¡Madre! (2017):
-Mother!

Duración: 120 Minutos
Director/a: Darren Aronofksy (Pi: El Orden del Caos, Réquiem por un Sueño, El Cisne Negro)
Guión: Darren Aronofsky
Actores/actrices: Jennifer Lawrence
Javier Bardem
Michelle Pfeiffer (Los Fabulosos Baker Boys, Batman Vuelve, Sombras Tenebrosas)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

¿Cuántas películas de horror -si se puede catalogar así a ¡Madre!- tienen cómo protagonistas a dos ganadores del Oscar? Éste hecho y su presupuesto de 30 millones de dólares hablan de un horror film con una producción inusual. Vale la pena mencionar que JLaw y Bardem son secundados por Ed Harris (4 nominaciones) y Michelle Pfeiffer (3 nominaciones). Para filmar éste film la actriz protagónica, decidió abandonar The Rosie Proyect (2019).

Podemos decir que Mother! parece ser dos películas distintas: la primera -todo lo que transcurre hasta el funeral si se quiere- es una especie de cinta de suspenso bastante lograda con ingeniosos diálogos y buenas actuaciones, mientras la segunda parte -caracterizada por "la invasión"- es una especie de delirante y grotesco "horror film" con poca lógica y mal manejo de los tiempos espectatoriales. La primera parte, si bien tiene una forma de rodaje y edición particular -una cámara que nunca abandona a Jennifer Lawrence y demasiados planos muy cortos-, sumado a un sonido bastante artificial que acompaña a toda la película, decanta en una prolija historia con escaladas intensas de tensión y una inteligente construcción de la casa como una entidad autónoma y siniestra. En esa construcción como en los efectos especiales generales del largometraje hay un buen trabajo. La segunda parte, en cambio se caracteriza por el absurdo. Absurdos son los diálogos -algunos causan risa en el espectador, cosa raramente esperable en éste tipo de géneros- y la conexión con la historia anterior a nivel narrativo. Hay sin embargo hacia el final cierta circularidad y cierre, con una escena llamésmole "del corazón" poco original -similar por ejemplo a una de las escenas finales de Sombras Tenebrosas, en las cuales aparecen Johnny Depp y Eva Green-.

Continuando mi análisis me detendré en lo que considero la ética de representación: hay una escena de extrema violencia hacia un infante y otra hacia una mujer que parecen totalmente innecesarias y la visión de la mujer que expone el film es penosa. ¿Por qué es una visión penosa? La figura de Jennifer Lawrence parece estar reducida únicamente a sus pechos con varias tomas cenitales de los mismos que no tienen ningún sentido narrativo. El hombre además sigue resultando quien consuela y le da órdenes a la mujer, mientras que ésta última se reduce a su sexualidad, irracionalidad y tareas domésticas. La actriz, a pesar del sexismo tiene una sólida performance, que junto a la de Michelle Pfeiffer son las más fuertes de la película. Pensando en el plano visual no hay solo buenos efectos visuales, sino también una interesante diseño de producción (Philip Messina)

Quiero creer como espectador que el proyecto de Aronofsky tiene cierto sentido, tiene, por ejemplo, analogías argumentales interesantes tales como: casa-vida, y corazón-piedra. Sin embargo el eje articulador -si tiene alguno-, que yo entiendo como el miedo a una invasión de extraños a una casa, no logra hacer mella en un público latino que no hace un culto excesivo del hogar y la propiedad privada -al menos quienes son menos materialistas-. El personaje de Jennifer Lawrence es además al fin y al cabo una ama de casa burguesa y miedosa que poco aporta respecto a una visión moderna de la mujer. Mother! es una película que difícilmente atraiga al público convencional de terror y tampoco a al público global de cine que quizás conozca a Aronofsky por trabajos superiores a éste como El Cisne Negro, Pi, o El Luchador. No descarto, sin embargo, la posibilidad de que atraiga a cierto público "shyamalanesco".

