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jueves, 11 de abril de 2019

Luchando con mi Familia (2019):
-Fighting with my family-

Duración: 108 Minutos
Dirección: Stephen Merchant (The Office, Los buenos tiempos
 Life's to Short)  
Guión: Stephen Merchant
Protagonistas: Florence Pugh (The Falling, Lady Macbeth, Malevolent)
Jack Lowden (England is Mine, Dunkerque, Calibre) 
Vince Vaughn

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Como señala un video de IMDb, una estrella de WWE tiene una biopic a los 26 años, y de esto va la película reseñada: de la luchadora retirada campeona femenina de la NXT (luchadores rookies) y dos veces campeona de Divas (que fuera predecesora del Campeonato Femenino). Otro dato relevante de Paige es que fue fundadora del movimiento Women's Revolution, que busca un trato más igualitario y digno en el deporte para las peleadoras mujeres.


Titanes en el Ring, 100% lucha, son las primeras series que se me vienen a la cabeza para hablar de lucha libre y acercarla al imaginario popular argentino. Glow, probablemente volvió a poner en el spotlight al deporte, para el público no estadounidense -allí hay un público fiel y es bastante popular-. Para el público no familiarizado con el wrestling tenemos que decir que WWE (World Wrestling Entertainment) es la empresa de lucha libre más importante, con 67 años de historia y tiene campeonatos femeninos como masculinos.


Luchando con mi Familia no sólo vuelve a disputar la supuesta división entre entretenimiento popular y "culto", como haría una película de Vincente Minelli, sino que lo hace con un ritmo frenético. Ritmo que sin embargo no puede soportar durante toda la película, y da lugar a alguna pequeña caída, pero que se remonta cómodamente. Con una gran dinámica, sorprenden algunos clichés bastante ingenuos, pero que quizás podamos perdonar a un director con sólo dos largometrajes en su haber.
Las escenas de lucha son de alto octanaje -lo que además del gran trabajo de les dobles, es mérito de la edición (Nancy Richardson)- y quedan completas al mostrar su paso previo: la gran preparación física de les atletas. Quizás esta última cuestión podría parecerle completamente irrelevante a alguien  como elemento de una película, pero me permitiré el lujo de citar a Roland Barthes para mostrar el posible interés: 
"El esfuerzo se capta en su culminación, en ese momento casi imposible en que va a sumergirse en la perfección de su logro, sin que aún haya desaparecido totalmente el riesgo de su fracaso". Aquí el francés se está refieriendo al music hall pero podría ser una cita que se aplicara a cualquier tipo de actividad espectacular que requiere un gran esfuerzo y preparación -como lo es la lucha libre-.


La fina línea entre éxito y fracaso está siempre presente en la película, similar a aquella trazada entre lesión y llave/movimiento aprendido. Estas cuestiones le dan gran dramatismo a la historia, elemento que está bien balanceado con la faceta cómica. Claro que gran parte del "gancho" de la cinta está en la identificación con Paige -mérito aquí para Florence Pugh-, quien es una marginada y representa bien a ese grupo, sumado a sus luchas contra el patriarcado y las presiones económicas y familiares.
Otre performer que no puede quedar sin mención es Jack Lowden, que hace un gran trabajo como Zak, el hermano mayor de Paige.
Si pensamos en aspectos empatizadores de la cinta, destaco el hecho -que consideré personalmente conmovedor- de escuchar por primera vez a Iron Maiden en una película. Eso es gracias a un gran soundtrack (Vik Sharma) que también incluye a Mötorhead, por ejemplo.


A veces quienes escribimos sobre cine -o particularmente yo- y/o vimos una gran cantidad de películas, tenemos ciertos prejuicios (a veces acertados) que no deberíamos poseer sobre géneros cintas o performers. Películas como Fighting with my Family, nos ayudan a cuestionar fuertemente tales enjuiciamientos.

Mi Calificación: 7,50 (siete) Buena

Parque Mágico (2019):
-Wonder Park-

Duración: 125 Minutos
Dirección: Sin Crédito
Guión: Josh Appelbaum
André Nemec
Protagonistas: Brianna Denski (Wishin' and Hopin') 
Ken Hudson Campbell (Armageddon, Live Nude Girls, Above Ground)
Jennifer Gardner 

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Película de animación que no tiene créditos en la dirección luego de que Dylan Brown fuera acusado de "conducta inapropiada o indeseada" por varias mujeres, es decir acoso. Paramount tomó seriamente la cuestión y lo despidió, por lo que la cinta quedó huérfana. Lo sopredente: tuvo un presupuesto de entre 80 y 100 millones de dólares. Además tendrá una serie spin-off que saldrá en Nickelodeon este año.


