Ad Astra: Hacia las estrellas (2019):

-Ad Astra-

Duración: 122 Minutos

Dirección: James Gray

Guión: James Gray 

Ethan Gross

Protagonistas: Brad Pitt

Tommy Lee Jones

Ruth Negga

Ficha en IMDb

Ficha en Wikipedia

Octava película del cuatro veces nominado a la Palma de Oro, James Gray. Aunque Ad Astra no tuvo buenos resultados en las proyecciones de prueba, y debió filmar algunas escenas nuevas, si fue bien recibida por la crítica.

¿Qué pasaría si Apocalypse Now y Solaris tuvieran une hije? Seguramente el resultado sería algo muy parecido a este sci-fi film, que a pesar de las debidas referencias lejos está de parecerse demasiado a otras cintas. La soledad y la angustia existencial son algunos de los tópicos desarrollados en el argumento, que también explora la relación entre un padre y un hijo distanciados. Para eso cuenta con un Brad Pitt potenciado -diferente a su trabajo aceptable en Érase una vez en Hollywood- y un Tommy Lee Jones en buen nivel. 

La historia de la cosmonáutica, con referencias a Buzz Aldrin, o a cosmólogos como Tycho Brahe no pasa desapercibida, y junto a otros detalles como insignias, y logos dan a la película un aspecto muy cuidado. El diseño de producción (Kevin Thompson) ayuda a sumergirnos en la fría e imponente atmósfera del espacio, junto a la fotografía de Hoyte Van Hoytema (Dunkerque, Interstellar, Her) que no tiene desperdicio -destacan ciertos planos subjetivos muy logrados y fragmentos filmados en analógico-. En producciones de este tipo suele haber un gran trabajo de efectos visuales, y aquí no decepcionan, aunque tampoco se abusa de ellos. El diseño de sonido (Grant Elder y Douglas Murray) y la música (Max Ritcher) nos dan un sentido de abismalidad e hipnotismo que caracteriza también a distintas escenas largas pero absorbentes. 

La subjetividad del relato nos hace empatizar con un personaje que en sí mismo es más bien apático, y la historia, a pesar de ser más o menos prototípica sigue resultando tanto atrapante como angustiante. 

Ad Astra es una de esas películas de sci-fi que no destaca solamente por sus efectos especiales o su acción -que igualmente posee en cantidad- sino por una historia simple pero filosófica.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Yesterday (2019): 

Duración: 116 Minutos
Dirección: Danny Boyle
Guión: Richard Curtis
Protagonistas: Himmesh Patel (Gente de Barrio, The Aeronauts) 
Lily James 
Kate McKinnon (Cazafantasmas (2016), Una Noche Fuera de Control, El espía que me plantó)



Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia


Danny Boyle es un director difícil de catalogar por la diversidad de sus películas: ha hecho dramas como Trainspotting (1996) y 127 Horas (2010), hasta ciencia ficción: Sunshine: Alerta Solar (2007) y biopics como Steve Jobs (2015). Tal cuestión lo confirma esta nueva comedia romántica, que contó con un presupuesto de 26 millones de dólares, de los cuales se gastaron 10 solamente para los derechos de las canciones de la mítica banda de Liverpool, The Beatles.

¿Qué pasaría si...? es la piedra de toque de la trama, que incorpora cierto realismo mágico más que agradable. Las canciones de los Beatles, complementan esa sensación amena y dotan a la trama de una familiaridad muy disfrutable. Para eso tenemos a Himmesh Patel, interpretando efectivamente las canciones, en voz guitarra y piano, lo que da una naturalidad importante a su performance. Cuyo trabajo junto al de Kate McKinnon (Debra Hammer) son de los mejores de la película, que no presenta actuaciones descollantes.

