente el último extremadamente nostálgico, aún para aquellos que sólo conocen Penny Lane por fotos. Se podría pensar que hay cierto trabajo arqueológico y documentalista respecto a Liverpool, el cual resulta muy íntimo y atractivo. Los cameos, su estilo cómico, y la simpatía que generan los personajes son elementos que generan cierta armonía en una cinta que no destaca particularmente por sus riesgos, sino más bien por su efectividad, lo que marca a su vez las limitaciones que presenta.

Mi Calificación: 6 (seis) Buena

La Vida Secreta de tus Mascotas 2: 
-The Secret Life of Pets 2-

Duración: 86 Minutos
Dirección: Chris Renaud 
Jonathan del Val
Guión: Brian Lynch
Protagonistas: Patton Oswalt (Ratatouille, Adultos Jóvenes, Happy)
Kevin Hart (Un espía y medio, La Vida Secreta de tus Mascotas, Night School)
Harrison Ford

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Luego de que saliera a la luz que Louis C.K. había acosado sexualmente de al menos cinco mujeres, Patton Oswalt fue el elegido para reemplazarlo en el rol de Max para esta película. En la versión doblada de la cinta les actores de voz principales fueron: Andrés López, Martín Campilongo y Eugenio Derbez.

Un plano situación de la ciudad de Nueva York da inicio a la segunda película, mismo recurso utilizado en la primera. La diferencia en este caso es que aquí solamente recorremos el Central Park, mientras que su antecesora nos muestra distintos puntos turísticos como la Estatua de la Libertad, el Puente de Brooklyn o el Empire State.
Quizás eso implique que las referencias de esta sequela sean un poco más complejas que las de la primera, pero también nos genera cierta confianza respecto al mantenimiento del estilo: esa sensación es reforzada por tener al mismo director de la primera entrega (Chris Renaud).
Volviendo al punto de las referencias, la película posee una buena cantidad que producen cierta "burla" hacia el sistema de géneros hollywoodense, lo que, de acuerdo a la perspectiva de este crítico, la convierten junto a otras series -aunque ejemplo lejano, Legion puede pensarse como una serie que constantemente transfigura los géneros, utilizando sus procedimientos característicos- y largometrajes en una película post-género: al contener todos los géneros no parece pertenecer a ninguno.
Aquí en realidad el énfasis está en los Western, y las películas de superhéroes, y se puede decir que La Vida Secreta de las Mascotas 2 es una comedia -aunque sea preferible decirlo de forma no absoluta-.

Las cuestiones mencionadas en el párrafo anterior lo convierten en un film interesante, pero es válido preguntarse a cuántas personas llegan todos esos procedimientos y referencias. El recurso para defenderse de estas cuestiones lo da una buena utilización de la comedia, cosa que parecía faltarle a su antecesora. El ritmo narrativo tampoco falla, aunque la historia podría haber sido cerrada antes, y hay en el argumento un deus ex machina que se hace visible a una legua de distancia.
Si seguimos evaluando los aspectos negativos, hay que decir que el doblaje latino ayuda muy poco a la caracterización de los personajes. El hecho de que viera la uno con las voces del elenco original hizo que me generara dolor auditivo el doblaje que en el aporte argentino resulta una horrible mezcla entre nuestra forma de hablar característica y el neutro y no sólo despersonaliza o cambia rasgos, sino también utiliza acentos falsos. Estos resultan bastante racistas, y suma otro caso de whitewashing a la historia cinematográfica.

A nivel técnico tenemos un reconfortante uso de recursos visuales que nos traen desde planos secuencia y paneos bien logrados hasta transiciones cuidadas. A nivel sonoro nos encontramos con el soundtrack compuesto nada más y nada menos que por el ganador de dos Oscars, Alexandre Desplat, el cual resulta realmente un lujo.
Con altibajos, y una crítica hacia el maltrato animal que se da en ciertos circos, La Vida Secreta de tus Mascotas 2 es una película de animación que no está mal para las respectivas vacaciones de invierno en el país y el subsiguiente apetito por realizar actividades recreativas.

Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

Dolor y Gloria (2019): 

Duración: 113 Minutos
Dirección: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Protagonistas: Antonio Banderas
Asier Etxeandia (Ma ma, La Novia, La Puerta Abierta) 
Penélope Cruz

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¿Autoficción y/o drama? Díficil de catalogar, es la nueva cinta de Almodóvar, que el año que viene cumplirá 40 años de carrera en la silla de director. Con presencia argentina por dos: Sbaraglia y Roth, la cinta fue nominada a la Palma de Oro -también la queer- y le hizo ganar a Antonio Banderas el premio a mejor actor del festival.

Almodóvar probablemente sea uno de los directores con mayor capacidad de soprender a les espectadores. Como tal, no puedo negar que iba a ver la película con cierto estándar o expectativas. Lo que no esperaba, era ver una cinta con la multidimensionalidad de emociones que Dolor y Gloria me provocó. Llanto, alegría, erotismo, y todo al servicio de una historia LGBT con cero estereotipos (quizás haya que agregar en esto que Sbaraglia y Banderas tienen una química increíble).
Su estilo omniabarcador pero nunca barroco, nos lleva hacia todos lados: desde pensar una reflexión sobre el cine, nuestro vínculo materno, hasta la situación socio económica de España durante el franquismo.

Si tuviera que resumir Dolor y Gloria en una palabra, hay una que no puede escapar: sensibilidad. Palabra compleja si las hay, por su polisemia: aquí la sensibilidad está en todo, tanto en la catarsis que provoca como en la estética.
El tono en que está contada la historia, su buceo en recuerdos pregnantes, y el amor que marca distintas relaciones del personaje principal, están complementados con una gran fotografía (José Luis Alcaine).
La estética, gran privilegio de estar ante ojos agraciados, parece mimetizarse con los sentimientos y características de los personajes: el diseño de producción (Antxón Gómez), el vestuario (Paola Torres) y el diseño de arte (María Clara Notari) generan una entidad armónica y holística que genera un gran deleite.
Dentro de todos esos aspectos, alejada pero también cercana, se encuentra la música: Alberto Iglesias hace una magnífica labor que nos sujeta perfectamente a las atmósferas de la película, que a veces son creadas simplemente con diálogos.

Si bien ya hablamos parcialmente de las actuaciones, queda destacar el desopilante trabajo de Asier Etxeandia, que tiene su momento en la hamletiana escena donde desde el cine nos acercamos al teatro, para aportar un grado de dificultad y magia mayor al ya visto, que junto al final no deja de sorprender.
Qué y cómo ver cine son preguntas que quizás debamos hacernos seguido, siempre y cuando la respuesta no sea normativa, sino descriptiva y subjetiva. Siendo el caso que, si escribiera que la nueva cinta de Almodóvar es una de las mejores que pude ver en el cine, no quedará a otres que les espectadores comprobar o refutar tal afirmación (también existe la posibilidad que tal afirmación sea simplemente ignorada, lo que tampoco está mal). 

Mi Calificación: 9 (nueve) Muy Buena