Cuestiones como la creatio ex nihilo (creación desde la nada) -en boca de uno de los personajes-, y la idea de que pensar en algo lo convierte en real, son algunas de esas falacias que intentan crear una atmósfera segura donde permanezcan les chiques. Sin embargo, tales cosas están mezcladas con un giro dramático estilo bambie bastante soft, y un evidenciamiento de la importancia de usar la imaginación dentro de un marco pragmático y anclado a cierta realidad.
Un manejo de emociones equilibrado, genera cierta empatía con la protagonista, pero no mucho más. Por otra parte, los personajes estereotipados de comic relief le quitan profundidad a la trama, para hacerla algo chata.


Su tono edulcorado sinceramente no funciona mal en tiempos donde la inyección de fantasía es necesaria para no morir de realidad, si me disculpan esa paráfrasis de esta frase digna de un sobrecito de azúcar. Si el objetivo de la cinta es el entretenimiento lo logra, y más allá de estos aspectos dicotómicos y cierta tibieza, hay que destacar que el equipo creativo realmente trabaja muy bien. Esto nos da un producto visualmente atractivo, que achacaré al diseño de producción (Fred Warter) y al departamento de arte.
La música (Steven Price) también compensa deficiencias, con un tema como Hideway de la increíble Grace VanderWaal,o con el cierre de David Bisbal que suele hacer un buen trabajo en películas.


Para cerrar la reseña parafrasearé lo que dijo Fohn, el padre de Lauren, sobre Stu en ¿Qué paso ayer? Parte II (en la que además también actúa Ken Jeong). Es como el chok -arroz blanco cocido en agua tibia-, que no tiene sabor y se le da a bebés y ancianos, un alimento que todos pueden digerir... el mundo necesita chok. Si reemplazamos a Stu por Parque Mágico tenemos así la conclusión de la crítica. Siendo además el caso que la tibieza del agua del arroz para el chok es comparable al aplauso que brindó el público.

Mi Calificación: 6 (seis) Buena



jueves, 4 de abril de 2019

Cementerio Maldito (2019): 
-Pet Sematary-

Duración: 101 Minutos
Dirección: Kevin Kölsch (Absence, Starry Eyes, Holidays)
Dennis Widmyer (Absence, Starry Eyes, Holidays)
Guión:  Matt Greenberg
Protagonistas: Jason Clarke
Amy Seimetz (Upstream Color, Alien: Covenant, Wild Nights with Emily)
John Litgow

Ficha en IMDb 
Ficha en Wikipedia


La segunda adaptación de la historia homónima de Stephen King, llega pasados treinta años de la primera, aquella dirigida por Mary Lambert. Se baraja la posibilidad de una prequela de acuerdo a la performance de taquilla.


Leyendo sobre la adaptación de Mary Lambert, me parcaté del hecho que fue bastante mal recibida por la crítica en su tiempo, lo que sin embargo no cristalizó en la cantidad de público que convocó -casi quintuplicó su presupuesto en taquilla-. La versión de este año, en cambio, parece tener mejor recepción de la prensa -aunque esperaré con curiosidad la crítica de mis colegas argentines-: esto poniéndolo en relación con puntajes de Metacritic, IMDb y Rotten Tomatoes.
Tal cuestión, me hace sentir un poco solitario respecto a mi percepción: claramente yo percibí ambas películas al revés.
La cinta de Kölsh y Widmyer parece libremente basada o inspirada en la novela de Stephen King. Concedamos -solo en esta oración-, que quizás fueran necesarios los miles de cambios argumentales respecto al libro y la película anterior, por una cuestión de dinamismo o diferenciación. Aún así, por ejemplo, resulta completamente inentendible la modificación de la relación afectuosa entre Lois y Judd por una áspera, cuando la primera oración del libro dice lo siguiente:
"Louis Creed, que se quedó sin padre a los tres años (...) no esperaba encontrar a un padre a los treinta y tantos años, pero eso fue exactamente lo que ocurrió, aunque (...) le llamaba amigo."
Claro que los cambios argumentales -aunque uno de cada seis sea ingenioso- resultan no sólo ridículos, sino también bizarros y poco coherentes.