Esa sensación de comodidad a veces se mezcla con cierta ingenuidad a la hora de utilizar ciertos recursos y explotar ciertas situaciones: la historia de amor intenta tener cierta vuelta de tuerca, pero no puede evitar ciertos clichés que tampoco la edición sabe resolver. A nivel visual, el uso de elementos característicos de las interfaces de las redes sociales le dan cierto boost a la trama, no obstante es un recurso ya relativamente común en ciertas producciones actuales.

Las locaciones como el Estadio de Wembley, Los Ángeles y Liverpool dotan a la película de importante credibilidad, y nos llevan de viaje con ella, siendo especialmente el último extremadamente nostálgico, aún para aquellos que sólo conocen Penny Lane por fotos. Se podría pensar que hay cierto trabajo arqueológico y documentalista respecto a Liverpool, el cual resulta muy íntimo y atractivo. Los cameos, su estilo cómico, y la simpatía que generan los personajes son elementos que generan cierta armonía en una cinta que no destaca particularmente por sus riesgos, sino más bien por su efectividad, lo que marca a su vez las limitaciones que presenta.

Mi Calificación: 6 (seis) Buena

La Vida Secreta de tus Mascotas 2: 
-The Secret Life of Pets 2-

Duración: 86 Minutos
Dirección: Chris Renaud 
Jonathan del Val
Guión: Brian Lynch
Protagonistas: Patton Oswalt (Ratatouille, Adultos Jóvenes, Happy)
Kevin Hart (Un espía y medio, La Vida Secreta de tus Mascotas, Night School)
Harrison Ford

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia


Luego de que saliera a la luz que Louis C.K. había acosado sexualmente de al menos cinco mujeres, Patton Oswalt fue el elegido para reemplazarlo en el rol de Max para esta película. En la versión doblada de la cinta les actores de voz principales fueron: Andrés López, Martín Campilongo y Eugenio Derbez.

Un plano situación de la ciudad de Nueva York da inicio a la segunda película, mismo recurso utilizado en la primera. La diferencia en este caso es que aquí solamente recorremos el Central Park, mientras que su antecesora nos muestra distintos puntos turísticos como la Estatua de la Libertad, el Puente de Brooklyn o el Empire State.
Quizás eso implique que las referencias de esta sequela sean un poco más complejas que las de la primera, pero también nos genera cierta confianza respecto al mantenimiento del estilo: esa sensación es reforzada por tener al mismo director de la primera entrega (Chris Renaud).
Volviendo al punto de las referencias, la película posee una buena cantidad que producen cierta "burla" hacia el sistema de géneros hollywoodense, lo que, de acuerdo a la perspectiva de este crítico, la convierten junto a otras series -aunque ejemplo lejano, Legion puede pensarse como una serie que constantemente transfigura los géneros, utilizando sus procedimientos característicos- y largometrajes en una película post-género: al contener todos los géneros no parece pertenecer a ninguno.
Aquí en realidad el énfasis está en los Western, y las películas de superhéroes, y se puede decir que La Vida Secreta de las Mascotas 2 es una comedia -aunque sea preferible decirlo de forma no absoluta-.

Las cuestiones mencionadas en el párrafo anterior lo convierten en un film interesante, pero es válido preguntarse a cuántas personas llegan todos esos procedimientos y referencias. El recurso para defenderse de estas cuestiones lo da una buena utilización de la comedia, cosa que parecía faltarle a su antecesora. El ritmo narrativo tampoco falla, aunque la historia podría haber sido cerrada antes, y hay en el argumento un deus ex machina que se hace visible a una legua de distancia.
Si seguimos evaluando los aspectos negativos, hay que decir que el doblaje latino ayuda muy poco a la caracterización de los personajes. El hecho de que viera la uno con las voces del elenco original hizo que me generara dolor auditivo el doblaje que en el aporte argentino resulta una horrible mezcla entre nuestra forma de hablar característica y el neutro y no sólo despersonaliza o cambia rasgos, sino también utiliza acentos falsos. Estos resultan bastante racistas, y suma otro caso de whitewashing a la historia cinematográfica.