Mi Calificación: 5 (cinco) Regular

Star Trek: Discovery (2017-)

Capítulo: "The Vulcan Hello"
Duración: 43 minutos 
Director/a: David Semel (Héroes, Person of Interest, Code Black)
Guión: Bryan Fuller 
Alex Kurtzman
Actores/actrices: Michelle Yeoh (El Mañana Nunca Muere, El Tigre y el Dragón, Reign of Assassins)
Sonequa Martin-Green (Toe to Toe, The Walking Dead, Shockwave Darkside)
Doug Jones (El Laberinto del Fauno; Hellboy I, II; Los 4 fantásticos y Silver Surfer)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia (en Inglés)

La precuela de la serie original de Star Trek (está datada diez años antes de las aventuras del Capitán Kirk) fue estrenada por CBS el domingo pasado, llegando a Netflix al día siguiente para Latino américa. En Estados Unidos contó con un buen nivel de audiencia (cosa esperable por el fiel público trekkie), y una buena recepción de la crítica. La serie retrata a la Federación y a los Klingons y tendrá 13 capítulos más (ya dos fueron exhibidos) terminando su temporada en Enero.

La icónica tele-transportación, con la capitana a la izquierda
y la segunda en mando a la derecha, ambas apuntando sus phasers. 

Hace 12 años nos dejaba Star Trek: Enterprise, por lo que muchas cosas cambiaron desde esa última serie. Quizás éstas dos tengan como punto común una presentación bastante distinta a las series anteriores, pero Discovery tiene un tema musical que intenta ir por los destinos de ellas. Como elemento transicional podemos decir que los efectos especiales de la versión actual han evolucionado significativamente, visualmente la nueva serie es increíble, no sólo por ésto: sino por los diseños de set de ensueño -el lugar donde transcurre la Asamblea Klingon, en particular, que tiene mucho de egipcio- y las locaciones. Toda esa estética que se mueve equilibradamente entre lo verosímil y la maravilla es también posible gracias a un faraónico trabajo de maquillaje y de vestuario.
Los Klingons siempre son materia de interés en las series anteriores, y aquí la exploración parece que rendirá frutos gracias a la fuerza de un guión que además tiene como principales a dos personajes femeninos: una asiática y otra afroamericana. Ésto refuerza la pluralidad típica de las series anteriores y la idea de su creador, Gene Roddenberry.

T'Kuvma, guerrero Klingon líder de su "casa".

El dilema ético/moral está presente en el primer capítulo, logrando no sólo hacer pensar al espectador, sino tensionarlo. "The Vulcan Hello" tampoco falla con las escenas de acción, que a su vez comprometen a buenos trabajos de Michelle Yeoh (como Phillippa Georgiou)  y Sonequa Martin-Green (como Michael Burnham). Como los tiempos cambian, la exposición de la cadena de mando es algo diferente a otras: se ve mayor flexibilidad en una capitana que confía en su tripulación pero que no tiene problemas en empeñar un arma. Los protocolos de la Federación, eje relevante en distintas narrativas sigue aún presente en Discovery, y trae los respectivos problemas y soluciones.
Un elemento algo tirante en el argumento, usual en otras historias trekkers, es el problema de cierta actuación necesaria: aún siendo evidente los futuros problemas de un ente/lugar/organismo sospechoso los personajes por un motivo u otro se ven obligados a actuar. Poniendo así en peligro la nave y la tripulación, cuando quizás no fuera necesario -desde una perspectiva vulcana si se quiere, o forzadamente.

La primera oficial de la USS Shenzhou, Michael Burnham,
con un moderno equipo de investigación que no requiere
de las pequeñas naves de exploración.

No queda mucho por decir de un prometedor y emocionante primer capítulo de una serie que esperemos esté mucho tiempo en pantalla. Live long and prosper.

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena

Retiro Voluntario (2017):

Duración: 90 Minutos
Director/a: Lucas Figueroa (Viral)
Guión: Lucas Figueroa 
Actores/actrices: Imanol Arias (El Lute I,II; Pájaros de Papel; Eva no duerme)
Darío Grandinetti
Luis Luque (Tiempo de Valientes, Tres de Corazones, El Gato Desaparece)




Ficha en IMDb
Ficha en cinenacional.com

Comedia coproducida por Argentina y España, basada en el cuento "El Acosador" de Juanjo Muñoz. Es el segundo largometraje de Lucas Figueroa, Imanol Arias tiene el protágonico, actor español que vimos en producciones argentinas como Camila (Bemberg, 1984) y Anillos de Oro. Aquí es acompañado por Darío Grandinetti, quien a su vez actuó en películas españolas como Julieta (2016) o Hable con Ella (2002), ambas de Almodóvar.

