Nace una Estrella (2018):
-A Star is Born-

Duración: 136 Minutos
Dirección: Bradley Cooper (Debut) 
Guión: Eric Roth
Bradley Cooper
Protagonistas: Lady Gaga (Machete Kills, Sin City 2: Una mujer para matar o morir, American Horror Story)
Bradley Cooper
Sam Elliott (El Gran Lebowski, Grace and Frankie, The Hero)

Ficha en IMDb
Ficha en WIkipedia

Ocho nominaciones al Oscar tiene este musical y ópera prima de Bradley Cooper, de las cuales dos son para Lady Gaga (Mejor Actriz y Mejor Canción Original). Basado en el musical de 1937, estelarizado por Janet Gaynor y Fredric March, fue filmado parcialmente en el Festival de Coachella.

Entre las cuatro versiones de la película hay repartidas 25 nominaciones al Oscar, y sólo tres estatuillas. El sentido común dice que al menos uno se va a llevar este año este conjunto de films: el de mejor canción original. Shallow no solamente tiene una increíble musicalización, sino que complementa con su letra. Esto aplica para todo el soundtrack de la película.
Lady Gaga, no sólo está detrás de la gran música, sino también hace un trabajo en escena digno de quitarse el sombrero -recordemos que había sido nominada a los Razzies por su trabajo en Machete Kills, por ejemplo- y glorificarla no sólo como estrella pop e ícono cultural, sino también como actriz.
Bradley Cooper no lo hace mal coprotagonizando, continúa el buen nivel al que nos tiene acostumbrados, pero otra sorpresa es el gran trabajo de Sam Elliott, que a sus 74 años y 50 de carrera, está casi a la altura de Gaga.

Otro aspecto que da a la película cierto escape de la estructura marcada del musical es el estilo fresco de dirección que presenta Cooper, que hace a la historia dinámica, y con ciertos elementos de azar, desafiantes. Claro que el elemento de amor romántico heteronormativo está explotado al máximo, como desafortunadamente suele pasar.
La fotografía (Matthew Libatique) es otro aspecto que le confiere unicidad y distinción a la cinta, con un uso predominante del rojo y el azul.
A nivel de la producción no hay escatimación alguna, y esto se nota en aspectos tales, como las locaciones.

Resulta bastante gratificante para los fans de los musicales, como vuestro crítico, la vuelta a las grandes ligas de tal género. Mérito para La la land en ese aspecto, pero por qué no también a El Gran Showman, por ejemplo.
A Star is Born tiene casi todo, y es una digna contendiente en los Oscars, tiene también sus limitaciones, como un tratamiento algo ingénuo del romance y características no del todo convincentes de los personajes, además de cierta moraleja excesivamente pedagógica.

Mi Calificación: 7,50 (siete y medio) Buena

Green Book: una amistad sin fronteras (2018):
-Green Book-

Duración: 130 Minutos
Dirección: Peter Farrelly (Tonto y Retonto I, II; Loco por Mary; Irene, yo y mi otro yo) 
Guión: Nick Vallelonga
Brian Hayes Currie
Protagonistas: Viggo Mortensen 
Mahershala Ali (El Valiente, Moonlight, Talentos Ocultos)
Linda Cardellini (Scooby-Doo, Secreto en la Montaña, Mad Men)


5 Nominaciones al Oscar tiene esta dramedy, que a su vez es biopic. Escrita y producida por Nick Vallelonga, hijo de Tony Lip, uno de los dos protagonistas de la historia, siendo el otro Don Shirley.

Ambientada en 1962, esto es un año antes de la Marcha en Washington por el trabajo y la libertad, como tres años antes de la Marcha de Selma a Montgomery, cuenta la historia del tour por el medio-oeste y el sur de Estados Unidos del músico clásico afroamericano Don Shirley.
Reflexionando sobre el racismo, a priori, parece sorprendente que a casi 100 años del fin de la Guerra Civil y de la esclavitud, hubiera un segregacionismo tan marcado a nivel social y cultural. Pero, revisando la historia del movimiento de los derechos civiles, uno se percata de que los derechos fueron ganados con mucha sangre afroamericana derramada.
Green Book, título que refiere al libro "The Negro Motorist Green Book",  cuenta la historia del racismo segregacionista en Estados Unidos, con una fuerza dramática notable, pero también mantiene la historia general sobre rieles. Los elementos cómicos, están sutilmente introducidos, lo que da un gran equilibrio a la cinta. Y la dinámica se mantiene perfectamente a través de 130 minutos que hacen desear más. Esto probablemente, gracias al gran trabajo de edición (Patrick J. Don Vito).