A nivel técnico tenemos un reconfortante uso de recursos visuales que nos traen desde planos secuencia y paneos bien logrados hasta transiciones cuidadas. A nivel sonoro nos encontramos con el soundtrack compuesto nada más y nada menos que por el ganador de dos Oscars, Alexandre Desplat, el cual resulta realmente un lujo.
Con altibajos, y una crítica hacia el maltrato animal que se da en ciertos circos, La Vida Secreta de tus Mascotas 2 es una película de animación que no está mal para las respectivas vacaciones de invierno en el país y el subsiguiente apetito por realizar actividades recreativas.

Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

Dolor y Gloria (2019): 

Duración: 113 Minutos
Dirección: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar
Protagonistas: Antonio Banderas
Asier Etxeandia (Ma ma, La Novia, La Puerta Abierta) 
Penélope Cruz

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia 



¿Autoficción y/o drama? Díficil de catalogar, es la nueva cinta de Almodóvar, que el año que viene cumplirá 40 años de carrera en la silla de director. Con presencia argentina por dos: Sbaraglia y Roth, la cinta fue nominada a la Palma de Oro -también la queer- y le hizo ganar a Antonio Banderas el premio a mejor actor del festival.

Almodóvar probablemente sea uno de los directores con mayor capacidad de soprender a les espectadores. Como tal, no puedo negar que iba a ver la película con cierto estándar o expectativas. Lo que no esperaba, era ver una cinta con la multidimensionalidad de emociones que Dolor y Gloria me provocó. Llanto, alegría, erotismo, y todo al servicio de una historia LGBT con cero estereotipos (quizás haya que agregar en esto que Sbaraglia y Banderas tienen una química increíble).
Su estilo omniabarcador pero nunca barroco, nos lleva hacia todos lados: desde pensar una reflexión sobre el cine, nuestro vínculo materno, hasta la situación socio económica de España durante el franquismo.

Si tuviera que resumir Dolor y Gloria en una palabra, hay una que no puede escapar: sensibilidad. Palabra compleja si las hay, por su polisemia: aquí la sensibilidad está en todo, tanto en la catarsis que provoca como en la estética.
El tono en que está contada la historia, su buceo en recuerdos pregnantes, y el amor que marca distintas relaciones del personaje principal, están complementados con una gran fotografía (José Luis Alcaine).
La estética, gran privilegio de estar ante ojos agraciados, parece mimetizarse con los sentimientos y características de los personajes: el diseño de producción (Antxón Gómez), el vestuario (Paola Torres) y el diseño de arte (María Clara Notari) generan una entidad armónica y holística que genera un gran deleite.
Dentro de todos esos aspectos, alejada pero también cercana, se encuentra la música: Alberto Iglesias hace una magnífica labor que nos sujeta perfectamente a las atmósferas de la película, que a veces son creadas simplemente con diálogos.

Si bien ya hablamos parcialmente de las actuaciones, queda destacar el desopilante trabajo de Asier Etxeandia, que tiene su momento en la hamletiana escena donde desde el cine nos acercamos al teatro, para aportar un grado de dificultad y magia mayor al ya visto, que junto al final no deja de sorprender.
Qué y cómo ver cine son preguntas que quizás debamos hacernos seguido, siempre y cuando la respuesta no sea normativa, sino descriptiva y subjetiva. Siendo el caso que, si escribiera que la nueva cinta de Almodóvar es una de las mejores que pude ver en el cine, no quedará a otres que les espectadores comprobar o refutar tal afirmación (también existe la posibilidad que tal afirmación sea simplemente ignorada, lo que tampoco está mal). 

