Perfectos Desconocidos (2016):
-Perfetti Sconosciuti- 

Duración: 97 Minutos
Director/a: Paolo Genovese (Immaturi, Una famiglia perfetta, Tutta colpa di Freud)
Guión: Paolo Genovese
Filippo Bologna
Actores/actrices: Guiseppe Battiston (Pan y Tulipanes, La Passione, Zoran, il mio nipote scemo) 

Anna Foglietta (Escort in Love, The Legendary Giulia and Other Miracles, Tutta colpa di Freud)

Marco Giallini (Buongiorno, papá; A.C.A.B.; Tutta colpa di Freud)

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Comedia dramática italiana ganadora de dos premios David di Donatello. Fue bien recibida por la crítica y el público, llegando a recaudar 16 millones de euros en su país natal. Se espera una remake en español para la misma dentro de poco, probablemente dirigida por Alex de la Iglesia.

La premisa de la película es bastante simple: un grupo de amigos reunido para la cena deberá poner sus celulares en la mesa y leer cada mensaje que le llegue durante ese período de tiempo. A veces menos es más: la premisa funciona maravillosamente, y se desencadenan una serie de eventos relativamente predecibles a nivel estructural, pero no a nivel resolutivo. Por supuesto que la comedia deja de ser comedia en cierto punto para convertirse en un drama. Primer género quizás mejor desarrollado: logrando una sorprendente hilaridad, casi hasta el punto de resultar complicado ahogar una fuerte risotada. La parte dramática sin embargo, no está mal resuelta: surgen prejuicios respecto a la orientación sexual de algún personaje, y queda desenmascarada la hipocresía de ciertos matrimonios. También queda expuesta la complejidad de las relaciones amorosas, respecto a las expectativas para con el otro, el primer encuentro sexual y hasta la paternidad/maternidad.

La circularidad de la trama y el carácter onírico generan una interesante sensación de completitud, que se ve reforzada con una sútil referencia a El Origen. La sutileza también se hace presente durante toda la cinta, tanto por el tipo de humor elegido -que casi no discrimina rangos etáreos- como por la forma en que está manejada la cámara (Fabrizio Lucci). La historia se desarrolla de una forma bastante horizontal, por lo tanto hay un elenco coral que está a la altura de los tragicómicos eventos. La pasión por lo secreto y el morbo por el descubrimiento de los mismos señala el carácter humano y falible de personajes que parecen llegar a dar lo peor de sí, exceptuando contadas excepciones. El secreto aquel que se inmiscuye entre el grupo de amigos y compartido pierde su carácter oscuro, pero genera una letal discordia.

Pensar en una comedia italiana puede generarnos ciertos prejucios porque no sabemos que esperar, la barrera cultural entre Europa y América Latina también nos hace dudar, por las problemáticas diversas de ambos continentes. Sin embargo, Perfectos Desconocidos invita a dejar los prejuicios fuera de la sala, con un humor universal pero inteligente.

¿De qué trata?: siete amigos se reúnen a cenar y deciden compartir cada mensaje de texto, email y llamada que reciban durante la velada.

Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

In a Valley of Violence (2016): 

Duración: 104 Minutos
Director/a: Ti West (The House of the Devil, The Innkeepers, The Sacrament)
Guión: Ti West
Actores/actrices: Ethan Hawke (Día de Entrenamiento, Antes del Atardecer, Boyhood)
John Travolta (Grease,Tiempos Violentos, Rescate del Metro 123)
Taissa Farmiga (Adoro la Fama, The Final Girls, 6 Years)

Mi Calificación: 6 (seis) Buena

Ethan Hawke quería hacer un Western (antes de hacer el remake de Los Siete Magníficos, ese mismo año, claro), por lo que Ti West fue a verlo al teatro donde interpretaba Macbeth y le contó sobre el proyecto en el cual Ethan terminaría embarcándose. Ti, no sólo se encargó de escribir y dirigir la película, sino que haciendo gala de su polifuncionalidad, también se ocupó de editarla y producirla. En 25 días ya estaba filmada la fotografía principal, hecha en Santa Fe, Nuevo México.