Mahershala y Vigo hacen un gran dúo, con mucha química, lo que me hizo entender por qué el primero le agradeció al segundo en la recepción de distintos premios: se complementan a la perfección.Y tal cosa no suele ser magia, sino trabajo duro. Claro que el trabajo de Ali es sublime y si no hay sobresaltos lo llevará a su segundo Oscar.
Green Book es, a su vez, acertada en su trabajo de ambientación: vemos cara a cara el racismo mediante el diseño de producción (Tim Galvin), y hay un buen trabajo de vestuario (Betsy Heimann). La música, a cargo de Kris Bowers, destaca por su variedad y su poder inmersivo, con artistas tan heterodoxos como Aretha Franklin hasta Claude Debussy.

La cinta de Peter Farrelly sorprende por la distancia que pone el cineasta con otros proyectos de su autoría, en la zona puramente cómica, y con actores y actrices del género.
Aquí vemos, quizás una cristalización de su trabajo, con una película que, como diría Homero Simpson, funciona a muchos niveles.
Desde aquí, no tengo más que desearle lo mejor en la entrega de los Premios de la Academia, y sugerir que rompan el chanchito para ir a verla al cine.

Mi Calificación: 7,50 (siete y medio) Buena

Roma (2018): 

Duración: 135 Minutos

Dirección: Alfonso Cuarón

Guión: Alfonso Cuarón 

Protagonistas: Yalitza Aparicio (Película Debut)

Marina de Tavira (Efectos Secundarios, Los Árboles Mueren de Pie, Ingobernable)

Nancy García García (Película Debut) 

Ficha en IMDb

Ficha en Wikipedia

Alfonso Cuarón no solo escribió y dirigió esta cinta, sino también se hizo cargo de la fotografía, el montaje y la producción, teniendo un control envidiable sobre la cinta. Roma es una de las favoritas en ciertos rubros, para los premios de la academia. Poosedora de 10 nominaciones, al igual que The Favourite (2018, Lanthimos). Otro dato que vale la pena destacar es que es la primera película en español y mexicana en competir en el rubro de Mejor Película. 

Roma -titulada así por el distrito de la Ciudad de México, Colonia Roma, donde vivió su infancia Cuarón- me recuerda a la confección de un buen habano: es puramente artesanal, y lleva una gran cantidad de tiempo. Cuarón fue aquí el seleccionador de los tabacos, para lograr esa alquimia tan especial de la que están hechos los recuerdos. 

El trabajo de la cinta es totalmente concienzudo, y se ve desde el minuto uno, cuando vemos el agua enjabonada que cae sobre el patio de la casa, que nos dice: la perspectiva será desde una voz absolutamente propia, pero marginada. 

El personaje de Cleo posee una complejidad entrañable, y Yalizta Aparicio, quien nunca soñó con ser actriz por el hecho de que personas con rasgos originarios no salían en el cine o la televisión, lo lleva a la perfección. Sus angustias y problemas se ven atravesados por los de una familia, con su estructura rígida, clasismo y también conflictos. 

El trabajo de Marina de Tavira, representando el lado de la familia, también es muy destacable, y sabe estar a la altura del de Yalitza. 

A nivel estilístico, me era difícil no pensar en distintos modos de representación pero con ciertas similitudes: veía los escenarios dignos del neorrealismo italiano, la profundidad de campo con esa rememoranza a Welles, y a su vez la crudeza del Buñuel de Los Olvidados (1950). 

A pesar de todo esto, hay una visión propia, lograda con una gran fotografía, con grandes travellings  algún plano secuencia, y la mencionada profundidad de campo. Hay también, un increíble diseño de producción (Eugenio Caballero), absolutamente detallista. 