Los títulos de crédito en la secuencia de apertura de la película, fusionados en la estética porteña, muestran cierto ingenio y quizás no son muy fáciles de detectar en el espectador poco entrenado. Eso quizás prometiera una sutileza futura en la película que tristemente falta. Ese quiebre de la sutileza podría pensarse ya en la segunda escena de la cinta, allí se presenta a Rubén (Darío Grandinetti) muy concentrado y nervioso viendo un partido de fútbol en la televisión. Por el resultado del mismo, Deportivo Morón, "El Gallito" desciende. Pero, el ojo entrenado puede detectar un error: cuando la cámara enfoca la televisión se ve no sólo las gráficas azules de un conocido canal deportivo, sino también otras que dicen "Copa Argentina". Como sabe cualquier persona con un mínimo conocimiento sobre balompié, es imposible descender en un partido de copa y no de liga.

La carencia de sutileza de ésta comedia está principalmente en su humor: su estilo parece de otros tiempos, quizás de hace veinte años atrás... La supuesta hilaridad pasa por cierta homofobia y sexismo recalcitrante, además del excesivo uso de un lenguaje demasiado soez (que recuerda a películas argentinas de hace algunos años). La construcción de los personajes estereotipados tampoco ayuda al "humor", tales como el de Eduardo (Luis Luque), una especie de Paolo el rockero. Quizás el personaje de Rubén (Darío Grandinetti) no sea muy estereotipado, pero sí parece un copy-paste del personaje de Víctor (Daniel Aráoz) en "El Hombre de al Lado" (Cohn y Duprat, 2009), hasta hay cierto parecido físico. De hecho buena parte de la trama o su construcción dramática es muy similar: una disputa entre personajes de distinta clase, uno europeizado de clase alta y el otro criollo de clase popular.

Es importante señalar, sin embargo, que la historia tiene como marco la flexibilización laboral, y a un espectador o espectadora que haya vivido los años noventa irremediablemente le remite a la privatización de empresas como Entel, Ferrocariles Argentinos y otras situaciones similares. Mismo el título de la película remite a una mafiosa forma de despidos empleada durante el neoliberalismo menemista. Sin embargo si éste contexto quiere ser denunciante, el mensaje se pierde o no es del todo legible. Otro aspecto que se quiere articular en la historia es la construcción de cultura popular argentina: ésto se da a través de las referencias a Deportivo Morón (a mi gusto demasiado repetitivas), personajes como Jorge "Locomotora" Castro -aquí hace un simpático cameo-, un auto clásico como el Ford Taunus y el picódromo del circuito "Hermanos Gálvez". La forma en que están presentadas esas referencias parece tener cierta impostación, remite a cierta caricaturización (intencionada o no) de una idiosincracia popular que se quiere valorar pero al mismo tiempo parece ser considerada "vulgar", hecho que puede resultar bastante molesto a quien tenga cierta conciencia de clase.

Las locaciones de la ciudad son bastante icónicas sin embargo, y muestran cierta producción por lo complejo de filmar en tales lugares. La música (Juan Cortés), es otro aspecto destacable de los pocos en la cinta. Mientras que en el caso de las actuaciones, un elenco de renombre decepciona, teniendo trabajos aceptables únicamente de Darío Grandinetti (Víctor) y Valeria Alonso (Marita).
Retiro Voluntario es una comedia con importante producción pero que se queda a medio camino, tanto por su humor chabacano, como por su débil estructura argumental. Responde a un estilo cómico de fórmula que debería ya quedar obsoleto habiendo cierta reflexión social de por medio.

