Mujer Maravilla (2017):
-Wonder Woman-

Duración: 141 Minutos
Director/a: Patty Jenkins (Monster: Asesina en Serie)
Guión: Allan Heinberg
Actores/actrices: Gal Gadot
Chris Pine
Robin Wright (Forrest Gump, Nine Lives, Madres Perfectas)



Mi Calificación: 5 (cinco) Regular

La película de la Mujer Maravilla empezó a desarrollarse en 1996, siendo en 2015 cuando encontró a Patty Jenkins, la primera directora mujer en filmar una película de super héroes. Con la particularidad de tener que contar la historia del icónico personaje interpretado por Linda Hamilton en la serie original. Por éstos hechos esperaba un poco más de una película que no sólo no cumplió con mis expectativas -quizás demasiado altas-, sino que no pasa de la media.

El argumento explota el ya utilizado marco de la segunda guerra mundial para contar una maniqueísta y predecible historia. Dista de la oscuridad de las películas que DC nos estaba trayendo en los últimos tiempos y se dirige hacia un lado ingenuo y edulcorado. Sí podemos encontrar como positiva cierta expresión de una ideología de género que señala lo vacío del matrimonio y la no necesidad del hombre para el placer sexual femenino, sin escapar de la heteronormatividad, sin embargo. Esto reflejado en un guión que por un lado tiene alguna reflexión interesante sobre el valor de la humanidad y por otro tiene frases melosas y clichés. La cuota de humor tiene cierto atractivo, pero la comicidad termina siempre apuntando a lo mismo: las diferencias entre Diana y el resto del mundo.

Las dos horas veinte de duración se sienten a través de la película, con escenas de acción algunas demasiado largas, otras demasiado exageradas -aunque alguna bien resuelta-. Las actuaciones son disparejas, la performance de Gal Gadot no es pareja durante todo el metraje, pero podemos decir que es aceptable -el buen trabajo físico de la actriz es evidente-. Se salvan del olvido Robin Wright (como Antiope) con un papel corto pero importante y bien desempeñado, y especialmente Elena Anaya (como Dr. Maru).
Pensando en lo visual hay un buen trabajo de diseño de set (Aline Bonetto) y de dirección de arte (Dominic Hyman), sin embargo no ayudados por el abuso del CGI y efectos no del todo logrados. Hay, sí un buen trabajo de vestuario (Lindy Hemming) con el maravilloso traje de la Mujer Maravilla como estandarte.

La segunda aparición de la Mujer Maravilla en la pantalla grande -pensando en Batman vs. Superman- carece de cierto brillo, comparándola con su buena introducción en una película que no había sido de las mejores de DC. Sin embargo, esta película parece introducirnos a lo que va a ser su desarrollo en Liga de la Justicia, que por lo menos a mí me genera cierta expectativa.

¿De qué trata?: La paz de Temiscira es violentada por un piloto que aparece en la isla y relata los acontecimientos de la reinante guerra.

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Baywatch: Guardianes de la bahía (2017):
-Baywatch-

Duración: 116 Minutos
Director: Seth Gordon (Navidad Sin los Suegros, Quiero Matar a Mi Jefe, Ladrona de Identidades)
Guión: Damian Shannon
Mark Swift
Actores: Dwayne Johnson (El Rey Escorpión; Rápido y Furioso V, VI, VII, VII; Terremoto: La Falla de San Andrés)
Zac Efron (High Musical, 17 Otra Vez, Mike y Dave: Los busca novias)
Kelly Rohrbach (Wilt)

Mi Calificación: 4,50 (cuatro y medio) Regular

Película basada en la icónica serie de los noventa que tenía a figuras como David Hasselhoff y Pamela Anderson, ahora con un elenco renovado o ¿quizás no tanto? Con un presupuesto de 69 millones de dólares, la cinta no genera más que una sola pregunta: ¿no habría sido mejor destinar esa millonada en otra cosa? Los productores seguramente responderan negativamente a esa interrogación dado que ya se piensa en una potencial secuela y en menos de un mes recaudó 98 millones de dólares, sin haberse estrenado aún en varios países.