Probablemente, Roma, no sea una película tan política como desearía serlo. No toma grandes compromisos, el análisis de Zizek, con el que no coincido completamente, es un gran inicio para tal evaluación. Pero, en la escena que considero más significativa, aquella de la playa, me resulta muy atractiva esa unión entre mujeres, que creo yo, se dan cuenta que la opresión patriarcal supera las clases. Y se forja de esta manera cierta sororidad entre las dos, que fueron abandonadas por su pareja, no abandonando completamente el clasismo, de todas formas. 

A pesar de sus contradicciones y sus tiempos poco parejos, la película de Cuarón es tan valiosa como un habano de edición limitada, destacando por su artesanía, meticulosidad y unicidad.  

Mi Calificación: 7,50 (siete y medio) Buena

Feliz Día de tu Muerte 2 (2019): 
-Happy Death Day 2U-

Duración: 100 Minutos
Dirección: Christopher Landon
Guión: Christopher Landon
Protagonistas: Jessica Rothe
Israel Broussard
Phi Vu (Más Notas Perfectas, Feliz Día de tu Muerte)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Respondiendo preguntas de la primera entrega, y con similitud a Volver al Futuro 2, se presenta el slasher que continúa la historia de la entrega anterior, saga que al parecer tendrá una tercera parte.

Un chiste no es tan gracioso cuando es contado por segunda vez, aunque haya intentado ser más exagerado y complejo. Las segundas partes no siempre son las mejores: no estamos aquí con El Padrino II o Terminator 2: el día del juicio final, sino con una deflacionada segunda parte de lo que fuera una película muy interesante.
Rotten Tomatoes la describe acertadamente de la siguiente forma: "una más graciosa continuación con una inclinación al sci-fi (...) no es tan diabólicamente fresca como su predecesora, pero los fans de la original quizás puedan estar lo suficientemente entretenidos.".
Respecto a su comicidad, es cierto que tiene sus buenos momentos. Ya hablamos de su frescura, pero profundizaremos un poco más adelante, y respecto a los fans, puedo decir que la película fue aplaudida.

No es que Feliz Día de tu Muerte esté completamente "podrida", para usar un término de Rotten Tomatoes, pero se ahoga en un mar de complejidades innecesarias. Las alteraciones temporales que tan logradas estaban en su predecesora se vuelven aquí completamente ridículas.
La podredumbre no alcanza a penetrarnos porque la historia tiene destellos de inteligencia. El mayor protagonismo de personajes que en la anterior eran secundarios, o que haya papeles que permitan cierta diversidad cultural, también son aspectos positivos.
De los grandes logros técnicos de su precuela, quedan solamente buenos efectos visuales, y alguna elipsis interesante, pero no mucho más.

A nivel performativo, las actuaciones mantienen su buen nivel, y hasta incluyen algún trabajo nuevo destacado: es el caso de Ruby Modine, que vuelve a interpretar a Lori Spengler. Jessica Rothe, vuelve a hacer una sólida labor, que da cuenta de cierto potencial importante.
Probablemente, una de las cosas que desgasta al terror es la figura del asesino omnipotente, y aquí no sólo tiene esa característica, sino que también adquiere la omnipresencia. Se duplica como el logo de Universal al principio de la película.
Feliz Día de tu Muerte 2 probablemente pueda entretener a sus fans, como predice Rotten Tomatoes, pero dista mucho de presentar las innovaciones de su predecesora, o siquiera alguna innovación.

Mi Calificación: 5,50 (cinco y medio) Regular

Si la Calle Beale hablase (2018):
-If Beale Street Could Talk-

Duración: 119 Minutos
Dirección: Barry Jenkins
Guión: Barry Jenkins
Protagonistas: KiKi Layne (Veracity)
Stephan James (Selma, Race: el triunfo del espíritu, Homecoming)
Regina King (Ray, American Crime, Miss Simpatía 2: Armada y fabulosa)


Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Nominada a tres Oscars, podría valerle a Regina King ser la octava mujer afroamericana en ganar el premio de la academia a Mejor Actriz de Reparto. Ya habiendo ganado el Globo de Oro y el Critic's Choice Awards. Basada en la novela homónima del escritor afroamericano James Baldwin.

