Midsommar (2019): 

Duración: 148 Minutos

Dirección: Ari Aster (Hereditary)

Guión: Ari Aster

Protagonistas: Florence Pugh (Lady Macbeth, El Pasajero, Mujercitas)

Jack Reynor (Transformers: La era de la extinción, 

Sing Street, Fuego Cruzado) 

Vilhelm Blomgren (Gösta, Min pappa Marianne)

Ficha en IMDb

Ficha en Wikipedia

Coproducción estado-unidense sueca de terror que representa el segundo largometraje de Ari Aster y se encuentra disponible en Amazon Prime Video. La película que fue filmada en Budapest, tuvo buena recepción por parte de la prensa y recaudó cinco veces su presupuesto. 

Los increíbles arreglos florales son un gran ejemplo del craftmanship
que mencionamos y contrastan con la aridez del terreno dónde se encuentran.

Uno de los calificativos que utilizó Rotten Tomatoes para Midsommar fue "crafted", que podría ser traducido, no muy certeramente, como hecho a mano. Quizás artesanal sea una traducción más acertada, aunque realmente no parece haber una palabra más adecuada para el film que "crafted". En esa crítica también se lo define a Ari Aster como "auteur". Particularmente no podría estar más de acuerdo con ambas cosas, la segunda específicamente porque es un director con temas bastante marcados como la superación de "duelos", o el sentimiento de incomodidad que brotan en sus dos películas, como además de relaciones disfuncionales entre parejas. 

La artesanía de la cinta le da una estética global muy pulida donde predominan los colores blancos, marrones y celestes, con cierto estilo lavado o pastel. Por estas cuestiones y por otros planos aéreos, como algunos enmarcados, debemos señalar que la cinta tiene una fotografía (Pawel Pogorzelski) bastante interesante. Dentro de la artesanía sería también certero hablar de la puesta en escena o composición, las cuales se caracterizan por ser una especie de ballet slasher con una sincronia sorprendente. 

El color y la estética también es guiado por un diseño de producción (Henrik Svensson) y arte (Csaba Lodi) excelente. Midsommar como Hereditary o Color Out of Space son películas que hay que esperarlas. Aunque en el caso de la primera esta se vuelve demasiado larga, con algunas escenas que por tan extrañas resultan cómicas, o con una insistencia en mostrar la rareza de la comunidad que se vuelve algo repetitiva. Las actuaciones son similares a las de Hereditary con una protagonista que algunxs consideraran que sobreactúa y otrxs que consideraran que hace un buen trabajo. Yo me encuentro dentro de lxs primerxs. También como en Hereditary las otras actuaciones se vuelven irrelevantes en cierta medida o no terminan de estar bien ejecutadas. 

La música, a cargo de The Haxan Cloak, con sus arreglos de cuerdas genera trasmitir un sentimiento de extrañeza e incomodidad que va en sintonía con los elementos visuales de la cinta. 

Midsommar es una de esas películas de terror de las que se hacen pocas, tal como es el caso de The VVitch o Goodnight Mommy. 

En mi caso, coincido con la visión de Andrew Barker, quien dice que la película no es "ni la obra maestra ni el desastre que los espectadores (...) reclaman". Tiene elementos visuales interesantes, como también pasa con el sonido, pero a diferencia de The VVitch tarda demasiado en resolver y el final no puede cumplir con el hype que prometía. 

Mi Calificación: 6 (seis) Buena

Color out of Space (2019):

Duración: 151 Minutos
Dirección: Richard Stanley (Hardware, Dust Devil, La Isla del Dr. Moreau)
Guión: Richard Stanley
Scarlett Amaris
Protagonistas: Nicolas Cage (Leaving Las Vegas,Ghost Rider: Espíritu de venganza, Mandy)
Joely Richardson (Event Horizon, Nip/Tuck, Maggie)
Madeleine Arthur (The Family, A todos los chicos de los que me enamoré, A todos los chicos: P. D. Todavía te quiero)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

La vuelta de Richard Stanley al largometraje luego de 23 años y con un presupuesto tres veces menor al de su accidentadísima La Isla del Dr. Moreau viene de la mano de esta adaptación del cuento homónimo de H.P. Lovecraft. 