Todo empieza con un golpe, uno bien dado, quirúrgico. Ese golpe de Paul a Gilly desencadenará una venganza, que como buena película norteamericana llevará a otra venganza. La vendetta es el gran tema de In a Valley of Violence, algo bastante visto en Hollywood pero que siempre da tela para cortar. No se puede decir que la película de Ti West tenga manteca para tirar al techo, pero éste limitado Western, da en el clavo con algo a la vez simple pero complejo: entretener. Si bien, la fórmula argumental es predecible y clásica, logra llevarte del punto A (inicio de la película) al punto B (fin de la película) de forma cómoda. ¿Por qué funciona? Eso no es fácil de saber, quizás sea por la empatía que generan los personajes -el muy querible Abbie, por ejemplo, interpretado por el perro entrenado Jumpy- o el nihilismo de los diálogos que nos meten en un ambiente fronterizo donde no hay grandes expectativas para el futuro o el presente mismo.

El personaje y la actuación de Ethan Hawke, es bastante similar a su trabajo en Los Siete Magníficos, pero parece quedarle bien la horma del zapato. Ninguno de los otros actores o actrices la descocen, pero sí destaca, Burn Gornman, con el simpático personaje de Priest, un hombre de fe de botellas tomar. La tensión está bien aplicada cuando es necesaria, y las situaciones de violencia o empatía también están exitosamente generadas. Puede criticarse su excesiva simpleza argumental, generadora de lugares comunes, pero resulta pretencioso esperar demasiado de un estilo claramente marcado por el modo de representación clásico. Nos suelen gustar los Westerns por la simpleza de sus resoluciones, no por la maestría argumental o grandes actuaciones.

Las locaciones (Paul B. Roberts) representan bien la típica simpleza y austeridad de los paisajes del viejo oeste, que en éste caso sin ser muy llamativos, cumplen bien su función junto a un espartano diseño de producción (Jade Healy). In a Valley of Violence, no promete más de lo que es: una película de distribución limitada en pantalla grande y pensada para el on demand. Ésto no significa, sin embargo, que hay que menospreciarla por ese hecho -a ninguna película- sino apreciarla por lo que es: un simpático Western de limitado presupuesto. Simpatía que la película ayuda a generar desde muy temprano, con unos creativos títulos de apertura, por ejemplo.

¿De qué trata?:Una pelea de puños desencadena la locura y una sangrienta venganza en el pueblo de Denton.

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Transformers: El Último Caballero (2017):
-Transformers: The Last Knight-

Duración: 149 Minutos
Director/a: Michael Bay (Dos Policías Rebeldes I, II; Transformers I, II, III, IV; 13 Horas: Los soldados secretos de Bengasi)
Guión: Art Marcum
Matt Holloway
Actores/actrices: Mark Wahlberg
Laura Haddock (Guardianes de la Galaxia I, II; A Wonderful Christmas Tale; Superbob)
Anthony Hopkins 

Mi Calificación: 4 (cuatro) Regular

La quinta entrega de Transformers representa la última vez que veremos a Mark Wahlberg en la saga y también la última vez que Michael Bay se ocupe de la dirección. Sin embargo la franquicia espera estrenar un spin-off sobre Bumblebee en 2018 y una sexta película de la saga en 2019.

Ver Transformers es como encontrarte a tu ex después de varios años, lo ves bastante deteriorado y diferente: te gustaba pero ya no te acordas porqué. El paso del tiempo muestra a un Transformers con líneas argumentales cada vez más flojas, más autos y más explosiones. Hablar de como caen en lugares comunes éste tipo de películas es casi caer en un lugar común. Pero no está demás señalar un estereotipado personaje femenino que combina distintos estereotipos en uno (Vivan Wembley, interpretada por Laura Haddock) y la relación de éste personaje con Cade Yeager, signada por la escritura de manual que va de tensión sexual inicial a la resolución de la misma.
Algunas risas forzadas y no forzadas provocan diálogos que relatan una historia surrealista o más bien alucinógena marcada por las constantes, vertiginosas e insostenibles escenas de acción.

La rescritura de ciertos eventos históricos es algo que caracteriza a ésta y otras películas de la saga, recurso desgraciado pero común en nuestros días. Frente a la falta de recursos argumentales la película de Michael Bay utiliza la estrategia del pavo real: mostrar sus "llamativas" plumas para atraer al espectador. Esas plumas son la exagerada cantidad de locaciones -algunas interesantes- la faraónica producción y la cantidad de superdeportivos exhibidos. Para un fanático del automovilismo -ese es mi caso- sin dudas resulta atractivo ver casi sesenta años de historia automotriz estadounidense y europea reflejada en una sola película. Que se mencione al Slant Six, y que se expongan autos de la calaña del Lamborghini Centenario o un Mercedes-AMG GT R resulta realmente hermoso de mirar pero prontamente se percibe el truco publicitario que esto implica.