Si hablamos de Judd, también cambia completamente el personaje: ahora es un viejo malhumorado no muy bien interpretado por un, sin embargo, excusable Litgow. Uno de los pocos puntos en común de las dos películas son las malas actuaciones, pero en la primera, esta cuestión exceptúa el trabajo del experimentado actor Fred Gwynne como Judd Crandall.
Dejando estas cuestiones de lado, encontramos una historia demasiado rebuscada, y un efectismo exagerado. Tratando de encontrar el vaso medio lleno, podemos decir que por momentos el efectismo logra cierta tensión, y a nivel visual tanto la fotografía (Laurie Rose) como los efectos visuales tienen un buen desarrollo.


La innecesaria segunda adaptación del libro de King, podría ser atractiva para las personas que no tienen interés ni por la novela, ni por la primera puesta en escena cinematográfica, o quizás como película de terror completamente independiente de ambas. Este humilde espectador preferiría ser enterrado en el Cementerio Micmac, antes de tener que ver la cinta de nuevo, o su hipótetica precuela.

Mi Calificación: 3,50 (tres y medio) Mala



viernes, 8 de marzo de 2019

Día de la mujer: ocho heroínas de ficción

Este año, y frente a una nueva conmemoración de un día fundamental para la lucha a favor de la igualdad de género, recordé cierto diagrama que muestra el porcentaje de palabras habladas por mujeres en las nominadas al Oscar a Mejor Película este año. El cual muestra que la ganadora tiene un 88% de prevalencia masculina, teniendo las mujeres el 12% del diálogo. Por eso, quise aportar una selección de personajes femeninos independientes y empoderados, que rompen con el esquema de género imperante, al menos en cierta forma. 

El diagrama mencionado, tiene relación con uno anterior que evalúa los paupérrimos porcentajes de diálogo femenino en dos décadas de ganadoras a mejor película en los Premios de la Academia. Lo que me hizo ojear las ganadoras de ese premio en los últimos diez años: una sola tiene como protagonista a una mujer: La Forma del Agua (2017).
Mi selección de personajes utiliza el término heroína de forma laxa, refiriéndose a personajes femeninos fuertes, de armas tomar, y que no dependen ni necesitan ser salvadas por nadie. Claro que tienen sus defectos, como ser películas dirigidas por hombres, pero resulta ser una tentativa pasible de ser modificada.
Hechas estas aclaraciones aquí está la lista:

08. Lisbeth Salander: protagonista de cinco novelas (la trilogía Millenium de Stieg Larsson y sus dos continuaciones de David Lagercrantz) , y la misma cantidad de películas (la trilogía sueca, y la versión estadounidense de 2012, junto a su reboot de 2018). Esta hacker sueca se caracteriza por su increíble memoria fotográfica y habilidades, como por haber sufrido la violencia machista, junto a su madre. Fue interpretada por dos nominadas al Oscar, como Rooney Mara y Claire Foy. Sin embargo mi representación favorita es la de la trilogía sueca, con Noomi Rapace.

Lisbeth es una guerrera, con o sin mohawk. Su relación con Michael
Blomkvist
(Michael Nyqvist), muestra una reciprocidad e igualdad envidiable.  
  07. Rey: en un mundo bastante falocéntrico como es el sci-fi y la saga de Star Wars, tener a una protagonista mujer fue uno de los refrescantes cambios que implementó Disney en la franquicia. Interpretada por Daisy Ridley, Rey no sólo no necesita ser salvada, sino que pudo enfrentar Kylo Ren aún sin ser entrenada para Jedi. Es la protagonista de la VII y VIII entrega de Star Wars, como también será de la IX, según suponemos.

Aquí la vemos en primer plano, junto a Kylo Ren en el fondo. Rogue One, la primera de las
anthology series también tiene una protagonista femenina: Jyn Erso, interpretada por Felicity Jones. 
06. Cordelia Wood/Foxx: protagonista de dos temporadas de American Horror Story, es la suprema del aquellarre de brujas, el cual es más poderoso que el masculino. Interpretada por Sarah Paulson, quien suele representar a mujeres fuertes y con gran capacidad de liderazgo, y usualmente no tiene small parts. Cordelia no sólo es una líder desafiante y poderosa, sino que también muestra cierta compasión y emoción cuando es necesario. 