Magenta es el color fundamental de la película, el cual es extraespectral, siendo únicamente percibido por los seres humanos en circunstancias especiales. Quizás podríamos decir lo mismo de Color Out of Space, que es una película única en su clase e implica cierto gusto o sensibilidad especial para su disfrute. Es una película independiente, que mezcla ciencia ficción con terror y que combina una fotografía etérea (Steve Annis) con efectos visuales a veces no del todo logrados.

Los pilares de la película son su fotografía y el sonido. El segundo se refleja en una magnífica edición y mezcla, fundamentales para la trama como con el impresionante soundtrack (Colin Stetson). 

Decimos que estas dos cosas son sus pilares porque la película no está del todo bien acompañada por otros elementos como las actuaciones, por ejemplo. Vemos a un Nicolas Cage irregular: por momentos hace un buen trabajo, en otros es risible. Quizás la única que se salva es Joely Richardson con un trabajo más bien discreto y el cual va de menor a mayor. 

A nivel narrativo podemos señalar que tiene un desarrollo demasiado lento para una película del género, y su visionado requiere paciencia. Quien ejercite tal virtud se va a ver medianamente recompensado, aunque repetimos: no es terror tradicional. La trama conecta bien con el espectador: genera incomodidad y nerviosismo. Esto último logrado gracias a un esforzado trabajo de maquillaje.

Ya en su momento la prensa celebró la vuelta al largometraje de Richard Stanley, desde aquí también brindamos por el director y esperamos con más ilusión que datos fehacientes dos películas más basadas en cuentos de Lovecraft. Color out of space genera un deleite visual y sonoro tal que debería ser apreciada en pantalla grande al menos una vez en la vida, genera cierto disgusto al recordar que la película no fue estrenada en Argentina. 

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

El Hombre Invisible (2020): 
-The Invisible Man-

Duración: 124 Minutos
Dirección: Leigh Whannell (La noche del demonio: Capítulo 3, Upgrade: Máquina asesina)
Guión: Leigh Whannell
Protagonistas: Elisabeth Moss
 Oliver Jackson-Cohen (Dracula, Emerald City, The Haunting of Hill House)
Harriet Dyer (Killing Ground, Love Child, The InBetween)


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Proyecto que iba ser parte del fallido Dark Universe de Universal, y luego cayó en las manos de Jason Blum -quien está interesado en los monstruos clásicos de la productora-. Es la remake de la película de James Whale, que a su vez se inspiró en la novela de H.G. Wells.

Ver a Elisabeth Moss encabezando una película de Blumhouse puede ser -a priori- un motivo de hype. No obstante, uno cae en la cuenta que la única estrella de peso en la cinta es ella. Se podría decir que es una garantía: es una de las pocas cosas interesantes que El Hombre Invisible tiene para ofrecer. El cast se completa con parteners ignotos y performances que justifican tal desconocimiento -nobleza obliga a señalar que Aldis Hodge y Storm Reid tienen buenas performances-. 

Efectismo, una mezcla de sonido errática y ensordecedoram son parte de las características de una cinta que busca el susto fácil. Un guión con personajes subdesarrollados, cabos sueltos, y una historia con poco para ofrecer convierten a la cinta en algo bastante difícil de ver. Hay que señalar que los últimos treinta o cuarenta minutos son un viagra de efecto retardado que no justifican la dinámica y eventos de la hora y media anterior. 

Para no ser completamente injustos con el trabajo de Leigh Whannell, debemos mencionar que la fotografía (Stefan Duscio) está bien ejecutada, destacan especialmente las tomas en la oscuridad, que abundan en la cinta, y la utilización de cámaras de distinto formato -de seguridad por ejemplo, o domóticas-. También la explicación de la invisibilidad de Adrian resulta más verosímil y cercana a la novela de Wells que la dada en la película de Whale. 