Mi Calificación: 5 (cinco) Regular
   

Annabelle 2: La Creación (2017):
-Anabelle: Creation-

Duración: 109 Minutos
Director/a: David F. Sandberg (Cuando las Luces Se Apagan)
Guión: Gary Dauberman
Actores/actrices: Talitha Bateman (La Quinta Ola, So B. It, Mi Papá es un Gato)
Lulu Wilson (Líbranos del Mal, Her Composition, Ouija: el origen del mal)
Anthony LaPaglia (Lantana, Balibo, Holding The Man)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

El título original de la película no incluye el número 2, y ésto es importante: porque si bien en ambos títulos está incluida la palabra "creación", ésta cinta es la precuela de Annabelle. El número 2 confunde, porque parece indicar a priori una sucesión, pero ésto depende de la estrategia de marketing dada. Respecto a David F. Sandberg, podemos decir que es un joven director (tiene 36 años de edad), cuyo primer largometraje fue la película de terror Cuando las Luces se Apagan (2016), película que fue un gran éxito de taquilla. Anteriormente hizo varios cortometrajes como Con lo Tranquilo que Estaba (2006), Lights Out (2013) -posteriormente hizo el largometraje- y Attic Panic (2015).

Ya son cuatro las películas de "The Conjuring Series", la primera sin dudas fue la que hizo posible dos precuelas -habiendo una tercera (The Nun, proyectada para el año que viene) y cuarta (The Crooked Man) en desarrollo- y dos secuelas (El Conjuro 3, aún en desarrollo). Una característica peculiar de la franquicia es que desmiente absolutamente que las segundas partes no son mejores que las primeras. La única película que no me resultó a mí fue Annabelle (2014), por lo que tenía cierta desconfianza de una segunda entrega, pero al fin y al cabo mi escepticismo fue eficientemente refutado. ¿Por qué hablo de eficiencia? Por la virtud que tiene la cinta de poder resolver muy cómodamente una historia con un módico presupuesto (15 millones de dólares), y por la exitosa utilización del tiempo fílmico, teniendo cada escena un sentido, y un análisis inteligente.

El modo de representación clásico es un buen amigo del terror, que en general sólo recurre a un espacio escénico, a una determinada progresión o escalada de tensión y a cierta creación del verosímil. El manejo del espacio en Annabelle: La Creación, está bastante bien resuelto -igualmente la casa es ridículamente gigante-: principalmente gracias a un gran trabajo de sonido (William R. Dean) y una acertada fotografía (Maxime Alexandre).
Ya no se requieren ambulancias en las entradas de los cines, como en otros tiempos, pero la película de David F. Sandberg logra sobresaltar al expectador. Resulta algo difícil evitar algunas generalidades del terror al director, por ejemplo la necesidad de explicar por que alguien debería quedarse en una casa con posesiones diabólicas teniendo la posibilidad de irse. El guión reporta algunos problemas de ese tipo, sumado a algunos diálogos religiosos algo cursis y propagandísticos. Éste aspecto que yo llamo propagandístico también se puede ver en la excesiva cantidad de simbología cristiana presente en la casa de Samuel y Esther Mullins, que parece tener más crucifijos que todo el Vaticano.  

Las escenas de terror, como bien señalamos están exitosamente resueltas, ésto también gracias a buen trabajo de efectos especiales (Garry Cooper y Mark Hawker) y de maquillaje (Liz Mendoza). Esas intrincadas escenas hubieran perdido fuerza, con performances débiles, pero no es el caso de éste horror film, donde destaca la muy joven Talitha Bateman (como Janice).
La virtud de Annabelle 2 no es solamente su eficiencia narrativa, espacio-temporal y sonora (gracias a un buen equipo técnico y un inteligente director) común a un buena historia vinculada al modo de representación clásico, sino también la capacidad de impresionarnos aún con recursos que ya conocemos en éste tipo de cine.

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

Atómica (2017):
-Atomic Blonde-

Duracion: 115 Minutos
Director/a: David Leitch (John Wick)
Guión: Kurt Johnstad
Actores/actrices: Charlize Theron
James McAvoy 
Sofia Boutella

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia (en Inglés)



David Leitch es principalmente conocido por su trabajo como doble (películas como 300, Inframundo: la Evolución, Señor y Señora Smith), al que también suma labores de coordinador de dobles y asistente de director. Con John Wick -codirigida con Chad Stahelski- dio el salto a director, y actualmente se encuentra filmando la secuela de Deadpool, programada para el año que viene. Ésta película, protagonizada por la talentosa blonda sudafricana -en un papel pobre- está basada en la novela gráfica The Coldest City de Antony Johnston y Sam Hart.