No todo resulta negativo en ésta quinta entrega: el esforzado trabajo de diseño de producción (Jeffrey Beecroft) como el de diseño de arte (Jason Knox-Johnston) merece ser debidamente reconocido. No se puede decir lo mismo de las actuaciones que mantienen el paupérrimo nivel de las anteriores cintas, siempre resulta interesante sin embargo ver al querido Optimus Prime en pantalla, con la voz del fiel actor Peter Cullen.
La oxidada quinta entrega de Transformers no le pone fin al éxito cuantitativo pero no cualitativo de una franquicia sólidamente instalada. Resulta muy dificil tener alguna esperanza para con sus dos siguientes entregas, cuando la quinta carece de sentido común, entretenimiento y disfrute visual -cosa que no quita el buen trabajo de arte y diseño de producción-.

¿De qué trata?: con Optimus Prime alejado de la acción, la guerra entre Decepticons y Autobots se disputa la historia de los Transformers en la Tierra.

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La Vida es Bella y el Negacionismo Histórico:

La película estelarizada y dirigida por Roberto Begnini es una película renombrada que ficcionaliza el Shoah, en su momento fue criticada por algunas personas por mostrar un visión "idealizada" del terrible genocidio contra el pueblo judío. A veinte años del estreno de la película, la controversia parece algo lejana, pero siempre resulta importante abrir el debate sobre eventos históricos para que no queden silenciados.

Ayer tuve mi primer acercamiento a la película ganadora de 3 Oscars y el Gran Premio del Festival de Cannes. Aproximación algo tardía, motivada por no ser personalemente un gran amante de las películas ambientadas en la Segunda Guerra Mundial, debido a la excesiva cantidad de películas inspiradas en ese fatídico período de la historia humana.
Al haber tantas películas sobre la guerra, y quizás un poco menos sobre el Shoah, hay distintas formas de enfocar los temas en cuestión. Un particular pero muy interesante enfoque sobre el genocidio judío es El Hijo de Saúl, por ejemplo. Cabaret (1972) de Bob Fosse cuenta una historia ambientada durante el nazismo, y trata la cuestión no de forma central, sino mediante alegorías más o menos directas y representado mediante números histriónicos y situaciones concretas.

De hecho la trama de las historiografías puede ser analizada, según filósofos de la historia como Hayden White, como Romántica, Cómica, Satírica o Trágica. Pero sin dudas hay que ser muy cínico para escribir o representar de forma cómica eventos como el Shoah. Sin embargo, con ésta afirmación no quiero señalar que no haya representaciones en clave cómica del nazismo que no sean interesantes. Éste por ejemplo es el caso -según mi opinión- de Ha Vuelto (2015) de David Wnendt que analiza de forma cómica y alegórica -aunque con algún chiste desafortunado- el ascenso de Hitler al poder y el actual resurgimiento de partidos neonazis y la xenofobia en Europa.

La Vida es Bella aborda la cuestión de una forma bastante extraña y a mi parecer poco feliz, mezclando comedia con sátira -lado "cómico" bastante poco gracioso en mi opinión-. Quienes fueron favorables a éste modo de representación señalaron el aspecto ingénuo de la mostración y su fuerte poder emocional, parafraseando. Roger Ebert, por ejemplo, señaló que la cinta ofendió a algunos críticos de izquierda, por el humor sobre el Shoah, y señaló que éstos críticos deberían estar ofendidos, por su toma de una posición política frente a la ingenuidad humana, que considera leitmotiv de la película.

Hay mucho material sobre el Shoah, por ejemplo el magnífico homónimo documental de Claude Lanzman de 1985. Allí, el director renuncia a darle una narrativa clara al exterminio nazi, limitándose a recoger los testimonios de quienes participaron pasiva u activamente en el horror. Habiendo visto este documental resulta difícil que no resulte chocante y hasta violento los chistes sobre los trenes de transporte a campos de concentración y las barracas dentro de un campo de exterminio, explicitados en la película de Begnini. Esa, minimización del horror vivido por las víctimas, tiene la supuesta función argumental de matizar lo terrible de la situación para Eliseo, el hijo de Guido, que siendo un niño, se encuentra en el campo de concentración junto a su padre y madre. Pero, si el director sólo pensó en el recurso de esa forma, desconoce entonces los posibles efectos que pueden producir esa matización del horror en el público general.