Bien recibida por la prensa, considero personalmente que El Hombre Invisible no se aleja mucho de una de su "compañera" La Momia, siendo la excepción del presupuesto -unos hulmidísimos 7 millones contra 125-. 

Mi Calificación: 5 (cinco) Regular

Oscars 2020: lo bueno, lo malo y lo feo

Nuevamente sin host, en una ceremonia bastante insulsa y con un humor que fue bien graficado por la reacción de Billie Eilish a la rutina de Maya Rudolph y Kristen Wiig, se entregaron los premios a lo mejor del año pasado según la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. 




Con una cantidad de nominaciones exageradas por película, siguiendo el ritmo de ediciones anteriores del premio, podemos decir que hubo una distribución más equitativa de estatuillas que el año pasado. Brillaron por su ausencia películas dirigidas por mujeres en la categoría Mejor Director como intérpretes afroamericanxs en categorías actorales. Quizás los discursos políticos más interesantes fueron los de figuras más low profile, como el de Julia Reichert (American Factory) que llamó a la unión de los trabajadores, o el de Matthew Cherry (Hair Love) que llamó a "normalizar el pelo de lxs negrxs".

Matthew Cherry junto a Karen Rupert
Toliver, directores de Hair Love,
el corto de seis minutos que se llevó la
  estatuilla a Mejor Cortometraje Animado. 

Steven Bognar, Julia Reichert, y Jeff Reichert,
quienes ganaron el Oscar a Mejor Documental.
Reichert dio un discurso corto pero de alguien
que tiene los pies sobre la tierra.

La más ganadora de la noche fue Parasite con cuatro galardones, los primeros para Corea del Sur. Generó "sorpresa" que ganara en las categorías mejor película y mejor película internacional al mismo tiempo, lo que nunca había pasado antes en la historia del galardón. 

1917 la secundó con tres estatuillas, todas por rubros técnicos. La gran perdedora fue The Irishman con 10 innecesarias nominaciones y ningún reconocimiento, tanto Jojo Rabitt como Mujercitas e Historia de un Matrimonio ganaron una estatuilla, siendo nominadas a seis.   

1917 se llevó los premios a mejor
efectos visuales, fotografía -hay un
muy buen trabajo de Deakins, pero
la necesidad de un sólo plano secuencia
es discutible- y mejor mezcla
de sonido.

Mejor director, Mejor película,
Mejor película internacional y mejor
guión -en esta categoría mi preferida era Marriage
Story- fueron para la cinta de Bong Joon-ho.

Luego de este pequeño briefing que intentó ser personal, pasemos a analizar las categorías más relevantes. 

Mejor Actor de Reparto: 

En la categoría menos competitiva de las cuatro que reconocen a intérpretes, el premio se lo llevó un Brad Pitt de trabajo aceptable. No obstante, competía contra un actor retirado -Pesci-, un Tom Hanks que parecía puesto para rellenar, y un decente Pacino. La única competencia real -según mi criterio- era un Anthony Hopkins en buen nivel, como Benedicto XVI en Los Dos Papas, pero muy lejos de su trabajo en El Silencio de los Inocentes. En esta categoría mi favorito -si me apuntan con un arma para elegir- era Anthony Hopkins, pero tampoco incomoda que lo gane Brad -sigo prefiriendo su trabajo en 12 Monos igualmente-. 

El buen Brad, coherente pero nervioso, agradeció a DiCaprio,
como lo había hecho en los Golden Globes. El actor negó que este
fuera el mejor momento de su vida, en la entrevista post galardón.