Moonlight como Beale steet son ambos dramas románticos, el segundo con protagonistas pakis. Lo que no quita el hecho del hincapié que hace la historia en la discriminación racial en Estados Unidos.
Fonny dice que es un país que odia a lxs "negrxs" y se puede ver claramente mediante la narración. que el sistema de justicia, la policía, y principalmente la sociedad son extremadamente racistas.
Destaca también ver como se presenta la opresión patriarcal entroncada con la raza, bajo la perspectiva de Clementine.
Beale Street nos invita a sufrir las injusticias que atraviesa un sector empobrecido y racializado, en Nueva York, y realmente sus problemas hacen mella al espectador.

Si de escritura hablamos, el personaje de Ernestine Rivers, resulta muy estimulante: es una mujer afroamericana segura, fuerte y comúnmente recurre a una honestidad brutal, cuyo look nos hace recordar al de una Pantera Negra.

La historia de amor que está en el centro es un poco decepcionante por su ingenuidad: parece reflejo de otra época, y otro período de representación. Probablemente haya un abuso del amor romántico. 

Lo que no se puede negar es que está excelentemente filmado, gracias a James Laxton. 

La poética de Barry Jenkins es algo que persiste como en Moonlight, y que ya lo convierte en un autor, a pesar de que tenga sólo tres películas en su haber. 

Ese encanto visual y sonoro tiene correspondencia en su asociación con Laxton y la música de Nicholas Britell, nominado a Mejor banda sonora original.

Probablemente lo que me llevara a ver la cinta, fue la curiosidad de analizar el trabajo de Regina King. Y, debo decir, que a pesar de tener un papel corto, hace un muy buen trabajo, acompañada de performers que tampoco lo hacen mal, como Kiki Layne, Emily Rios o Ed Skrein. 

La dinámica de la cinta es un aspecto pendiente: Barry Jenkins suele tomarse su tiempo para algunas cosas, ño que probablemente nos dé la sensación de compartir celda con Fonny. Algunos diálogos, y ciertos personajes resultan un poco empalagosos con su esperanza desmedida, y carente de credibilidad. 

Beale Street nos deleita con su exotismo visual, el uso de imágenes de archivo para mostrar injusticia racial y su música, pero también nos aletarga con la dinámica, y sorprende con la ingenuidad del romance y alguna frase que parece sacada de un sobrecito de azúcar. 

Mi Calificación: 6,50 (seis y medio) Buena

El Vicepresidente: más allá del poder (2018): 
-Vice-

Duración: 132 Minutos
Dirección: Adam McKay
Guión: Adam McKay 
Protagonistas: Christian Bale
Amy Adams
Steve Carell

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Vice superó -con ocho- las cinco nominaciones de The Big Short, que le hicieron ganar a McKay el Oscar a Mejor Guión Adaptado. Aquí podría ganar Mejor Guión Original, y Bale le pisa los talones a Malek en la categoría de Mejor Actor, destacan también las nominaciones de Adams y Rockwell en reparto.

¿Hace falta talento y convicción política para ser vicepresidente de uno de los países más influentes del mundo? Vice nos demuestra que no: simplemente hace falta ingenio, carrera, y una ambición desmedida. Claro que secundariamente también nos dice que los ya mencionados requisitos tampoco son necesarios para la presidencia.
Sin embargo, la falta de ellos, combinado a la carencia de escrúpulos pueden traer consecuencias muy serias para el país que se decide invadir, como una plutocracia devoradora a nivel local (cosa no tan extraña a nuestras vivencias, debo decir).
El mérito de Adam McKay es inmenso por (re)construir la historia de un político bastante oscuro a la luz diaria, pero que tuvo gran influencia en una de las fatídicas administraciones americanas.

El trabajo de peinado y maquillaje (Greg Cannom‍‍‌, Kate Biscoe y Patricia Dehaney),
sin dudas debe ser reconocido: Bush está exactamente igual. 

El estilo de la cinta tiene sus traspiés: no logra el tono de La Gran Apuesta (2015), y por momentos queda entre comedia no del todo lograda y drama. No obstante dentro de esos lapsus también hay escenas bastante brillantes.
Por supuesto, es difícil olvidar que junto a The Favourite (2018), es la única película que tiene a tres actorxs nominadxs. Por lo que, efectivamente hay un gran trabajo de Christian Bale como Dick Cheney, y buenos acompañantes como Rockwell y Carell. El trabajo de Adams también está logrado, pero la nominación probablemente quede un poco grande.