La película, por ejemplo, no muestra el gaseo de las víctimas en las cámaras mientras sucede, sino los preparatorios iniciales. Tampoco la quema de los cuerpos -aunque si hay una escena que muestra una pila de muertos fuera de un edificio-, y (alerta spoiler) tampoco muestra directamente la ejecución de Guido. Por lo que parece tener un estilo escapista respecto a los asesinatos perpetuados por los nazis; y por la forma en que dota la vida en un campo de concentración de "belleza" y fantasía la película cobra un fuerte tinte negacionista respecto del Shoah -bajo mi punto de vista-. Resulta imposible pensar en una representación, fuese cual fuese, no política a nivel audiovisual: siempre, se quiera o no hay una ideología de representación. Por lo tanto, La Vida es Bella presenta una más que confusa reinterpretación del Shoah que debe ser vista bastante críticamente, porque toda representación tiene un efecto, especialmente en los más jovenes que a veces no tienen un sentido crítico plenamente desarrollado.

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Yo, Daniel Blake (2016):
-I, Daniel Blake-

Duración: 100 Minutos
Director/a: Ken Loach (Kes, Mi Nombre Es Todo lo que Tengo, La Parte de los Ángeles)
Guión: Paul Laverty
Actores/actrices: Dave Johns (Película Debut)
Hayley Squires (Blood Cells, A Royal Night Out, Away)
Briana Shann (Película Debut)

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

Drama de contenido social ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes, un Premio César, y un BAFTA. La película generó algo de controversia política, por la forma en que es retratado el sistema de seguridad social británico. Además de recibir distintos reconocimientos internacionales, tuvo muy buena recepción por parte de la prensa. Filmada en Newcastle, Inglaterra.

Daniel Blake o Josef K, Daniel Blake contra el Sistema de Seguridad Social, o David contra Goliat. Lo que conmueve de éste drama es ver al hombre pequeño, trabajador, luchando contra la opresiva, represiva y burocrática máquina estatal. ¿Quién no se vió alguna vez subyugado por un poder mayor? Es muy difícil no identificarse con algo que generalmente vivimos: aquella impotencia de un poder represor contra el que aparentemente no podemos hacer nada. Pero Daniel Blake, no siente que no puede hacer nada, el entiende que no está sólo frente a sus problemas y que el poder humano es mayor al de una fría máquina. Nunca renuncia a su lucha aunque sabe que puede costarle su tiempo, dignidad y hasta su vida. En ésta lucha nunca pierde su humanidad y solidaridad para con el otro.

Ken Loach valientemente denuncia lo que pocos se atreven a denunciar hoy en día: los perversos recortes en los servicios sociales en Europa, fiel reflejo a su vez de la realidad latinoamericana. También denuncia majestuosamente, con pocas palabras pero con imágenes muy claras el carácter represivo y deshumanizado de las sociedades actuales. Todo ésto sin una preocupación estetizante que disfrace la realidad o intente dotarla de una belleza que no tiene. Nada de ésto sería posible sin las grandes actuaciones de Dave Johns -como Daniel Blake- y Hayley Squires -como Katie-.

En un cine europeo aparentemente abocado a contar "grandes" dramas referentes a la sexualidad o improbables cuestiones éticas de una cómoda burguesía urbana, la historia de un humilde trabajador mayor que vive en un barrio suburbano de Inglaterra resulta realmente refrescante. Sin recurrir a golpes bajos, la historia resulta tanto conmovedora como ingeniosa y el heroico personaje de Daniel Blake genera una bellísima empatía -también la genera el personaje de Katie- que nos hace pensar en la posibilidad de otro tipo de cine, más comprometido con la realidad de nuestros tiempos.

Yo Daniel, Blake es una película fresca y valiente, de un director que no le importa ser criticado o cuanto recaude su proyecto. Despierta además una admirable empatía humana que puede despertar al más adormecido espectador y hacerlo reflexionar mediante una historia simple pero profunda y filosófica. Es un declaración de principios a través de una dialéctica y de magnífica belleza poética.