Mejor Actriz de Reparto: 

La favorita para el premio -y mi favorita- era Laura Dern, que tiene un buen trabajo -corto- en Marriage Story como Nora Fanshaw, la abogada de Nicole Barber. Una performance interesante es la de Kathy Bates, desafortunadamente en el papel de esposa de... en Richard Jewell -si, Clint Eastwood sacó una película este año y sigue vivito y coleando-. Podemos decir que Scarlett Johansson es una de las actrices destacadas este año, siendo nominada en esta categoría por Jojo Rabitt y en la de Mejor Actriz por Marriage Story.  

Debemos señalar con cierta honestidad, que el trabajo de Dern no es de otro mundo, pero lo realiza con mucha confianza y seguridad, teniendo además algunas de las mejores líneas de la película. 

En un emotivo discurso Laura le dedicó la estatuilla a sus padres:
Diane Ladd (que fue nominada al premio) y Bruce Dern (que ganara el
Oscar a Mejor Actor por Nebraska, en el 2013).

Mejor Actor: 

En esta categoría también había un claro favorito, Joaquin Phoenix venía de llevarse prácticamente todo -SAG, BAFTA, Golden Globe-. También era mi favorito, aunque tampoco me hubiera sentido mal si el premio lo hubiera ganado Antonio Banderas -quizás por un capricho personal-. DiCaprio también estaba en un buen nivel, por supuesto que no en el de El Aviador, El lobo de Wall Street o El Renacido. Más que merecido el premio para Joaquin, su discurso fue bastante errático, a pesar de ser elogiado por parte de la prensa. 

En un discurso que pareció una extensión del de los Golden Globes,
Joaquin se expresó contra la injusticias de distinto tipo. Lo único
que considero destacable de esta "performance" fue la lectura de un
poema de su hermano River. 

Mejor Actriz:

Categoría con tres pesos pesados (destacamos a Scarlett y Charlize), Renée también venía de llevarse prácticamente todo -BAFTA, SAG, Globo de Oro-, por lo que era la favorita, como también la mía. En las categorías centrales de actuación ambos ganadores tuvieron trabajos superlativos, por lo que poco hay para objetar. Scarlett Johanson ofreció una interesante propuesta en Marriage Story pero era evidente que no podía competir, mismo caso que Antonio Banderas para continuar con los paralelismos. 

Con un discurso carente completamente de estructura y
excesivamente largo, lo poco que puedo destacar de la dos veces
ganadora del premio es su reconocimiento a la figura de Judy Garland.

Mejor Película:

De las nominadas a Mejor Película la única que no ganó una estatuilla fue The Irishman. Incluso, para mi sorpresa, Ford v Ferrari ganó dos premios de los cuatro a los que fue nominados. Este es uno de los galardones más complejos para predecir. Si analizábamos la previa a los premios, la cosa parecía decantar para 1917 -por su Globo de Oro, y BAFTA, además de ser lo que le gusta a la Academia-. Pensemos que tampoco es muy común que una película "extranjera" gane el premio a Mejor Película. No obstante, al ir decantando los premios más pesados para Parasite, parecía obligada su victoria 

En lo personal, luego de reconsiderar los "méritos" de 1917, considero que el evento fílmico del año -por lo menos para premios- fue Joker, y Todd Phillips probablemente mereciera también el premio a Mejor Director, no obstante es más que interesante que gane una película extranjera -y asiática- por las puertas que puede abrir para el futuro. 

Están todxs... Bong Joon Ho ya había subido tres veces antes
al escenario, por lo que esta vez no habló. Jane Fonda fue la presentadora
del premio, y Parasite se llevó la ovación general. 

Judy (2019):

Duración: 118 Minutos
Dirección: Rupert Goold (True Story) 
Guión: Tom Edge
Protagonistas: Renée Zellweger (Chicago, Regreso a Cold Mountain, El Diario de Bridget Jones I,II)
Jessie Buckley (Beast, Wild Rose, Chernobyl) 
Finn Wittrock (Unbroken, American Horror Story, My All-American) 

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Ficha en Wikipedia

Biopic basado en la obra teatral End of the Rainbow de Peter Quilter, sobre la icónica actriz y cantante Judy Garland. Nominada a dos Oscars, puede representar la posibilidad de la segunda estatuilla para Zellweger quien la ganara por Regreso a Cold Mountain en el año 2004.