Mi Calificación: 9 (nueve) Muy Buena

Ma (2019): 

Duración: 99 Minutos
Dirección: Tate Taylor
Guión: Scotty Landes 
Protagonistas: Octavia Spencer 
Diana Silvers (Glass, Booksmart) 
Juliette Lewis (Cabo de Miedo, Natural Born Killers, Del Crepúsculo al Amanecer)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia



Una película de terror psicológico que tenga a dos ganadoras del Oscar, como Janney y Spencer es bastante poco común, y más inusual -pero positivo- es todavía que la protagonista sea una mujer afroamericana.

Si hay algo que no puedo olvidar de la película, y el póster tampoco me lo facilita, es a Octavia Spencer. No solamente es un privilegio asistir a un estreno de una de sus películas, sino también el admirar su versatilidad como actriz. Octavia no solo está en la parte performativa aquí, sino también en la producción, rol que suele realizar poco pero de forma acertada: ya cumplió esa labor en películas como Fruitvale Station (2014) o Green Book (2018).
No todo es ella en la cinta de todos modos, pero a nivel actoral no hay demasiado más para destacar. Juliette Lewis tiene un trabajo acertado, el papel de Janney es demasiado corto, y les adolescentes son bastante prototípicos.

Ma cuenta con una cuidada fotografía, y una dinámica bastante activa que si bien nos dirige hacia un final al mejor estilo Carrie, no es completamente adivinable. El aspecto psicológico del terror realmente aparece, y el personaje de Sue Ann es verdaderamente siniestro: parece una combinación de Norman Bates y Annie Wilkes.
¿Qué diferencia a esta película de los mencionados clásicos? Probablemente su intemedialidad: hay un buen uso de la tecnología, las redes sociales son explotadas correctamente para que veamos que parte de los eventos suceden a través de ellas.

Otro aspecto que le da distinción a la cinta de Taylor es la construcción del relato, tanto a nivel escritural como fílmico (edición): el aspecto en cierta medida circular de la historia y cierto énfasis en una bildungsroman negativa aporta una gran solidez, y quizás cierta potencialidad para convertir este trabajo en algo de mayor desarrollo.
Una cuestión que me quedó en el tintero, y no debería olvidar, es cierto racismo en alguna escena, que sencillamente me pareció poco acertado (tampoco hay una gran reflexión sobre la negritud).
No me tiembla el pulso a la hora de decir que Ma, a pesar de ciertas cosas, es una de las mejores películas de terror que vi en pantalla grande, sin embargo, cierta juventud indica que si pude ver clásicos del género fue solamente en reestrenos.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Rocketman (2019): 

Duración: 121 Minutos
Dirección: Dexter Fletcher (Wild Bill, Sunshine on Leith, Eddie the Eagle)
Guión: Lee Hall
Protagonistas: Taron Egerton
Jamie Bell
Bryce Dallas Howard

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia



Hace solamente dos semanas se estrenaba esta biopic musical en el Festival de Cannes, donde fue nominada a la Palma Queer.  La historia de Elton John es contada por Dexter Fletcher, quien remplazara al muy reprobable Bryan Singer en Bohemian Rhapsody (2018).

Espectacularidad es lo que prometía Rocketman, y quizás no faltó, pero en su sentido más tosco. Como admirador de los musicales me preguntaba: ¿se puede hacer un musical de un musical? La respuesta para esta película, me pareció ser no.
¿Qué quiero decir con musical dentro de un musical, de todas modos? Musical, quizás se pueda entender de dos formas: aquel donde prima la música ejecutada (o al menos una representación de eso), pero no bailada, y el otro donde prima el baile por sobre la música ejecutada. No hay que negar que hay películas que fusionan esos estilos exitosamente, como La la land (2016) por ejemplo.
El asunto es que aquí la introducción de números musicales resulta bastante poco armónica, y son innecesariamente apoteóticos.