Sarah Paulson es la segunda con más episodios en American Horror
Story con 86 hasta la fecha, serie que tiene un dream team femenino, con figuras como
Kathy Bates, Jessica Lange y Angela Bassett entre otras. 
05. Imperator Furiosa: capitana de guerra de Inmortman Joe, se revela contra él para liberar a sus esposas y se alía con Max Rockatansky. Perspicaz, ingeniosa y preparada para el combate, destaca por su sentido de autodeterminación. Interpretada por Charlize Theron, otra actriz increíble que destaca por sus papeles de gran peso. 

Furiosa no va a dudar en dispararte. Theron muestra aqui y en
películas como Tully (2018) o Monster (2003) su increíble versatilidad y calidad, como un
gran ojo para la elección de papeles. 
04. Alice Abernathy: personaje creado por Paul W.S. Anderson para la saga fílmica de Resident Evil, es la protagonista de las seis películas. Su nombre refiere a la protagonista del libro de Lewis Carroll. Alice es uno de los personajes más increíbles de películas de acción: sus acrobacias, habilidades e instinto la hacen una sobreviviente nata. Claro que poco hablaríamos de ella si no tuviera a una actriz siempre a la altura que la respalde, como es Milla Jovovich. 

Atlética, sensual y poderosa, Alice es una increíble máquina de matar
diseñada por Umbrella Corporation. No obstante su origen, logra mantenerse
lejos de los intereses de la perversa compañía, y mostrar su lado humano.
03. Laurie Strode: aparece en siete películas de Halloween, y tres de las novelizaciones. Si bien fue interpretada también por Scout Taylor-Compton, destacamos su encarnación por la scream queen Jamie Lee Curtis. La cinta de 2018, muestra su trabajo más acabado, con un personaje sólido, maduro y complejo. Laurie no teme a nada, aunque eso implique enfrentarse cuerpo a cuerpo con un asesino psicópata. Tiene un gran instinto de supervivencia, un importante sentido de responsabilidad moral y gran capacidad deductiva. 

Sabe usar armas blancas, de fuego y técnicas de combate. Definitivamente
es alguien a quien no conviene enfrentarse.


02. Ripley: Ellen es la protagonista de 4 películas de Alien. Su cinta más destacada es la de 1986, que le valió la nominación al Oscar a Mejor Actriz a Sigourney Weaver. Sencillamente el desarrollo del personaje es increíble, ya para la época, como por su confianza en sí misma y fuerza de voluntad. A Ripley poco le importa las opiniones que tengan los demás sobre ella, y no tiene ningún problema en confrontar tanto a humanos, androides y xenomorfos.  
 
Ripley se pone todos los problemas al hombro, y los enfrenta con una ferocidad increíble. 
01. Beatrix Kiddo: también conocida como la novia, o por su nombre en código Black Mamba, el personaje fue creado por Tarantino -director con algunas actitudes machistas muy repudiables- y Uma Thurman. No obstante las características de su creador, el personaje lo trasciende, convirtiéndose en una figura más que reconocida. Su resiliencia e intacto deseo de venganza la convierten en un personaje entrañable, encarnado por una Uma Thurman en un gran nivel. 

En el Volumen II sufrimos con ella cada parte de su entrenamiento, y al ver
la violencia machista que sufrió. Una de las escenas más increíbles de la película
*SPOILER* es cuando asesina a Bill con su golpe de la muerte de cinco puntos.



miércoles, 27 de febrero de 2019

¿Podrás perdonarme? (2018): 
-Can you ever forgive me?-

Duración: 106 Minutos
Dirección: Marielle Heller (Película Debut)
Guión: Nicole Holofcener
Jeff Whitty
Protagonistas: Melissa McCarthy (Damas en Guerra, Ladrona de Identidades, SPY: Una espía despistada)
Richard E. Grant
Dolly Wells (Dol & Em, Boundaries, Furlough) 

Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

Nominada a tres premios de la academia, es un biopic sobre la escritora Lee Israel, basado en su memoria homónima. Le valió la segunda nominación al Oscar y al Globo de Oro a Melissa McCarthy y la primera en ambos premios para  Richard E. Grant. A su vez es la ópera prima de Heller, actriz, guionista, y directora, que tiene en su haber el guión de la multipremiada The Diary of a Teenage Girl. 