Judy Garland tiene la particularidad cualidad de haber ganado un premio que sólo recibieron once personas más: un Premio Juvenil de la Academia. Con sólo 17 años protagonizaba El Mago de Oz, y a los 22 Meet me in St. Louis. Con esto quiero decir que probablemente implique una presión significativa, aún para una actriz de prestigio, encarnar a una leyenda de Hollywood. No obstante Renée Zellweger tiene un trabajo que no sólo conmueve, sino que eriza la piel.
Recuerdo pocas performances con trabajos tan exitosos en estos casos: Michelle Williams como Marilyn o Rami Malek como Freddy.
Renée, no sólo se ve idéntica a Judy -aquí el mérito es de Jeremy Woodhead- sino que el trabajo corporal, de voz e incluso sus miradas son hipnóticas.

Probablemente uno de los aspectos más interesantes de Judy es la no idealización de la era de oro de Hollywood, mostrando las exigencias del star system para las actrices y el modo de producción industrial del sistema de estudios.
Articulada con flashbacks, un poco descolgados, que a veces resultan más atractivos que el presente, ciertas escenas resultan demasiado largas o de backstage. No obstante, la historia presenta peso específico, y es conmovedora.
El trabajo de ambientación también es digno de mención, y sorprende que cosas como el vestuario (Jany Temime) o el diseño de producción (Kave Quinn) no estén nominados a los Oscars. Hay también un buen trabajo de fotografía (Ole Bratt Birkeland) que destaca por las tomas de perfil de Judy como en su uso de las sombras.

Quizás para un público más bien acotado -así parece mostrarlo su taquilla-, Judy es una película que no sólo vale la pena ver siendo amante de los musicales, sino también para comprender las presiones que sufren y sufrían les intérpretes para trabajar en la "fábrica de sueños", y como la realidad suele chocar con las expectativas que tenemos en la vida.

Mi Calificación: 7 (siete) Buena 

Parasite (2019): 

Duración: 132 Minutos
Dirección: Bong Joon-ho (The Host, Snowpiercer, Okja) 
Guión: Bong Joon-ho
Han Jin-won
Protagonistas: Kang-ho Song (Memorias de un Asesino, The Host, Snowpiercer)
Sun-kyun Lee (Paju, A Hard Day, My Mister)
Yeo-jeong Jo (The Servant, La concubina del emperador, Obsessed)

Ficha en Wikipedia
Ficha en IMDb


Con votación unánime al recibir la Palma de Oro del Festival de Cannes, nominada a 6 Oscars,  y ganadora de un Globo de Oro, así se presenta la película del director surcoreano probablemente mejor conocido en occidente por Okja y Snowpiercer.

Como dato anecdótico, la fila para ver la película en un cine-arte era aproximadamente de media cuadra, un lunes a las ocho de la noche. Así influye el boca a boca y las múltiples nominaciones -como victorias- de una película no occidental en épocas de hiper-globalización.
El análisis se vuelve complejo en estos casos, primero por el legajo de la película -¿será como el título de Kim Ki-woo?- segundo por cierta presión de hacer una reseña "a la altura".
No obstante, y sin intención de polemizar -no es mi trabajo-, puedo decir que Parasite no excede ni iguala las expectativas puestas por la cinefilia internacional.