El argumento continúa con la delirante línea de la serie: guardavidas que parecen más bien agentes del FBI o de la Interpol. Por lo tanto vemos a guardavidas desarmados pelear contra narcotraficantes armados hasta los dientes. Como era de esperarse éstos guardavidas, lucen cuerpos esculturales -solo uno de los actores tiene un cuerpo promedio y eso implica distintos chascarillos- y responden a los estereotipos típicos de comedias simplonas, además de estar ambos géneros cosificados (mayormente el femenino, como era de esperar). Cabe señalar que si bien abundan los clichés, el guión posee una hilaridad sorprendentemente bien lograda, obteniendo bastantes carcajadas de los espectadores. Las referencias culturales a películas y bandas de los noventa y de éste siglo son interesantes, aunque por momento redundan en un exceso, mismo aplica para unas inesperadas metareferencias a la serie original -inesperadas por su factor reflexivo que parece romper por momentos con la narrativa clásica y tradicional que dirige la historia-.

No hay cosas positivas para señalar respecto a las actuaciones, que son lisa y llanamente malas, si bien hay un buen trabajo físico de los y las protagonistas, evidenciado por distintas proezas musculares y cardiorespiratorias a través del film. Tampoco podemos desquitarnos con actores y actrices que debieron interpretar personajes bastante vacíos  y superficiales, con poco que decirles a la humanidad.

Ya analizados los evidentes puntos débiles, es importante señalar que hay un buen trabajo fotográfico (Eric Steelberg) que realmente considero un factor sorpresivo. Destacan ciertas tomas de las puestas del sol, angulaciones de cámara interesantes, y escenas bajo el agua bien realizadas. No podemos decir ésto de unos pobres efectos visuales, bastante poco realistas.
La música (Christopher Lennertz), cuenta con una buena selección de música actual que a su vez incorpora algún clásico como Say You, Say Me de Lionel Ritchie.
Los cameos, si bien esperables, aportan cierta nostalgia por su tono referencial a la serie.

¿De qué trata?: Nuevos miembros se unen a los Guardianes de la Bahía, mientras investigan un complot criminal ligado al narcotráfico.

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Chákope (2017): 

Duración: 9 Minutos
Director: Manuel Díaz
Guión: Liz Haedo 
Actores: Liz Haedo (Debut)
Darío Valenzuela (El Niño Pez, El Secreto de sus Ojos, Carancho)
Juan Barreto (Debut)

Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

Cortometraje paraguayo, colombiano y argentino coproducido por la UNA (Universidad Nacional de Artes) y Arandú producciones, estrenada el 12 de Junio del corriente año en la Fundación Paraguay Cultura, en conmemoración del aniversario de la firma del Protocolo de Paz (que fue en esa misma fecha, en 1935) en Buenos Aires, implicando el cese de hostilidades entre Paraguay y Bolivia. El corto tuvo la particularidad de contar con el madrinazgo de Loren Acuña, quien recientemente estrenó Madraza junto a Sofía Gala.

La Guerra del Chaco fue quizás la guerra más trascendente del siglo XX, en América Latina, con aproximadamente 90.000 bajas en total. Chákope acertadamente decide retratar momentos de una guerra fratricida, con un mensaje antibélico quizás apreciable solamente leyendo entre líneas. Es importante señalar lo complejo de plasmar una idea tan abstracta en solamente 8 minutos.
El guión transmite un ambiente hostil y cerrado, encabezado por un personaje autoritario, el Coronel Irrazábal, muy bien interpretado por Darío Valenzuela. Su contraparte, Manuela, es interpretada por la también guionista, Liz Haedo, quien tiene un sólido y prometedor debut actoral.

La crudeza de la guerra y lo gráfico de las escenas ayudan a darnos una idea del ambiente desarrollado en una guerra caracterizada por la pobreza de los países enfrentados, reflejados en la falta de recursos y la violencia en el actuar. Estas situaciones retratadas nos pueden llevar a trazar un paralelismo con la situación de los gauchos en la defensa de la frontera contra los indios en Argentina, o la desafortunada Guerra de la Triple Frontera.
A nivel técnico hay un buen trabajo de fotografía (Lina Perdomo), con algunos planos detalle interesantes, y un buen trabajo de la luz. Otro aspecto destacado es que la totalidad del corto está en idioma guaraní, cosa útil para la preservación del mismo.

Chákope presenta una interesante reflexión sobre un tema que quizás no nos sea muy familiar a los argentinos, pero sin dudas marcó al pueblo boliviano y paraguayo. Argentina, tuvo cierta intervención en la guerra de todos modos, y los conflictos bélicos presentan una característica universal que interpela a toda la humanidad.