¿De qué trata?: Daniel Blake un carpintero de 59 años, debe luchar por conseguir la asistencia social que necesita luego de haber sufrido un infarto.

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Nieve Negra: 

Duración: 90 Minutos
Director/a: Martín Hodara (La Señal)
Guión: Leonel D’Agostino
Martín Hodara
Actores/actrices: Leonardo Sbaraglia
Laia Costa (Victoria, Las Pequeñas Cosas, Newness)
Ricardo Darín 




Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

Co-producción argento-española filmada en Los Pirineos, aunque ambientada en la Patagonia. La película de Martín Hodara, quien fuera asistente de director en Nueve Reinas y El Aura entre otras, fue vista por 680.000 espectadores y contó con actores de lujo como Federico Luppi, además de los ya mencionados.

Nieve negra es un oscuro thriller, ambientado en un lugar donde el clima y las temperaturas son hostiles. Esta ambientación es ayudada por un buen trabajo de fotografía (Arnau Valls Colomer) con algunos travellings y contrapicados interesantes, además de un buen manejo de la escasa luz. Tan hostil como el clima es Salvador, personaje interpretado magníficamente por un Ricardo Darín que no tiene muchos diálogos a diferencia de otras de sus películas, pero que tampoco los necesita para mostrar su calidad. Leonardo Sbaraglia y Laia Costa acompañan bien la performance de Darín, el primero evidentemente cómodo con el papel, la segunda con un buen trabajo pero con un personaje bastante secundario -sí, que raro, una mujer haciendo de esposa/novia del protagonista-.

La historia de la película de Hodara es atrapante, y cruda, no oculta cierto sadismo y brutalidad. Si bien está exitosamente articulada -y se nota a un director lúcido para los detalles- la trama, la utilización de los flashbacks tiende a confundir un poco al espectador por la forma poco clara en que son introducidos -aunque en una de las escenas finales hay un plano y contraplano con distintas líneas temporales muy interesante-. El trabajo de sonido con su mezcla entre in y offs, ayuda inmiscuirnos en la sórdida historia de forma sutil.

Hablando de otros aspectos que ayudan a la verosimilitud del relato, hay locaciones interesantes (Eugenia D'Alessio y Edu Ruano) y un logrado diseño de set (Marcela Bazzano y Josep Rosell).
Los diálogos entre personajes muestran la tensión y hostilidad entre los hermanos, con personajes bien construidos pero algo obvios respecto a su personalidad.
La película protagonizada por Darín y Sbaraglia es un aceptable thriller con una línea cercana a la nacional pero también similar a alguna película estadounidense. Cuenta también con un director muy atento a los detalles y que sabe llevar correctamente la historia.

¿De qué trata?: un oscuro secreto separa a dos hermanos por casi treinta años, que cobrará vida cuando se rencuentren.

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El Círculo (2017):
-The Circle-

Duración: 110 Minutos
Director/a: James Pondsolt (Smashed, The Spectacular Now, The End of the Tour)
Guión: James Pondsolt
Dave Eggers
Actores/actrices: Emma Watson (Harry Potter I, II, III, IV, V, VI, VII (parte 1 y 2); The Colony; La Bella y la Bestia) 
Tom Hanks
John Boyega

Mi Calificación: 6 (seis) Buena

Tecno-thriller estrenado en el Festival de Cine de Tribeca, que representó la última película del fallecido Bill Paxton. Si bien El Círculo tuvo mala recepción de la crítica, es la película con actualmente mayor recaudación del director James Pondsolt: con una taquilla de 30 millones de dólares y un presupuesto de 18 millones. Está basada en la novela homónima de Dave Eggers, quien aquí también adaptó el guión.

La historia de The Circle parece ser la de un capítulo de Black Mirror ampliado, pero con menor oscuridad y poca dinámica. Como Black Mirror, nos hace reflexionar sobre la tecnología, alertándonos sobre los peligros de la sobre-exposición en redes sociales que hacen negocios con nuestra información personal. Sin embargo parece haber una superposición entre redes que buscan honestamente el blanqueamiento de información que no debería estar restringida por los gobiernos, como Wikileaks y otras que quieren hacer negocios con la información, como Facebook.
Si bien la trama resulta interesante, la dinámica de la cinta es irregular, perdiéndose bastante durante la última parte y resolviendo el quid de la cuestión con una inteligente jugada.