¿Propone un análisis interesante sobre clases sociales? En cierta medida si... No obstante, el análisis parece más un reflujo del pensamiento que tiene la clase alta surcoreana sobre la baja, que al revés. Hay poca reflexión sobre las condiciones que producen esa polarización, y por momentos parece un despliegue caricaturezco de cierto clasismo que tendría la clase baja contra la alta.
Quizás analizando la cuestión en su mejor luz, podríamos decir que lo que está mostrando Parasite es el estiramiento de la brecha salarial entre pobres y ricos, al punto en que una clase debe recurrir a un servilismo -simbólico o no- para tener mínimas posibilidades laborales en un mercado completamente polarizado.
¿Parasite tiene humor negro? No lo podemos negar ¿Funciona? Por momentos. Ciertas situaciones nos hacen empatizar con la familia Kim, siendo parte de un país con crisis económicas que nos dejaron más de una vez al borde del abismo. De hecho, tal empatía nos hace cuestionarnos fuertemente nuestro sentido de la moralidad, y en ese sentido, como en la tendencia del guión a generar tensión hay un triunfo digno de reconocimiento.

Ciertos vuelcos argumentales le dan a la cinta un estilo subterráneo similar al de Snowpiercer, lo que le hace perder cierta verosimilitud y le da a la vez un aspecto hamletiano.
No obstante, poco podemos objetarle a un guión muy personal y a un estilo elíptico bastante inteligente, que se refleja en una fotografía (Kyung-pyo Hong) "metafórica" -usando palabras de Kim Ki-woo-. 
El aspecto sofocante y oscuro, contrapuesto a escenas con una luz intensa y espacios amplios, también está reflejado en el diseño de producción (Ha-jun Lee). Ese contraste también queda poéticamente evidenciado en el recorrido que realiza por la ciudad la familia Kim, en su escapada de la casa Park.
Ya dejando de lado los aspectos más libres de la interpretación, hay buenos trabajos de un elenco coral, de los cuales destacan -según el capricho de este cinéfilo- Song Kang-ho como el padre de la familia Kim y  Cho Yeo-jeong como la madre de la familia Park.
La música (Jaeil Jung) contribuye al aspecto dramático a veces sutil y a veces asfixiante de una cinta que es como un vino demasiado añejado: necesita cierto decantamiento para su mayor disfrute.

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

Dolittle (2020):

Duración: 101 Minutos
Dirección: Stephen Gagan (Sin rastro, Syriana, El Poder de la Ambición)
Guión: Stephen Gaghan
Dan Gregor
Protagonistas: Robert Downey Jr.
Michael Sheen
Antonio Banderas

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Ficha en Wikipedia




Remake de las películas de Dr. Dolittle inspirada en el libro "The Voyages of Dr. Dolittle" de Hugh Lofting. Las voces originales incluyen a Rami Malek, Octavia Spencer y Marion Cotillard entre otros.

Dolittle empieza con una escena animada, que resume parte de la historia del doctor con Lily, su esposa, a quien pierde en un naufragio. La escena animada parece dar una inicial frescura, al hacer una breve ruptura con el formato live action, no obstante, esa frescura no se mantiene más adelante.
El imaginario de la película resulta bastante extraño: se mezclan dragones con piratas de rasgos árabes cuyo líder es el actor malagueño Antonio Banderas -quien es poseedor de la única actuación decente-. Demás está decir que la mitología respaldando el fruto que necesita la reina es bastante endeble, y los chistes carecen de sutilezas -aunque no siempre fallan-.

Con el fin de rescatar algo, podríamos decir que las locaciones son un elemento atractivo para la vista, entre tantos animales con CGI. En las actuaciones de voz -dobladas- tenemos un aceptable trabajo de Dalia Gutman como Dab-dab. Quizás otra cosa interesante es que en la historia se habla sobre la muerte sin  tapujos pero con sutileza, además de persistir cierto pensamiento en favor del cuidado de los animales, característico de los relatos de Lofting.

Dolittle es una olvidable remake de un personaje que ya tiene demasiadas películas en su haber. No obstante no podemos culpar a lxs xadres de querer alivianar las vacaciones con una visita al cine, y en ese caso la cinta cumple la función de hacer reír y entretener a chicxs, además de tener la mínima virtud de no ser una película a la que le falte dinámica.

Mi Calificación: 5 (cinco) Regular