¿De qué trata?: Manuela, es una soldado que se hace pasar para poder participar en la Guerra del Chaco y proteger a su hermano. 

Trailer y Datos Técnicos en Vimeo

Artículo en La Nación (Paraguay)

Paterson (2016):

Duración: 118 Minutos
Director: Jim Jarmusch (Extraños en el paraíso, Coffee and Cigarettes, Flores Rotas)
Guión: Jim Jarmusch
Actores: Adam Driver (Tracks, Star Wars: El Despertar de la Fuerza, Silencio)
Golshifteh Farahani (Red de Mentiras, The Patience Stone, Mi dulce tierra de pimienta)
William Jackson Harper (That's What She Said, True Story, How to Tell You're a Douchebag)

Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

El primero de los dos proyectos del año pasado de Jarmusch -el otro fue el documental sobre The Stooges "Gimme Danger"- que ganó el premio Palm Dog (por la perfomance de Nellie) del Festival de Cannes. Además de ser nominado a "Mejores imágenes masculinas en una película", "Mejor pareja en la pantalla" y "Mejor Igualdad de Sexos" del Women Film Critics Circle Awards.
Éstas tres nominaciones son sin dudas merecidas, particularmente por la ármonica y no jerarquizada relación entre la pareja retratada.

Pensando en ese aspecto del guión podemos decir que la relación entre Paterson (Adam Driver) y Laura (Golshifteh Farahani) se caracteriza por una belleza particular, y específicamente por el cariño, comprensión y apoyo entre ambos. Aspecto que armoniza muy bien a largo de la película, otro aspecto destacado del guión es la libertad con que Jarmusch habla sobre temas que le interesan a él: desde la mención de Iggy Pop, o Rubin "Hurricane" Carter a poetas como Dante, Petrarca y William Carlos Williams. El aspecto lírico resalta la magia de lo cotidiano -a través de los poemas de Paterson (escritos por Ron Padgett)- que generalmente no queremos o solemos ver. La historia posee una particular simpleza y cierta circularidad, pero resulta igualmente estimulante.

Las actuaciones son parejas, teniendo tres performances sólidas, de las que destacan Golshifteh Farahani (Laura) por su sentida y magnífica expresividad y William Jackson Harper como Everett, también hay un buen trabajo del lungo Adam Driver.
El trabajo de edición (Affonso Gonçalves) cumple una función destacada a lo largo de la cinta por lo complejo de tener que dotar de dinámica a una historia que se caracteriza por lo constante de los escenarios y su circularidad, el trabajo es sin dudas exitoso. Las escenas donde los protagonistas se encuentran en la cama tienen la particularidad de recordarnos a una puesta en escena teatral y cierta similitud a las escena de Citizen Kane donde Kane discute con su primera mujer (ambas escenas tienen como función, entre otras cosas, mostrar el paso del tiempo, además de estar dotadadas de cierta teatralidad).

¿De qué trata?: retrata la vida de Paterson, un conductor de colectivo y poeta que vive junto a su pareja, Laura, en Patterson, Nueva Jersey.

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¡Huye! (2017):
-Get Out-

Duración: 104 Minutos
Director: Jordan Peele (Película Debut)
Guión: Jordan Peele
Actores: Daniel Kaluuya (Chatroom, Johnny English recargado, Sicario)
Allison Williams (College Musical)
Catherine Keener



Mi Calificación: 7 (siete) Buena

Ópera prima escrita y dirigida por Jordan Peele, quien se hizo conocido por protagonizar la comedia de sketches Key & Peele junto a Keegan-Michael Key -ambos trabajaron en MADtv previamente-. El trabajo de éste nobel director norteamericano en ¡Huye! sin dudas no está para ser tomado para la chacota porque representa un fresco debut directorial en un género distinto al que Peele estaba acostumbrado. Contó además con un limitado presupuesto de 4 millones y medio de dólares, recaudando más de 230 millones, así que podemos decir que al público le gustó la cinta.