Probablemente el término que mejor le calce a la película es "non-apologetic", porque sirve también para describir la actitud de Israel, y la actriz que la representa (McCarthy), al escapar de su género habitual, y su zona de confort. 
En Can you ever forgive me? vemos a una Melissa McCarthy distinta, tanto por el buen trabajo de maquillaje (Ma Kalaadevi Ananda) que tiene encima, como por las características de su personaje: poco sociable, muy inteligente, y elocuente. Y esto es mérito del buen trabajo de la actriz, que a su vez está acompañada de un muy buen Richard Grant, con el que tiene buena química . Los personajes no sólo son muy queribles, sino que también aportan frescura y visibilidad por ser ambos parte de la disidencia sexual: ella es lesbiana, él es gay.


La historia también tiene esa frescura de la que hablamos: a pesar de lo moralmente cuestionable de la idea de Israel, sinceramente resulta brillante, por el máximo aprovechamiento que realiza sobre sus capacidades, como el pequeño daño que genera. El guión, juega con esa ambigüedad moral, y afortunadamente no se enfoca mucho en el lado detectivesco, común en las biopics sobre crímen. No obstante, a pesar de su poca duración, la cinta tiene altibajos importantes y cierta predictibilidad, quizás premeditada.


No muchos ingredientes son necesarios, para convertir a una película en justa nominada a tres premios de la academia y que entre al top 10 del NBR (National Board of Review): personajes complejos y entrañables, buenos performers que los interpreten y una historia llamativa. Esos ingredientes también la ponen en buena estima de este crítico, que la recomienda y celebra su diversidad, en un Hollywood que cuando presenta una relación entre un hombre y una mujer, casi siempre ambos son heterosexuales.   

Mi Calificación: 7,50 (siete y medio) Buena

lunes, 25 de febrero de 2019

Oscars 2019: Un breve comentario

La nonagésima primera edición de los Oscars, no contó con presentadorx, lo que no pasaba desde 1989. Afortunadamente no fue como esa ceremonia, caracterizada por su fracaso rotundo. No obstante la premiación resultó bastante larga, y un poco carente de material audiovisual caracterísitico de algunx host.

A nivel género destacaron las victorias de mujeres en:  documental corto -Period. End of a sentence-, documental -Free Solo-, y corto de animación -Bao-, lamentando la ausencia de directoras mujeres en la categoría Mejor Película. 

Respecto a la diversidad racial, destacó la importante presencia y victorias afroamericanas con dos premios por actuación (ya especificaremos en las categorías), la primera victoria y nominación de una persona afroamericana en diseño de producción -Hannah Beachler por Black Panther- y el primer Oscar para Spike Lee -mejor guión adaptado por la infravalorada Black KKKlansmann-.
El discurso de Spike fue uno de las más comprometidos políticamente, hablando de la esclavitud afroamericana, denunciando el genocidio nativo americano, y contando que su abuela ahorró 50 años de los cheques de seguridad social para que él pudiera ir a la universidad. Tal discurso provocó la ira de Trump -que ni siquiera fue mencionado por el cineasta-, y lo hizo hablar sobre su "compromiso" con lxs afroamericanxs en Twitter.

Hannah Beachler con su estatuilla, es la primera mujer afroamercina en ganar un Oscar
por un rubro técnico, y la segunda nominada, junto a Joi McMillon por mejor edición (Moonlight).
La gran ganadora de la noche fue Bohemian Rhapsody, con cuatro Oscars, recibiendo tres por rubros técnicos (edición, edición de sonido, y mezcla de sonido). En una distribución de galardones bastante equitativa, la escoltaron: Black Panther, Green Book -que dio el batacazo de la noche-, y Roma. En realidad hablar de la "gran" ganadora es relativo, por la distribución de premios, personalmente diría que Roma fue la que podría acreditarse tal cuestión por las categorías donde ganó -Mejor Director, y Mejor Película Extranjera, siendo este último de valor relativo-.


 Entre estas cuatro películas suman 10 Oscars. Probablemente lo más sorprendente haya sido que Roma no ganara Mejor Película. Black Panther marcó un hito, no sólo por ser la primera superhero film en ser nominada a Mejor Película, sino también por ser la primera del MCU en ganar un Academy Award. 

