Difícilmente estaría escribiendo este artículo, si no fuera el caso que la película de Aronofsky haya recibido comentarios de la crítica muy diversos: algunxs la consideraron una obra maestra y otrxs directamente exasperante o la peor película del año. Por supuesto, que tales calificativos no son tan jugosos como el análisis que intentaron hacer de la misma respecto a la metáfora que contiene. Al estar bastante lejos de la comprensión de todx quien escribiera sobre ella surgieron comparaciones más que interesantes, e intentaré plasmarlas aquí, sumada a mi experiencia con la película -principalmente a través de haberla visto de nuevo-.
Algunas películas, que en una primera visualización no me gustaron o sí, llaman mi atención inconsciente o conscientemente. Ésto generalmente implica que las vuelva a ver, para captar elementos que se me hayan escapado, o para intentar generar una re-interpretación. El trabajo de la crítica de cine implica la inmediatez, por lo que tanto yo como otros críticos, debemos reseñar una película viéndola una sola vez, cosa que no es el del todo ideal -al menos para algunas películas-.
En mi primer análisis, consideré la película como divida en dos partes: la primera, desde el inicio, hasta la muerte del hermano joven, y la segunda, desde la "home invasion" hasta el final. Creo, que ese análisis es correcto, ya que la segunda parte genera una pérdida importante de la verosimilitud.
También analicé en detalle el sesgo patriarcal de la película, interpretación con la que sigo concordando -aquí, a posteriori, en correspondencia con la descripción de Michael Phillips, que consideró su "anticuada y patriarcal simpleza" (Traducción propia, de su reseña en el Chicago Tribune)-.
A pesar de ésta coincidencia en los dos visionados, en el segundo pude percibir cierta circularidad -el modo que empieza y como termina, por ejemplo- poderosa, que combinado a la importancia de dos elementos "teatrales" como la casa donde se desarrolla, y la piedra que custodia "el poeta" (Javier Bardem) le dan cierto efecto dramático de una potencia inusitada. Por otra parte, las escenas de invasión -a pesar de su incomprensibilidad inmanente-, generan una incomidad importante en el espectador, que puede mezclarse con una sensación de falta de verosimilitud. Un segundo análisis, encuentra en tal incomodidad un efecto probablemente deseado por el director.
Respecto a la verosimilitud, Aronofsky dijo lo siguiente: "Pienso que está bien estar confundidx. La película tiene una lógica-sueño y esa lógica sueño tiene sentido. Pero si intentas desenroscarla, se desmorona. Es un enloquecimiento psicológico. No deberían sobre-explicarla." (Traducción propia del artículo de The Guardian).
La clave de lectura que brinda el director, junto a la explicación de Jennifer Lawrence proporcionan cierta ayuda para hacer un trabajo hermenéutico individual, que sin embargo no parece molestar al director. La crítica sin dudas tuvo que desvanarse los sesos, para tratar de explicar algo muy opaco y extraño. Por supuesto que cuando alguien intenta incorporar algo desconocido, lo hace desde lo conocido. El análisis de Stephen Whitty en el Newark Star Ledger va por este lado, ya que considera a Mother! como: "una parte del temprano Roman Polanski, una parte de pseudo Harold Pinter, y dos partes de una disculpa de un artista auto-conducido" (traducción propia).
La realidad es que la sobre-interpretación resulta problemática; Madre! se parece a todo y no es igual a nada. Claro está que la comparación de Stephen Whitty, con un joven Polanski, es interesante, pensando en cierto tono psicológico similar a El Bebé de Rosemary (1968).
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