El director no le escapa al bulto y trata de manera inteligente y personal la cuestión del racismo hacia los afroamericanos en Estados Unidos. Vemos así a lo largo de la cinta comentarios racistas, como violencia física y psicológica. Una escena destacada se produce cuando Chris (Daniel Kaluuya) y su novia (Allison Williams) llaman a la policía por haber atropellado un reno, y el oficial le pide el registro a Chris quien no estaba manejando, sin un motivo justificado. También el oficial parece insinuar que Chris tiene secuestrada a su novia Rose, pero retira la acusación antes de formularla. Todas estas cuestiones enmarcadas en una historia de terror psicológico bien desarrollada.
El guión da cuenta exitosamente de la problemática racial, y genera un ambiente siempre hostil para un protagonista que se encuentra en una casa ajena. Hay una acertada cuota de humor, sin embargo, que sirve para desarticular la tensión en ciertos momentos.

No exenta de metáforas como el "lugar hundido" (según el director representa el lugar de invisiblización de los afroamericanos en la sociedad estadounidense), que inintencionadamente lleva a una reflexión sobre el cine mismo, también hay un buen trabajo de edición (Gregory Plotkin) y encuadre. Cada toma, podría decirse está dotada de un significado particular. Si bien las locaciones e interiores son limitados por el presupuesto, hay un logrado diseño de producción (Rusty Smith) que destaca por cierto eclecticismo.

El nivel performativo es alto, teniendo un elenco donde parecen no haber grandes jerarquías representacionales. Hay buenos trabajos de Catherine Keener y Marcus Henderson y otros muy buenos de Daniel Kaluuya y Betty Gabriel -como Georgina-.
La ópera prima de Peele se ve enmarcada en un género no muy innovador como el terror, sin embargo el director se las ingenia no sólo para hacer de la cinta una historia atrapante, sino también para presentar reflexiones sobre el racismo y sobre el cine mismo. Desde el vamos parece un director interesante, y sin dudas habrá que prestarle atención a sus futuros proyectos.

¿De qué trata? Un joven afroamericano va a conocer a los padres de su novia y se hospeda con ellos durante el fin de semana. Pero el ambiente cálido pronto va tornándose oscuro, por situaciones imprevistas.

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La Momia (2017): 
-The Mummy-

Duración: 110 Minutos
Director: Alex Kurtzman (Así somos)
Guión: David Koepp
Christopher McQuarrie
Actores: Tom Cruise
Sofia Boutella (Kingsman: El Servicio Secreto, Star Trek: Sin Límites, Jet Trash)
Annabelle Wallis



Mi Calificación: 5 (cinco) Regular

Universal nos trae la película inicial del reboot de la franquicia de La Momia y la primera película del Dark Universe de la mencionada distribuidora (que proyecta La Novia de Frankestein y El Monstruo de la Laguna Negra para 2019, entre otras películas). Preparados para el universo de monstruos en expansión en ésta primera cinta podemos encontrarnos con un crossover de Dr. Jekyll -personaje que entrelazará distintas películas del Dark Universe- interpretado por Russell Crowe-.
Como dato de color, si bien es una franquicia actual la de La Momia, no hay escenas post-créditos (no somos Marvel, dijo el director irónicamente).

¿Qué podemos esperar a nivel argumental? Un poco lo mismo de siempre: predictibilidad, efectismo y una estructura típica de las cintas de éste tipo (empezando algo así como: una persona algo torpe que desencadena un terrible poder ancestral y una maldición, etcétera, etcétera). Sin embargo la película cumple aceptablemente el rol de entretener al público -a veces tensionandolo y estremeciendolo- por casi dos horas. El script sigue las derivas argumentales a través de chistes fáciles y frases melosas, aunque con cierta intención positiva de generar una historia relativamente interesante a través de la vinculación de ciertos períodos históricos no muy lógicamente entrelazados y la presencia de mitología egipcia, como referencias a la reencarnación.

Pensando como completar una tríada de eslabones débiles, las performances de los actores y actrices tampoco ayudan: siendo bastantes más bajas de lo que se espera de actores como Cruise o Crowe. A pesar de ésto el trabajo de Sofia Boutella es sólido, interpretando a una sensual y a la vez aterradora Ahmanet. Cuando pensamos en Ahmanet no podemos no pensar en el personaje de Anck-Su-Namun (Patricia Velásquez): ambas mujeres fuertes, prágmaticas y de gran belleza. Ésta no parece ser la única referencia a la película del '99, si se piensa en el papel de las siniestras tormentas en ambas. Ésto lo señalo sin duda como un factor atractivo de la última cinta, para aquellos que recordamos la película protagonizada por Brendan Fraser.