Los personajes están relativamente bien construidos, excepto el de Mae que es demasiado ingenuo y carece de la profundidad necesaria para la complejidad de los temas desarrollados. Ésta buena construcción no está ayudada por flojas performances de los dos protagonistas, aunque si hay un aceptable trabajo de John Boyega (Ty), y buenos desempeños de Smith Cho (Gina) y Amir Talai (Matt).Sin dudas la parte fuerte de la película es un guión inteligente, que no sólo genera reflexión, sino también incomodidad y algunas risas irónicas. Capta perfectamente la esencia de las relaciones modernas, la configuración laboral y económica de las redes sociales y los inconvenientes de la invasión de la privacidad.

Lo que hace a El Círculo una película difícil para considerar es que si bien la idea central es inteligente y suspicaz, la puesta de la misma tiene una importante falta de timming y un desarrollo irregular de la acciones. Las representaciones tampoco ayudan, pero decido quedarme con lo inteligente de la idea por ser actual y justificadamente cínica. Un aspecto que no debería pasar por alto tampoco es el buen diseño de producción (Gerald Sullivan). The Circle no es una película que tenga manteca para tirar al techo a nivel cualitativo, pero está bien resuelta a pesar de sus limitaciones espirituales.

¿De qué trata?: Mae, es una joven que logra conseguir el trabajo de sus sueños en una influyente compañía informática llamada The Circle, pero pronto verá que su influencia es utilizada perversamente.

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Tangerine (2015):

Duración: 88 Minutos
Director/a: Sean Baker (Take Out, El Príncipe de Broadway, Estrellita)
Guión: Sean Baker
Chris Bergoch
Actores/actrices: Kitana Kiki Rodriguez (Película Debut)
Mya Taylor (Película Debut)
James Ransone (Estrellita; Sinister I, II; In a Valley of Violence)


Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

Tangerine es una película independiente de módico presupuesto estrenada hace dos años en el Festival de Sundance. Cuando hablamos de módico presupuesto nos referimos a la mínima suma de 100 mil dólares -pensemos, a modo de parámetro presupuestario, que películas independientes como Hombre Irracional costaron 11 millones de dólares, o Perros de la Calle contó con 1,2 millones-.
Debido a tales limitaciones la cinta fue filmada con tres Iphones 5s, y editada con el Final Cut Pro. Aún así, es un film bien realizado que contó con gran aceptación de la crítica y recaudó siete veces su presupuesto.

Tangerine nos sumerge en un mundo invisibilizado por distintas sociedades alrededor del globo: el de las prostitutas trans. No hay timidez al mostrarnos como funciona la prostitución obligada de cuerpos disponibles para el consumo masculino heterosexual, de padres de familia como en el caso de Razmik (interpretado por Karren Karagulian). Hay que señalar que la película no parece tener una toma de posición muy clara respecto a la prostitución, sino que se mantiene en una respetable ambigüedad.La transfobia también es retratada, junto al proxenetismo, y cuenta con el magnífico hecho de que las actrices no sean profesionales y sean trans, por lo que no hay un falseamiento cis-sexual de las identidades.

La historia se caracteriza por ser simple pero a la vez atrapante, y las actuaciones son sólidas, destacando especialmente el trabajo de Kitana Kiki Rodriguez y Mya Taylor ambas actrices debutantes. El humor ácido es un elemento presente durante toda la cinta, además de un lenguaje crudo. Todo ésto, sumado a locaciones exteriores simples y poco bellas, le da gran credibilidad a la historia. La música -a cargo de Matthew Hearon-Smith- combina de forma hermosa y bizarra música clásica con rap y electrónica.

Tangerine sin dudas tiene un estilo muy personal y propio, que no solo está dado por los aspectos ya mencionados sino por lo bien que está filmada con lo precario de los dispositivos. Hay un serio trabajo de fotografía -Sean Baker y Radium Cheung- que no sólo se las ingenia para ser técnicamente prolijo, sino también para aportar la belleza de un anochecer Californiano, por ejemplo. Por ésto y mucho más es una película fresca, con un gran trabajo y estilo directorial.

¿De qué trata?: Sin-Dee estuvo presa durante 28 días y cuando sale se entera que su novio/proxeneta la estuvo engañando con una chica cis, por lo que se pasará el día de navidad buscándolo para que dé explicaciones.

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