Las grandes perdedoras de la noche fueron: Vice (8 nominaciones, y un solo Oscar), Mary Poppins Returns (4 nominaciones, ningún Oscar), La Balada de Buster Scruggs, Can you ever forgive me? y Cold War de Paweł Pawlikowski -estas últimas con tres nominaciones y ningún premio-, quien ganara el Oscar a Mejor Película Extranjera en el 2014, por Ida. La situación de First Man es relativa: si bien sólo ganó un Oscar (mejores efectos visuales) con 4 nominaciones, le sumó un poroto a un género actualmente relegado, como es la ciencia ficción. 






Vice fue quizás una de las más infravaloradas, recibiendo únicamente el Premio a Mejor Peinado y Maquillaje, preguntándonos sin en verdad eran necesarias tantas nominaciones. También sorprendió que Emily Blunt no fuera nominada a Mejor Actriz ni Mejor Actriz de Reparto, cuando había sido nominada en ambas categorías por los SAG (ganando en reparto por A Quiet Place) y nominada al Golden Globe. 

Mejor Actor de Reparto:

La primera categoría de la noche tenía poca competencia, con un Mahershala Ali, cómodamente arriba de los demás. El ahora dos veces ganador del Oscar en la misma categoría, había ganado previamente el BAFTA, el SAG, y el Golden Globe, por lo que se podría decir que su victoria estaba "cantada".
 Mi favorito, era efectivamente Mahershala, por su gran personificación del músico Don Shirley en Green Book. Si se traza un paralelismo con Moonlight, se puede ver la versatilidad del actor, con dos victorias por papeles bastante diferentes.

Mahershala en el backstage, sus dos discursos en los Oscars, se caracterizaron
por una tranquilidad y mesura sorprendente, dada la talla del galardón.
Mejor Actriz de Reparto:

En una categoría muy competitiva, pero predecible, Regina King se convirtió efectivamente en la octava mujer afroamericana en ganar el reconocimiento en esta categoría.
Emma Stone, Rachel Weisz y Marina de Tavira habían hecho grandes trabajos, por lo que no habría sido injusto que ganara alguna de ellas. Sin embargo, el trabajo de King tenía algo especial: probablemente fuera por obtener ese rol que se da una vez en la vida, en el momento indicado. Su personaje, tenía poco tiempo en escena en If Beale Street Could Talk, sin embargo, su fuerza emocional resulta poderosísima. Por eso ella era mi favorita.

Difícil no emocionarse con el discurso de Regina, que le dedicó el Oscar 
a su madre, con quien asistió a la ceremonia. Es importante señalar que
si es difícil conseguir papeles para hombres afroamericanos, más difícil lo es para una mujer.

Mejor Actor:

La gran contienda era entre Bale y Malek, ambos ganadores del Globo de Oro por sus trabajos. Malek llegaba con algunos premios más en su haber, como el BAFTA y el SAG. 
Papel desafiante, por representar a uno de los más grandes frontmans de la historia del rock, Rami lo llevó a la perfección, imitando con maestría cada uno de los movimientos de Freddie en concierto. Por lo que justamente se llevó la estatuilla a casa. 
Mi favorito era Christian Bale como Dick Cheney, un papel que lleva una importante transformación física, y el aprendizaje de algunos gestos marcados muy distintivos. A decir verdad, es prácticamente imposible reconocer a Bale en la película si no sabemos que efectivamente es él. 

Probablemente uno de los discursos más bellos por su naturalidad,
y su evasión del tan común agradecimiento compulsivo. Había en él una
humildad distintiva que se vió también en otros premios. Lo más destacado:
su agradecimiento a Queen, el señalar que hizo una película sobre un inmigrante
gay que nunca se disculpó por vivir su vida al máximo, y contar que él es hijo de inmigrantes.
Mejor Actriz: 

La categoría más competitiva de las performáticas: no habría sido injusto que cualquiera de las cuatro restantes se llevara el premio. Glenn Close era la que mejor se perfilaba: había ganado el Golden Globe y el SAG, además de ser su séptima nominación al Oscar. Pero, quizás en el segundo gran batacazo de la noche, el premio fue para Olivia Colman en su primera nominación. Claro que también le había ganado el BAFTA a Close. Es inevitable sentir un poco de pena por ella, porque parecía EL papel y se encuentra en uno de sus mejores momentos. No obstante, mi favorita era Olivia Colman, porque, si me permiten la expresión, me voló la cabeza. En mis casi 400 reseñas, nunca dije que un actor o actriz actuara de forma "excelente", pero con su labor en The Favourite no me quedó otra palabra que fuera lo suficientemente adecuada para describirla. 