El nivel técnico/visual es el punto fuerte de La Momia, poseyendo un buen trabajo fotográfico (Ben Seresin) y un logrado diseño de producción (Jon Hutman y Dominic Watkins). Vale la pena mencionar dentro de éstas categorías el ingente trabajo de maquillaje, y los despabiladores efectos visuales y sonoros a cargo de los respectivos departamentos.
La primera entrega de la franquicia de La Momia deja entrever cierta esperanza en los futuros proyectos mientras haya un deseo de pensar en calidad y no en cantidad (tanto a nivel taquilla y producciones como a nivel argumental y actoral), parece haber una intención que trasciende el mero hecho de la redituabilidad de futuras películas. Esperaremos con cierto escepticismo pero no sin cierta esperanza el porvenir del Dark Universe.

¿De qué trata?: Ahmanet, una princesa egipcia, es liberada de la cripta donde se encontraba enterrada, trayendo una terrible maldición para los mortales.

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You Me Her: desafiando los límites sociales

La serie, que llegó a Latinoamérica como Yo, Tu, Ella, es una comedia dramática -para poder catalogarla de alguna forma- con la particularidad de ser llamada "la primera serie poliromántica". Esto es, porque un matrimonio casado se enamora de una escort. Más allá de los típicos enredos, la serie tiene bastante para decir sobre la sexualidad, las normas sociales, y el supuesto comportamiento adulto. 

Si bien la cuestión argumental de You, Me, Her tiene cierta similitud a lo que pasa en Vicky Cristina Barcelona de Woody Allen la serie profundiza mayormente en distintas problemáticas que conllevaría éste tipo de relación: principalmente por las presiones sociales.

¿Es posible que dos personas casadas o en una relación se enamoren de otra al mismo tiempo?
Las relaciones humanas son sin duda intrincadas, y dada su complejidad parece algo probable. La idea de una relación de a tres seguramente pondría los pelos de punta a las personas de pensamiento conservador, cosa reflejada en las presiones que los personajes sufren -principalmente Emma (Rachel Blanchard) y Jack Trakarsky (Greg Poehler) que son una pareja casada en la serie- tanto de sus amigos, familiares como sus compañeros de trabajo. Pero todo en una relación se puede llegar a consensuar, y lo importante es la búsqueda conjunta de la felicidad: por lo tanto si a una pareja le hace feliz incorporar un o una tercera persona a su relación deberían poder hacerlo sin ningún prejuicio.

Jack y Emma Trakarsky son una pareja tradicional que vive
en una zona residencial de Estados Unidos, cuando su relación
empieza a perder la pasión contratan a una escort, de la cual se
enamoran. 

Principalmente lo que más aterraría a un conservador sería la idea de un trío sexual: cosa que la serie explora, junto a una relación lésbica. Por lo tanto puedo decir que la serie se atreve a romper los límites de la normalización sexual (que estipula una relación sexual "normal" como la dada entre un hombre y una mujer en donde el hombre cumple el rol activo y la mujer el pasivo), cosa que aterra a la sociedad normalizada -compuesta en la serie por amigos, pares de trabajo y familiares que viven en un barrio privilegiado-. Resulta culposo para los dos protagonistas. también para Izzy (Priscilla Faia), pero la sexualidad es un terreno que debe ser explorado con la menor cantidad de tabúes posibles.
El personaje de Izzy es quien no duda, y trata de seguir a su corazón y pasión, cosa ejemplar que no siguen tanto Jack como Emma -por estar sometidos a los roles sociales impugnados por el mundo adulto y el sistema de producción actual-.

Haciendo un breve análisis de la serie, puedo decir que es atrapante, llena de brío y emoción. Es difícil parar de verla, y posee tanto momentos de drama como cómicos bien logrados. El argumento tiene las vueltas de tuerca comunes de una serie, pero tiene en gran medida el factor adictivo.
En el caso del guión es sin duda lo más elaborado: se anima a buscar a tientas los posibles inconvenientes de una relación entre tres individuos, y los elementos sexo-afectivos presentes muy bien expresados. Las actuaciones son mediocres, exceptuando un buen trabajo de Priscilla Faia como Izzy.  Sin dudas, el espectador debe abandonar los prejucios para mirarla, y animarse como hacen los personajes a guiarse por lo que sienten.

Foto promocional de la serie, que ya renovó para un segunda, y
tercera temporada.