Esta cuestión, es uno de los problemas importante de la cinta, siendo el otro, y bastante vinculado al anterior, la edición. No solamente hay momentos estáticos o llanos, sino también hondonadas importantes. La distribución de escenas es desequilibrada, mientras que por momentos se avecinan situaciones predecibles.
Todo esto no quiere decir que la película no tenga méritos: el primero, por supuesto, es el de traer a la gran pantalla la historia de un cantante abiertamente gay.
El segundo está vinculado al trabajo de vestuario (Julian Day) que es sencillamente magnífico, y nos hace fantasear con las ilimitadas posibilidades de outfits.
La música (Matthew Margeson) no puede fallar en este tipo de películas, y simplemente no lo hace. Mientras que Taron Egerton nos continúa demostrando una crecimiento casi ilimitado, en un rol complejo en muchos aspectos -interpreta a un ícono, por ejemplo-.
Deberíamos también destacar, en la creación de la "persona", el gran trabajo de peinado y maquillaje (Elizabeth Yianni-Georgiou).

Probablemente una biopic musical falle de forma absoluta cuando no motive al público a escuchar la música del artista representado. Claro que para no haber escuchado nunca algo de Elton John, probablemente habría que vivir en una cueva. Este escritor de cine casi parecía vivir de esa forma, pero el piano y la voz aterciopelada de Elton lo reconcilió con un género que es inmerecidamente bastardeado. No obstante de esta experiencia individual de crecimiento musical, Rocketman tiene ciertas diferencias irreconciliables, al menos con este espectador.

Mi Calificación: 5,50 (cinco y medio) Regular

 

Maestras del Engaño (2019): 
-The Hustle-

Duración: 94 Minutos
Dirección: Chris Addison (Película Debut)
Guión: Dale Launer
Jac Schaeffer
Protagonistas: Rebel Wilson (Damas en Guerra; Pitch Perfect I, II, III; ¿No es romántico?)
Anne Hathaway 
Alex Sharp (Hasta los Huesos, How to Talk to Girls at Parties, UFO) 

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Remake de Dos Pícaros sin Vergüenza (1988), aquella comedia de Frank OZ con Steve Martin y Michael Caine, que a su vez es una remake de Dos Seductores (1964) con el legendario Marlon Brando. Aquí, a diferencia de las anteriores, las protagonistas son mujeres.

Lo primero, que difícilmente pudiera dejar de lado, es la jerarquía de los cuerpos en pantalla. La actriz con cuerpo hegémonico es la que encarna al personaje distinguido, elegante y seductor, mientras que la actriz de cuerpo no hegemónico encarna al personaje torpe, sin clase y poco elegante. En este tipo de películas, los cuerpos no hegemónicos cumplen el rol del sidekick cómico.
Sería muy interesante que la distribución de roles sea inversa, y esperemos que eso se vea en el futuro. No obstante, hay cierta vuelta de tuerca en el personaje, es en cierta manera complejo, y Rebel Wilson hace un buen trabajo como Lonnie. No puedo decir lo mismo de Hathaway, en un papel cómodo, pero que paradójicamente no le sienta del todo bien.

El guión intenta criticar algunos estereotipos machistas de forma exitosa, no obstante la comedia es irregular: transita entre chistes fáciles, y algunas referencias más bien sutiles. Para ponerlo en otras palabras: entre la ironía y la comedia física mediocremente utilizada.
Los giros argumentales y el estilo símil Blake Edwards, le dan cierta personalidad a la cinta, que a su vez tiene buenas elecciones en otras cuestiones: tales como locaciones (Daragh Coghlan, Rubén Gómez), y la música (Anne Dudley). Otro elemento estilístico digno de mención es el comienzo animado, al mejor estilo Saul Bass, que aporta belleza old school a los títulos.

Maestras del Engaño es ese tipo de películas que genera amor y odio al mismo tiempo, o quizás también su pueda odiarla amándola (consumiéndola de forma irónica quizás). Sin embargo, me generó sentimientos atenuados, en los que el amor venció al odio, al menos parcialmente.

Mi Calificación: 6 (seis) Buena