La actriz estaba un poco demasiado emocionada, al nivel de Gaga. Admitió
su admiración a Glenn Close, le dedicó el premio a sus hijos, y señaló que tal cosa
no iba a suceder de nuevo. Tal cuestión me hizo reflexionar en lo difícil que debe haber sido
conseguir un papel así para ella, debido a los prejuicios respecto al género y edad. 
Mejor Película:  

A esta altura  de la noche, Roma había ganado tres premios: Mejor Director, Mejor Fotografía y Mejor Película Extranjera. Mientras que Green Book tenía solamente dos, y uno era por un rubro técnico. Bohemian Rhapsody tenía cuatro, y Black Panther tenía tres. 
Pero a pesar de todo, Greenbook se llevó el último galardón de la noche. 
Mi favorita era Roma, lo que no quitaba la cuestión de que Green Book me había encantado. Poco sentido tiene ahora hablar de los merecimientos de la cinta de Cuarón que sin embargo se quedó con esa especie de premio consuelo que es Mejor Película Extranjera. En defensa de la ganadora, si algo tenía, que le faltaba a la cinta mexicana era dinámica. Dato curioso, Green Book dura seis minutos más que Roma, y tiene un ritmo completamente distinto. 

Farrelly en el centro, director y escritor, acompañado de Vallelonga a la
izquierda y Currie a la derecha, guionistas. 





sábado, 23 de febrero de 2019

La Favorita (2018): 
-The Favourite-

Duración: 119 Minutos
Dirección: Yorgos Lanthimos

Guión: Deborah Davis
Tony McNamara
Protagonistas: Olivia Colman (Tyrannosaur, Langosta, The Night Manager) 
Emma Stone 
Rachel Weisz



Ficha en IMDb
Ficha en Wikipedia

10 nominaciones al Oscar tiene esta comedia negra de época, que ganó 7 BAFTA's. Junta por segunda vez a Weisz y Colman en una película de Lanthimos, habiendo sido la anterior: Langosta (2015).


El poder, lo que en Argentina conocemos como la ley del gallinero, y el derecho de piso, son ejes articuladores de esta comedia negra, no apta para personas de estómago débil.
Lanthimos tiene ese tan particular estilo que shockea bastante al ser visto por primera vez, pero que luego resulta hasta familiar cuando nos adaptamos a él. Parte de su maestría probablemente resida en eso: como genera una adaptación del espectador y también de los personajes a una humillación, ironía, y violencia inusitada.
Esa adaptación y desmedro moral, la vive en la cinta Abigail Masham, interpretada por una gran Emma Stone. Ella se encuentra asediada por distintos frentes: su prima, la terrorífica y manipuladora Sarah Churchill -representada exitosamente por Weisz- y Robert Harley (Nicholas Hoult). Por supuesto que poco habría sin nuestra reina Ana Estuardo, encarnada mediante un excelente trabajo de Olivia Colman.


Al ser una cinta de época, es importante evaluar el trabajo de ambientación -sea quizás un poco anacrónico o no-, que en efecto se trabajó muy bien. Hay un gran diseño de producción (Fiona Crombie), como también un gran trabajo de vestuario (Sandy Powell). La visual se completa con un buen trabajo de fotografía (Robbie Ryan), que por momentos abusa o acierta con el uso del gran angular.
Es importante señalar que la armonización visual está dada en buena parte por la puesta en escena: tanto por la ubicación de los personajes como por la espacialidad. Para eso sin duda resulta indispensable el trabajo de Lanthimos, presumiblemente.


Probablemente la escena final de la cinta me quede bastantes años en la mente por una magnífica representación de la dinámica de poder. *Spoiler*: en esta vemos a Abigail masajeándole las piernas a Ana -como si fuera su sirvienta-, mientras ella le agarra el pelo. Hay un fundido encadenado que intercala las caras de ambas, mientras los conejos de la reina empiezan a invadir la pantalla.
Toda esta situación porque Ana parece darse cuenta de la verdadera naturaleza de Abigail cuando ella pisa uno de sus conejos adrede.  

Mi Calificación: 7,50 (siete y medio) Buena