"Las mujeres se oponen al progreso" es una de las frases de David Percival (James McAvoy), referidas a Lorraine Broughton (Charlize Theron). Podemos pensar que una frase de ese estilo no tiene mala intención y es simplemente una particularidad del guión quizás... pero la construcción del universo de la heroína es evidentemente masculino. Ésta frase, queriendo desconstruirla representa un esencialismo de la categoría "mujer", además de un incorrecto universalismo que se expresaría en la afirmación de que todas las mujeres por el simple hecho de identificarse con ése género están en contra del progreso. ¿Cómo se evidencia esa construcción patriarcal/masculinista en el universo fílmico de Atómica? No es algo simple de responder, pero se ve reflejado por ejemplo en la forma en que Percival habla sobre Lloraine y como la ve.
Para seguir intentando responder a esa pregunta hay que pensar en el concepto de ideología de representación, que según mi entender son los pensamientos y el modo de producción que subyace a una narración filmada. Hay una androcentrización del público (varón adulto, blanco, heterosexual), mostrando desnudos femeninos que no hacen a la trama, escenas lésbicas formuladas únicamente para el placer masculino, un nivel de violencia extremo y la promoción gratuita y repetida hasta el hartazgo de bebidas alcohólicas y cigarrillos.

Profundizando en la cuestión genérica -ahora referido al estilo donde puede encuadrarse la película- la cinta es de acción "esteroidizada"/"tetosteronizada": neologismos que me permito crear para pensar en el tipo de películas como John Wick I,II, u otras de Statham, las cuales se caracterizan por un ninguneo del argumento en pos de las escenas de acción irreales e innecesariamente violentas y sangrientas (no hay una belleza estética en ellas como lo haría Tarantino, sino una mostración por la mostración misma). Quizás eso no molestara tanto -al fin y al cabo es un "estilo"- sino hubiera una carencia de búsqueda estética personal. El personaje interpretado por Charlize Theron parece una mezcla entre La Femme Nikkita (Besson, 1990) y Æon Flux (Kusama, 2005), ésta última interpretada por la misma actriz que al parecer ciertos papeles le están quedando cómodos. El argumento también parece una reconstrucción de otras historias -aquí se podría tener cierta tolerancia pensando que refleja la historia de la novela gráfica- tales como las de El Topo (Alfredson, 2011) o Kingsman (Vaughn, 2014). Pensando con cierta benevolencia, hay algo positivo en la historia:  se puede ver cierto empoderamiento femenino en una heroína que se enfrente con el hombre que se enfrente termina destrozándolo -además de ser un personaje autónomo, independiente-.

El modo de producción de éstas películas -Atómica particularmente se encuentra en el limbo entre un modo de representación post-moderno por sus referencias a veces innecesarias a películas como Casablanca (Curtiz, 1942) o La Zona (Tarkovsky, 1979) y el modo de producción clásico (por su estructura argumental)- deja siempre algún factor técnico para destacar: en éste caso está dado por un inteligente diseño de producción (David Scheunemann), diseño de arte (Zsuzsa Kismarty-Lechner) y algunos efectos especiales logrados (varios artistas). La música (Tyler Bates) ayuda a crear una atmósfera, a la vez oscura -por los remix- y perfectamente bailable. Otro aspecto destacable, es el trabajo performático de Sofia Boutella (como Delphine Lassalle), una actriz en ascenso y con trabajos muy regulares -bajo mi humilde perspectiva-.

En una de las escenas de la cinta de Leitch vemos a la heroína -intertextualidad post-moderna de por medio- peleando con distintos villanos frente a una pantalla donde se proyecta Stalker, la cinta de Tarkovsky. Los personajes terminan rasgando la pantalla y si se quiere "rompiendo la película", aquí queda demostrado no sólo cierto encono hacia un cine que se piensa así mismo sino como para todo lo que no represente una ideología de mercado -principalmente expresado en sinécdoques como capitalismo-libertad y comunismo-opresión o más simplemente capitalismo-héroes y comunismo-villanos. Hay cierto intento sin embargo de criticar a los dos sistemas, pero intencionadamente no está profundizado. En fin, pensando en la escena de Stalker, podemos pensar que Atómica viene a destruir el cine reflexivo y a imponer un forma de representación trunca y vacía, en el limbo entre un modo clásico y uno post-moderno.

Mi Calificación: 4,50 (cuatro y medio) Regular