Vice junto a The Big Short, describen los peligros de la plutocracia, en un estilo que al director le sienta muy bien: precisiones cuasi documentales (pueden resultar un poco complejas de seguir), con un gran elenco y una dinámica aceptable. Claro que en el caso de Vice debería generar una profunda conciencia por la cantidad de civiles inocentes -600.000 civiles iraquíes- que pueden morir a causa de ambiciones económicas, y de la absurda manipulación mediática y legal de un sistema político que muestra que es un poco más débil y falseable de lo que se suele pensar.
Películas que describan la realidad norteamericana con este grado de inteligencia y cualidad cinematográfica, resultan verdaderamente estimulantes. Se podría pensar en McKay como una especie de Michael Moore enfocado en la espectacularización de la realidad. 

Mi Calificación: 7 (siete) Buena

La Esposa (2017):
-The Wife-

Duración: 99 Minutos
Dirección: Björn Runge (Al Final del Día, Mun mot mun, Happy End)
Guión: Jane Anderson
Protagonistas: Glenn Close (Atracción Fatal, 101 Dálmatas, El Secreto de Albert Nobbs) 
Jonathan Pryce (Brazil, El Mañana Nunca Muere, The Salvation)
Christian Slater (Suban el Volumen, Mr. Robot, La Cordillera)

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Drama co-producido por Suecia, Reino Unido y Estados Unidos, que le valió la séptima nominación al Oscar a Glenn Close, junto a sus premiaciones en el SAG, el Critics' Choice Award y el Globo de Oro. Basada en la novela homónima de Meg Wollitzer.

Pensar en Colette, Margaret Keane, o en otrxs artistas invisibilizadxs por el sistema patriarcal, es lo que da a The Wife un colchón histórico para el desarrollo de una narración más que realista.
Cuando la miraba no podía dejar de pensar en el slogan "lo personal es político", como oposición a esa frase machirula y heteronormada que reza "detrás todo gran hombre hay una gran mujer". La cinta te lleva hacia allá: comprendiendo el sacrificio, silencio y esfuerzo de Joan, y la comodidad, charlatanería y facilidad para habitar esferas públicas y privadas de Joseph.
"Soy una hacedora de reyes", decía con seguridad Joan Archer, a su vez dejando una puerta abierta para la ambigüedad y el misterio. Ese era el misterio que atraía a Nathanial Bone, periodista escéptico e inquisitivo.
Y Glenn Close lo da todo: misterio, seducción, miradas transparentes, y sobre todo empatía. Cabe decir que no está para nada mal acompañada, con un Pryce casi a su nivel, y un Slater a la altura.

La cinta no requiere de escaladas de tensión exorbitantes por la intriga que genera el relato, la posibilidad de encontrar similitudes en Joan con las biografías de nuestras madres o abuelas, y sobre todo por su plausibilidad.
La pureza en la simplicidad de la cinta, probablemente esté dada por su música (Jocelyn Pook), como por su fotografía (Ulf Brantås), ambas muy sutiles, pasibles de llevarnos a una ópera o a una gran obra de teatro.
En el guión, que afortunadamente fue escrito por una mujer, apreciamos la sólida construcción de personajes: un egocéntrico manipulador, y una mujer perspicaz bajo injustas sombras. Aquella que chocó con la ideosincracia de su época, dubitativa por momentos, pero que no dará su brazo a torcer.

La esposa, nos muestra a una Glenn Close madura, sabia y experimentada, como a parteners con altura. El guión posee un potencial emancipatorio transgeneracional, de una fuerza inusitada, que a su vez habilita una forma muy fresca de entender y cuestionar ciertos roles de la mujer, recordatoria de esa poderosa frase que dice "biología no es destino". Es de aquellas películas, que necesitaremos recordar en el futuro, como balance de la igualdad social: si la encontramos vetusta significará que hemos avanzado, si la encontramos demasiado actual probablemente nos habremos estancado. 

Mi Calificación: 8 (ocho) Muy Buena